Mi nombre es Fanny Haiat, soy una escultora y pintora mexicana nacida en 1940. Mi carrera artística comenzó en 1980, logrando una destacada exposición nacional e internacional. En 1988 ganó la prestigiosa Bienal de Florencia en Italia. Mis esculturas son un elemento importante para el paisaje urbano de la Ciudad de México; ubicados en áreas que, durante muchos años, han sido parte del núcleo de la ciudad. A nivel internacional y en conjunto con la embajada de México, tengo esculturas monumentales en Sofía, Bulgaria y en Roma, Italia. Un gran número de coleccionistas, museos y galerías tienen mis piezas especiales. Estuve en la exposición de Wynnewood de 2017 durante el festival internacional de las artes. Hasta el momento tengo 28 exposiciones individuales y 15 exposiciones colectivas en la Ciudad de México y otras partes del mundo. En mi opinión, el arte es la forma más pura de comunicación en la que el artista tiene una conexión franca con el espectador. De “UniqLuxury”.
____________________________
My name is Fanny Haiat. I am a Mexican sculptor and painter born in 1940. My artistic career began in 1980, achieving outstanding national and international exposure. In 1988 she won the prestigious Florence Biennale in Italy. My sculptures are an important element for the urban landscape of Mexico City; located in areas that, for many years, have been part of the core of the city. Internationally and in conjunction with the Mexican embassy, I have monumental sculptures in Sofia, Bulgaria and in Rome, Italy. A great number of collectors, museums and galleries have my special pieces. I was at the 2017 Wynnewood exhibition during the international arts festival. So far I have 28 solo exhibitions, and 15 group exhibitions in Mexico City and other parts of the world. In my opinion, art is the purest form of communication in which the artist has a frank connection with the viewer. From “UniqLuxury”
El artista judío nacido en Chile, Mauricio Avayu,(1968- ) dijo: “Al principio quería hacer toda la Torá, pero cuando comencé a estudiar para el proyecto me di cuenta de que sería imposible”, aunque comenzó el proyecto a fines de 2013 y solo completó la sección del mural para Génesis. Cada libro de la Torá se representará a través de ocho pinturas; incluirá 40 pinturas que representarán secuencialmente los eventos de la Torá. Avayu se refiere constantemente a la Torá antes de continuar con su trabajo. Su proceso consiste en leer la Torá , Midrash y Rashi varias veces; solo entonces las imágenes comienzan a venir a su cabeza, dice: “La parte difícil en comparación con lo que he hecho antes es que aquí no soy totalmente libre”, dice Avayu. “Con otros proyectos, tendría la inspiración y las herramientas y comenzaría a pintar. Con este proyecto, no puedo hacer eso. Tengo que comenzar a estudiar, y solo después de eso puedo comenzar mi trabajo”. Comenzó a asistir a la escuela judía en Ecuador a los 10 años y realizó dibujos de personajes y eventos de la Biblia para el anuario escolar. Hasta el momento, la obra solo se ha exhibido en Chile y EE. UU. Fue inaugurada la primera noche de Hanukkah en diciembre de 2013 en la casa del presidente de Chile.
Chilean-born Jewish artist Mauricio Avayu (1968- ) said, “At first I wanted to do the whole Torah, but when I started studying for the project I realized it would be impossible,” though he started the project in late 2013 and only completed the mural section for Genesis. Each book of the Torah will be represented through eight paintings; It will include 40 paintings that will sequentially represent the events of the Torah. Avayu constantly refers to the Torah before continuing his work. His process involves reading the Torah, Midrash, and Rashi multiple times; only then do the images start to come to her head, she says, “The hard part compared to what I’ve done before is that I’m not totally free here,” says Avayu. “With other projects, I would have the inspiration and the tools and start painting, “says Avayu. “With other projects, I would have the inspiration and the tools and start painting. With this project, I can’t do that. I have to start studying, and only after that can I start my work.” He began attending a Jewish school in Ecuador at the age of 10 and drew pictures of characters and events from the Bible for the school yearbook. So far, the work has only been exhibited in Chile and the United States. It was inaugurated on the first night of Hanukkah in December 2013 in the house of the President of Chile.
Pedro Friedeberg, aunque se nació en Italia, es un artista y diseñador mexicano conocido por su obra surrealista llena de líneas, colores y símbolos antiguos y religiosos. Su pieza más conocida es la “Hand-Chair”, una escultura/silla diseñada para que las personas se sienten en la palma de la mano, usando los dedos como respaldo y reposabrazos. Friedeberg comenzó a estudiar arquitectura pero no completó sus estudios ya que comenzó a dibujar diseños contra las formas convencionales de la década de 1950. Su trabajo llamó la atención del artista Mathias Goeritz, quien lo animó a continuar como artista. Friedeberg se convirtió en parte de un grupo de artistas surrealistas en México que incluía a Leonora Carrington y Alice Rahon, quienes produjeron obras de arte altamente provocativas, rechazando las formas de arte social y político que eran dominantes en ese momento. Desde sus primeras exposiciones individuales a fines de la década de 1950, Friedeberg se ha convertido en uno de los artistas más reconocidos de México, con sus obras de arte surrealistas que se encuentran en las colecciones de prestigiosas galerías y museos de todo el mundo. Frecuentemente conocido como el último gran excéntrico, Friedeberg crea obras absurdas e irreverentes que desafían las convenciones y superan los límites de lo imposible. Friedeberg ha tenido una reputación de por vida de ser excéntrico y afirma que “el arte está muerto porque no se produce nada nuevo”.
Adaptado from Todd Merrill Studio
_____________________________
Pedro Friedeberg, although born in Italy, is a Mexican artist and designer known for his surrealist work filled with lines colors and ancient and religious symbols. His best known piece is the “Hand-Chair” a sculpture/chair designed for people to sit on the palm, using the fingers as back and arm rests. Friedeberg began studying as an architect but did not complete his studies as he began to draw designs against the conventional forms of the 1950s. His work caught the attention of artist Mathias Goeritz, who encouraged him to continue as an artist. Friedeberg became part of a group of surrealist artists in Mexico which included Leonora Carrington and Alice Rahon, who produced highly provocative art works, rejecting the social and political art forms that were dominant at the time. Since his first solo exhibitions in the late 1950s, Friedeberg has become one of Mexico’s most recognized artists, with his surreal artworks found in the collections of prestigious galleries and museums around the world. Often referred to as the last great eccentric, Friedeberg creates absurd and irreverent works that challenge convention and push the limits of the impossible. Friedeberg has had a lifelong reputation for being eccentric, and states that “art is dead because nothing new is being produced.”
Ricardo Lapin es un artista plástico, escritor y conferencista radicado en Israel. Nació en Buenos Aires, Argentina, 1961. A los 16 años partió a Israel en tiempos de la Junta Militar. Comenzó a estudiar pintura al óleo a los 10 años, y esta disciplina se convirtió en una forma de vida: también creando y también enseñando. Estudió 4 años en el Taller “Río de la Plata” en Buenos Aires (de tendencia constructivista-JoaquínTorres-García) y en la Academia Bezalel de Jerusalén (B.F.A., 1988).
____________________________________________
Ricardo Lapin is an artist, writer and lecturer based in Israel. He was born in Buenos Aires, Argentina, 1961. At the age of 16, he left for Israel during the time of the Military Junta. He began studying oil painting at the age of 10, and this discipline became a way of life: also creating and also teaching. He studied for 4 years at the “Río de la Plata” Workshop in Buenos Aires (constructivist-Joaquín Torres-García) and at the Bezalel Academy in Jerusalem (B.F.A., 1988).
Creo que el artista debe reflejar el “Zeitgeist” del período en el que trabaja. Mis propias luchas y dilemas, la cultura y el entorno en el que vivo están presentes en cada obra. La pintura para mí es mi lugar más protegido y estable, como un refugio invaluable. Siempre presente, desde mi más tierna infancia, a pesar de las situaciones y realidades cambiantes. Un territorio que se puede construir y cambiar sin cesar, un lugar de encuentro de recuerdos, miedos, deseos. Dentro del proceso creativo todo tiene existencia, sin nombre ni definición; un lugar donde todo es posible y reparable. .. Junto a la expresión estética, mis obras buscan examinar los límites de la justicia y la libertad, el significado de la vida y la muerte en un período de pérdida espiritual, depresión y continua devaluación de la vida humana .. Las imágenes me vienen a mí. Como despertando de un sueño, los atrapo dibujándolos, dibujándolos antes de que se escapen; luego las articulo y encuentro nuevas imágenes relacionadas, en un proceso asociativo. Puedo percibir que muchas imágenes tienen un aroma a relatos orales, recuerdos, leyendas familiares, traumas secretos. A veces llegan del misterio y se quedan ahí, incluso cuando ya están pintadas. El trabajo final es a veces una especie de oración inconclusa, para ser completada por el público, de muchas maneras sorprendentes, a veces muy lejos de mis asociaciones e ideas durante el proceso creativo. Siempre es mágico y veraz para mí darme cuenta de las múltiples formas de leer mi obra.
I believe that the artist should reflect the “Zeitgeist” of the period in which he works. My own struggles and dilemmas, the culture and the environment in which I live are present in each work. Painting for me is my most protected and stable place, like an invaluable refuge. Always present, from my earliest childhood, despite changing situations and realities. A territory that can be built and changed endlessly, a meeting place for memories, fears, desires. Within the creative process everything has existence, without name or definition; a place where everything is possible and fixable. .. Along with aesthetic expression, my works seek to examine the limits of justice and freedom, the meaning of life and death in a period of spiritual loss, depression and continuous devaluation of human life .. The images come to me me. As if waking up from a dream, I catch them drawing them, drawing them before they escape; then I articulate them and find new related images, in an associative process. I can perceive that many images have an aroma of oral stories, memories, family legends, secret traumas. Sometimes they come from the mystery and stay there, even when they are already painted. The final work is sometimes a kind of unfinished sentence, to be completed by the public, in many surprising ways, sometimes far removed from my associations and ideas during the creative process. It is always magical and truthful for me to realize the multiple ways of reading my work.
Para Alicia Segal, La fotografía ha sido uno de sus intereses fundamentales. La cámera ha sido su compañera permanente. Fue miembro de foto-clubes. Su necesidad de aprender la acercó a Horacio Coppola y Grete Stern, de quien fue discípula, asistente y curadora. Trabajó por medios de Argentina y del exterior y para instituciones comunitarias. Ha ejercido la docencia. Ha realizado muchas exhibiciones en Buenos Aires, Jerusalén, Nueva York, Boston y París.
For Alicia Segal, photography has been one of her fundamental interests. The camera has been his permanent companion. He was a member of photo-clubs. Her need to learn brought her closer to Horacio Coppola and Grete Stern, of whom she was a disciple, assistant, and curator. He worked for media in Argentina and abroad and for community institutions. He has taught. He has had many exhibitions in Buenos Aires, Jerusalem, New York, Boston, and Paris.
La pintora, grabadora y educadora influyente Olga Blinder nació en 1921 en Asunción, Paraguay en el seno de una familia judía. Recibió su educación formal en ingeniería y luego en educación (en la Universidad Nacional de Asunción). Su formación artística provino de la instrucción privada en Argentina y Brasil con Lívio Abramo (1902-1992), Ofelia Echagüe (1904-1987) y João Rossi. (1923–1999.) En 1954, Blinder co-fundó el grupo Arte Nuevo con Plá, Lilí del Mónico (n. 1910) y José Laterza Parodi (1915–1981), juntos organizaron la Primera Semana de Arte Moderna, que tenía como objetivo desafiar los paradigmas artísticos existentes.
The painter, printmaker, and influential educator Olga Blinder was born in 1921 in Asunción, Paraguay to a Jewish family. She received her formal education in engineering and later in education (at the Universidad Nacional de Asunción. Her art training came from private instruction in Argentina and Brazil with Lívio Abramo (1902–1992), Ofelia Echagüe (1904–1987), and João Rossi (1923–1999.) In 1954, Blinder cofounded the group Arte Nuevo with Plá, Lilí del Mónico (b. 1910), and José Laterza Parodi (1915–1981). Together they organized Primera Semana de Arte Moderna, which aimed to challenge existing artistic paradigms. Blinder’s work was groundbreaking, and her impact on the artistic milieu of her country was fundamental.
Saúl Kaminer nace en la Ciudad de México en 1952. Entre 1970-75 estudia en la Escuela Nacional de Arquitectura de la UNAM. Obtiene su titulo de Arquitecto con una tesis sobre la fundación de las ciudades prehispánicas Teotihuacán, Tula y Tenochtitlán. En 1976 se instala en Paris, donde permanece durante 22 años guardando un fuerte contacto con México. Realiza estudios de doctorado en el Instituto de Urbanismo de Paris. Actualmente comparte su tiempo entre Francia y México.Ubicado en Paris, en 1982 se hizo miembro fundador del grupo MAGIA-IMAGEN integrado por ocho artistas latinoamericanos, el cual fue disuelto en 1992, este grupo tuvo una intensa relación con el pintor Roberto Matta. Desde 1973 ha realizado 70 exposiciones individuales desde 1978 al 2020, ha participado en más de 170 exposiciones colectivas en galerías y museos de México y Paises como Francia, E. U., Nicaragua, Italia, España, Inglaterra, Argentina, Chile, Alemania, República Dominicana, Suiza, Perú, Puerto Rico y Cuba.
_____________________________________
Saúl Kaminer was born in Mexico City in 1952. Between 1970-75 he studied at the National School of Architecture at UNAM. He obtained his title of Architect with a thesis on the foundation of the pre-Hispanic cities Teotihuacán, Tula and Tenochtitlán. In 1976 he settled in Paris, where he stayed for 22 years keeping a strong contact with Mexico. He is doing doctoral studies at the Institute of Urbanism in Paris. He currently shares his time between France and Mexico. Located in Paris, in 1982 he became a founding member of the MAGIA-IMAGEN group made up of eight Latin American artists, which was dissolved in 1992. This group had an intense relationship with the painter Roberto Matta. Since 1973 he has had 70 individual exhibitions; From 1978 to 2020, he has participated in more than 170 collective exhibitions in galleries and museums in Mexico and countries such as France, the United States, Nicaragua, Italy, Spain, England, Argentina, Chile, Germany, the Dominican Republic, Switzerland, Peru, Puerto Rico and Cuba.
___________________________________________
Variaciones en el arte de Saúl Kaminer/Variations in the Art of Saúl Kaminer
Ein Sof 1963 imprint on styrene on stone and wood baseSize:62.5 x 26 x 23 cm. (24.6 x 10.2 x 9.1 in.)
Lugar del desierto
Amor lejano, Signed and dated París 94, Lithograph 37/ 150, 63 x 47 cm / 24.8 x 18.5 inches.
Las voces del cielo (The Voices in the Sky), 2018. Oil on canvas. 47 1⁄4 in. (120 cm) diameter.
The Mountain and the Seed, 2015. Glass, Wood and steel. 22 x 15 x 2 in. (56 x 38 x 5 cm.).
The Photographer
Portrait de l’Oiseau-Qui-N’Existe-Pas, 2005. Mixed media on paper laid down on canvas, 38 x 28 cm.
Le Souffle de la Terre, Oil on canvas, diameter 120 cm. 2015
La Peluquera (The Hairdresser), Oil on Canvas 65 × 45 1/2 in | 165.1 × 115.6 cm 2019
Ancêtre, Oil on canvas, 15 2/5 × 11 2/5 in | 39 × 29 cm, 2019
Tour, Metal and ceramic 10 × 9 1/10 × 7 9/10 in | 25.5 × 23 × 20 cm, 2020
Coeur du Nord, Oil on canvas, 17 7/10 × 13 4/5 in | 45 × 35 cm, 2021
Géo-écriture, Oil on wood16 1/10 × 10 3/5 in | 41 × 27 cm, 2019
“Oestrus”, óleo sobre tela, 195 x 260 cm, 2016
La boda. Engraving 30 x 27 cm 2004
Verticalité, commencement et semence, Arches cardboard 640 gr on paper, 13 1/5 × 9 3/10 in | 33.5 × 23.5 cm, 2021
Patricia Israel (1939-2011) nació en Temuco, Chile, y realizó sus primeros estudios en la Academia de Escultura de Tótila Albert para luego cursar pintura y grabado en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile. Vivió en Argentina y Venezuela. fue pintora y grabadora de origen judío adscrita a la corriente del Neo-expresionismo. Entre los ejes temáticos de su trabajo están las diversas situaciones que simbolizan la relación del humano con el mundo, desarrollando temas específicos, como el del holocausto judío, pero que traspasado al ámbito del arte, representa dolores y horrores universales. Esa unión se presenta siempre bajo un pulcro tratamiento formal que permite vislumbrar al dibujo como soporte de su imaginario, utilizando tanto el color como la tela misma, como soporte de la composición. Ese modus operandi, que ha sido la punta de lanza de su producción desde el inicio, le permitió en sus trabajos más recientes abordar con más fuerza temas americanistas. Partiendo su investigación en textos literarios, rescataba imágenes iconográficas como el conquistador y los dominados, representando la aún utópica liberación sudamericana.Israel fue la primera mujer en ganar la Bienal Internacional de Arte de Valparaíso (1991) algo muy significativo para ella, ya que desde muy el comienzo de su carrera asumió y defendió su postura como mujer, chilena y latina en defensa de la injusticia de género como analogía del sufrimiento de los oprimidos. De ahí que su pintura “Mujer” del mismo año sea un homenaje a esta lucha.Su obra ha sido exhibida internacionalmente destacando su participación en la Bienal de Venecia en 1974 y el Premio Altazor a las Artes Nacionales recibido el año después de su muerte, en 2012.
_____________________________________
Patricia Israel (1939-2011) was born in Temuco, Chile and studied at the Tótila Albert Sculpture Academy, before studying at the School of Fine Arts of the University of Chile. She lived in Argentina and Venezuela. She was a painter and engraver of Jewish origin attached to Neo-expressionism. Among the thematic axes of her work are the various situations that symbolize the human relationship with the world, developing specific themes, such as the Jewish Holocaust, but which, transferred to the field of art, represents universal pain and horror. This union is always presented under a neat formal treatment that allows us to glimpse the drawing as a support for his imaginary, using both color and the fabric itself, as a support for the composition.That modus operandi, which has been the spearhead of his production from the beginning, allowed her to address Americanist themes more forcefully in his most recent works. Starting his research in literary texts, she rescued iconographic images such as the conqueror and the dominated, representing the still utopian South American liberation. Israel was the first woman to win the Valparaíso International Art Biennial (1991), something very significant for her, since from the very beginning of her career she assumed and defended her position as a woman, Chilean and Latina in defense of gender injustice, as an analogy for the suffering of the oppressed. Hence, his painting “Woman” from the same year is a tribute to this fight. Her work has been exhibited internationally, highlighting his participation in the Venice Biennale in 1974 and the Altazor Award for National Arts received the year after her death in 2012.
Lihie Talmor nació en 1944 en Tel-Aviv, Israel. Recibe un B.Sc. en Arquitectura y Planificación Urbana de Technion, Haifa, Israel. Completa su B.A. en Poética y Literatura Comparada en la Universidad de Tel-Aviv en 1971 donde enseña hasta 1974. Estudió pintura en el estudio de Pinchas Abramovitz en Tel-Aviv. En 1980 se traslada a Caracas, Venezuela, y allí ingresa al Centro de Estudios de Artes Gráficas (CEGRA) de 1981 a 1983, y estudia pintura en el estudio de Walter Margulis. Desde 1984 ha trabajado en proyectos de arte, impartido y participado en cursos en centros culturales y talleres en Italia, Bélgica, Estados Unidos, Israel, Colombia y Venezuela. Trabaja en los campos del grabado, la escultura y la instalación. Talmor vive y trabaja en Israel y Venezuela.
____________________________________________
Lihie Talmor was born in 1944 in Tel-Aviv, Israel. Receives a B.Sc .in Architecture and Urban Planning from the Technion, Haifa, Israel. She completed her B.A. in Poetics and Comparative Literature at the University of Tel-Aviv in 1971 where she taught until 1974. Studied painting at Pinchas Abramovitz’ studio in Tel-Aviv. In 1980, moves to Caracas, Venezuela, and there enrolled at the Center of Studies for the Graphic Arts (CEGRA) from 1981 to 1983, and studied painting at Walter Margulis’ studio. Since 1984 she has worked on art projects, taught and participated in courses in cultural centers and workshops in Italy, Belgium, the United States, Israel, Colombia and Venezuela. Works in the fields of printmaking, sculptures and installations. Talmor ives and works in Israel and Venezuela.
_______________________________________
Lihie Talmor:
“”Mi intención no es una aproximación histórica ni periodística, ni un testimonio ni una ilustración de los conflictos. Por el contrario, los espacios que (re)creo en mi obra son más simbólicos que geográficos. En un camino serpenteante entre la fotografía, el grabado, la pintura y otras técnicas, creo ficción”.
“My intention is neither a historical nor a journalistic approach, neither testimony nor illustration of conflicts. On the contrary, the spaces I (re)create in my work are symbolic rather than geographical. On a meandering path between photography, etching, painting, and other techniques, I create fiction.”
Silvio Fischbein, 1949, artista visual y director de cine, vive y trabaja en Buenos Aires. Recibió los títulos de Arquitecto, año 1974 y Urbanista, año 1980, de la Universidad de Buenos Aires. Es Profesor Consultor de la Universidad de Buenos Aires. Participó en la creación y dirigió las Escuelas Audiovisuales de ORT, Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo de la Universidad de Buenos Aires, Facultad de Arte de la Universidad Nacional del Centro. Como guionista y director, realizó 30 cortometrajes, 5 largometrajes y 2 videoarte. Obtuvo el Premio George Meliès del Gobierno de Francia en 1984. Desde 1965, en las artes visuales, ha realizado 40 exposiciones individuales en el país y en el exterior, y ha participado en salones y exposiciones colectivas. Fue becado en varias ocasiones por los Gobiernos de Canadá y Francia. Entre otras distinciones, obtuvo la Beca Pollock – Krasner Foundation, 2015 y 2018. En 2021 obtuvo el 1er. Premio en la 26 Bienal de Arte Textil, Argentina. Presidió en repetidas ocasiones la Asociación Iberoamericana de Escuelas Audiovisuales y perteneció al comité ejecutivo de la Asociación Internacional de Escuelas de Cine y TV, CILECT. Actualmente preside AAVRA, Asociación de Artistas Visuales de la República Argentina.
Silvio Fischbein, 1949, visual artist and film director, lives and works in Buenos Aires. He received the titles of Architect, year 1974 and Urban Planner, year 1980, from the University of Buenos Aires. He is Consulting Professor at the University of Buenos Aires. He participated in the creation and directed the Audiovisual Schools of ORT, Faculty of Architecture, Design and Urbanism of the University of Buenos Aires, Faculty of Art of the National University of the Center. As a screenwriter and director, he made 30 short films, 5 feature films and 2 video art. He obtained the George Meliès Prize from the Government of France in 1984. Since 1965, in the visual arts, he has held 40 individual exhibitions in the country and abroad, and has participated in salons and collective exhibitions. He was awarded scholarships on several occasions by the Governments of Canada and France. Among other distinctions, he obtained the Pollock – Krasner Foundation Scholarship, 2015 and 2018. In 2021 he obtained the 1st. Award at the 26th Biennial of Textile Art, Argentina. He repeatedly presided over the Ibero-American Association of Audiovisual Schools and belonged to the executive committee of the International Association of Film and TV Schools, CILECT. He currently chairs AAVRA, Association of Visual Artists of the Argentine Republic.
Danilo Danzinger nació en Buenos Aires en 1956 y falleció allí en 2013. Con su obra participó en importantes espacios de Buenos Aires: el Premio Braque, Joven Generación del Centro de Arte y Comunicación, Espacio Giesso, Harrods y en la Fundación San Telmo a inicios de los años 1990. Obtuvo una beca de la fundación Antorchas en 1996, una Mención en el Salón de la Sociedad Hebraica Argentina en 1982, y el Primer Premio en 1993, el Premio Banco Ciudad en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires en 1996 y Mención en el Salón Nacional en 2000. Si bien participó en muestras colectivas, desde 2002 hasta 2012, no hizo presentaciones individuales. Invitado a exponer en Río Gallegos, viajó a Tierra del Fuego, adonde volvió 27 veces más. De esta experiencia nació Paleobotánica Australis, su última muestra.
________________________________________
He was born in Buenos Aires in 1956 and died there in 2013. He participated in important spaces in Buenos Aires: the Braque Award, Young Generation of the Center for Art and Communication, Espacio Giesso, Harrods and the San Telmo Foundation in the early 1990s. He received a scholarship from the Antorchas Foundation in 1996, a Mention in the Argentine Hebraic Society Hall in 1982, Third Prize in the Quinquela Martin Hall in 1989 and First Prize in 1993, the Second Prize at the Manuel Belgrano Municipal Hall in 1994, the Banco Ciudad Award at the Museum of Modern Art in Buenos Aires in 1996 and Mention at the National Hall in 2000. Although he participated in group shows, from 2002 to 2012 , did not have individual presentations. Invited to exhibit in Río Gallegos, he traveled to Tierra del Fuego, where he returned 27 more times. Paleobotánica Australis was born from this experience, his last exhibition.
María José Herrera , historiadora del arte argentino
______________________________________
La prehistoria es algo más que un tema en la obra de Danziger: es el testigo inexorable del paso del tiempo y los procesos de la vida. Por eso, a sus ojos, los misteriosos fósiles eran esculturas naturales. Piedras “talladas” por el reemplazo mineral de una antiquísima vida orgánica, la transformación de esa energía. Danilo contaba que solía visitar los jardines botánicos y que uno de sus lugares predilectos eran los museos de ciencias naturales.
María José Herrera , Historian of Argentine art
_____________________________________
Prehistory is more than just a theme in Danziger’s work: it is the inexorable witness to the passage of time and the processes of life. Therefore, in their eyes, the mysterious fossils were natural sculptures. Stones “carved” by the mineral replacement of an ancient organic life, the transformation of that energy. Danilo used to say that he used to visit the botanical gardens and that one of his favorite places was the natural science museums.
Y una pintura: “Dos tramas selladas por un solo corazón de mujer “- Óleo sobre papel.
Baruj Salinas (La Habana, 1935) pintor, escultor, grabador y ceramistacubano de origen judío, nació en La Habana, Cuba en 1935. La carrera de Salinas se inició en el campo de la arquitectura. Se graduó de la Universidad de Ohio con un título de arquitecto y emigró de Cuba a Miamia, Fla. de forma permanente en 1959. Salinas estableció en Miami y más tarde se trasladó a Barcelona, donde estudió junto a artistas Joan Miró y Antoni Tàpies. Aunque la arquitectura informó a sus primeros trabajos, poco a poco se trasladó hacia una expresión puramente abstracta. Su obra se asemeja a cuadros de espacio, donde el color es más importante que la forma y la misma se convierte en un tema principal. Hay rastros, también, de las tradiciones judías, pero haber nacido en Cuba ha hecho su impacto. Para él, Cuba es el trópico y la caña de azúcar, también es el sol y la luz. Él nunca dejará de ser cubano. Las pinturas de Salina se puede ver en las colecciones importantes de todo el mundo, como la Fundación Joan Miró, de Barcelona, el Museo Nacional de Catalunya, Barcelona, el Instituto Nacional de Bellas Artes, México DF, el Uri Museo Beit, Israel, el Museo de Fort Lauderdale de las Artes, Florida, el Museo de Bellas Artes, Budapest, el Instituto de Arte de Chicago y el Museo de Arte de Phoenix, Arizona.
Baruj Salinas (Havana, 1935) Cuban painter, sculptor, engraver and ceramicist of Jewish origin, was born in Havana, Cuba in 1935. Salinas’s career began in the field of architecture. He graduated from Ohio University with an architecture degree and immigrated from Cuba to Miami, Fla. permanently in 1959. Salinas settled in Miami and later moved to Barcelona, where he studied alongside artists Joan Miró and Antoni Tàpies. Although architecture informed his early work, he gradually moved towards a purely abstract expression. His work resembles paintings of space, where color is more important than form and form becomes a main theme. There are traces, too, of Jewish traditions, but being born in Cuba has made its impact. For him, Cuba is the tropics and the sugar cane, it is also the sun and the light. He will never stop being Cuban. Salina’s paintings can be seen in important collections around the world, such as the Joan Miró Foundation, Barcelona, the National Museum of Catalonia, Barcelona, the National Institute of Fine Arts, Mexico City, the Uri Beit Museum, Israel, the Fort Lauderdale Museum of the Arts, Florida, the Museum of Fine Arts, Budapest, the Art Institute of Chicago, and the Phoenix Art Museum, Arizona.
____________________________
El proyecto de la Torah/The Torah Project
El Proyecto Torá Humash contiene los cinco libros de Moisés en hebreo, which is the original language. The Hebrew text is accompanied by commentaries, from recognized personalities in the arts and biblical studies, written in four languages. English, Spanish, Italian and German.There are 27 unique paintings from the Jewish Cuban artist – Master Baruj Salinas, which were beautifully reproduced in the technique of litho-seriagraphy from the original paintings by the printing house Santa Chiara in the City of Urbino, Italy. This special Torah Project Humash has been printed on 100% cotton paper in 160 gr. which was supplied by the Magnani House, an Italian paper mill in Pescia, Italy. There are 126 editions of the Torah Project Humash and each one has a wooden cover (called the Jerusalem Book Cover), made by La Casa Gentili, in the small town of Fossombrone, Italy. All the books are numbered from 1 to 126 and signed by the artist Baruj Salinas and the publishing house ACC Arte Scritta, this aims to identify each book as authentic
____________________________________________
The Torah Project Humash has 372 pages and it contains all of the five books of Moses in Hebrew, which is the original language.The Hebrew text is accompanied by commentaries, from recognized personalities in the arts and biblical studies, written in four languages. English, Spanish, Italian and German.There are 27 unique paintings from the Jewish Cuban artist – Master Baruj Salinas, which were beautifully reproduced in the technique of litho-seriagraphy from the original paintings by the printing house Santa Chiara in the City of Urbino, Italy. This special Torah Project Humash has been printed on 100% cotton paper in 160 gr. which was supplied by the Magnani House, an Italian paper mill in Pescia, Italy.There are 126 editions of the Torah Project Humash and each one has a wooden cover (called the Jerusalem Book Cover), made by La Casa Gentili, in the small town of Fossombrone, Italy.All the books are numbered from 1 to 126 and signed by the artist Baruj Salinas and the publishing house ACC Arte Scritta, this aims to identify each book as authentic.
Roberto Burle Marx fue paisagista, arquiteto, desenhista, pintor, gravador, litógrafo, escultor,tapeceiro, ceramista, designer de jóias, decorador. Durante a infância vive no Rio de Janeiro. Vai com a família para a Alemanha, em 1928. Em Berlim, estuda canto e se integra à vida cultural da cidade, freqüenta teatros, óperas, museus e galerias de arte. Entra em contato com as obras de Vincent van Gogh (1853-1890), Pablo Picasso (1881-1973) e Paul Klee (1879-1940). Em 1929, freqüenta o ateliê de pintura de Degner Klemn. Nos jardins e museus botânicos de Dahlen, em Berlim, entusiasma-se ao encontrar exemplares da flora brasileira. De volta ao Brasil, faz curso de pintura e arquitetura na Escola Nacional de Belas Artes de Rio de Janeiro, entre 1930 e 1934.onde é aluno. Em 1932, realiza seu primeiro projeto de jardim para a residência da família Schwartz, no Rio de Janeiro. Entre 1934 e 1937, ocupa o cargo de diretor de parques e jardins do Recife, Pernambuco, onde passa a residir. Nesse período, vai com freqüência ao Rio de Janeiro e tem aulas com Candido Portinari (1903-1962) e com o escritor Mário de Andrade (1893-1945), no Instituto de Arte da Universidade do Distrito Federal. Em 1937, retorna ao Rio de Janeiro. O final da década de 1930 arca a integração de sua obra paisagística à arquitetura moderna, época em que o artista experimenta formas orgânicas e sinuosas na elaboração de seus projetos. Sua paixão por plantas remonta à juventude, quando se interessa por botânica e jardinagem, mas é em 1949 que Roberto Burle Marx organiza uma grande coleção, quando adquire um sítio de 800.000 m², em Campo Grande, Rio de Janeiro. Em companhia de botânicos, realiza inúmeras viagens por diversas regiões do país, para coletar e catalogar exemplares de plantas, reproduzindo em sua obra a diversidade fitogeográfica brasileira. Adaptado de https://www.guiadasartes.com.br/roberto-burle-marx/biografia
_____________________________________________
Roberto Burle Marx was a Landscaper, architect, draughtsman, painter, engraver, lithographer, sculptor, upholsterer, potter, jewelry designer, decorator. During his childhood he lived in Rio de Janeiro. He went with his family to Germany in 1928. In Berlin, he studied singing and became part of the city’s cultural life, frequenting theaters, operas, museums and art galleries. He came into contact with the works of Vincent van Gogh (1853-1890), Pablo Picasso (1881-1973) and Paul Klee (1879-1940). In 1929, he attended the painting studio of Degner Klemn. In the gardens and botanical museums of Dahlen, in Berlin, he is excited to find specimens of Brazilian flora. Back in Brazil, he studied painting and architecture at the Escola Nacional de Belas Artes (Enba), Rio de Janeiro, between 1930 and 1934. In 1932, he carried out his first garden project for the Schwartz family’s residence in Rio de Janeiro. Between 1934 and 1937, he held the position of director of parks and gardens in Recife, Pernambuco, where he took up residence. During this period, he went frequently to Rio de Janeiro and took classes with Candido Portinari (1903-1962) and with the writer Mário de Andrade (1893-1945), at the Art Institute of the University of the Federal District. In 1937, he returned to Rio de Janeiro. The end of the 1930s saw the integration of his landscape work into modern architecture, a time when the artist experimented with organic and sinuous forms in the elaboration of his projects. His passion for plants dates back to his youth, when he became interested in botany and gardening, but it was in 1949 that Roberto Burle Marx organized a large collection, when he acquired an 800,000 m² site in Campo Grande, Rio de Janeiro. In the company of botanists, he made numerous trips to different regions of the country to collect and catalog plant specimens, reproducing the Brazilian phytogeographic diversity in his work. Adapted from: https://www.guiadasartes.com.br/roberto-burle-marx/biografia
Feliza Bursztyn, la escultora colombiana, nació en Bogotá en 1933 de inmigrantes judíos polacos. Bursztyn estudió, primero en Bogotá, luego en la Art Students League de Nueva York y finalmente en la Académie de la Grande Chaumière de París. Tomó una decisión temprana de trabajar con chatarra y otras piezas de material desechado. Cuando Bursztyn presentó la primera de once chatarras (esculturas hechas con chatarra) en 1961, recibió duras críticas. En 1964, con motivo de su segunda exposición individual, los críticos de arte habían reconsiderado las posibilidades de la chatarra como medio artístico. en 1967, un nuevo cuerpo de obra, realizado en acero inoxidable y con un componente cinético, se titula Las histéricas. Estas esculturas motorizadas se presentaban ocasionalmente en entornos inmersivos que incluían no solo un fuerte sonido mecánico, sino también un cortometraje titulado Hoy Feliza. Las camas, 1974 y El baile mecánica, 1979— abrazaron por completo las posibilidades del arte cinético en un entorno multimedia. Creó figuras que “bailaban” al ritmo de la música con una iluminación dramática para completar la presentación escénica. Algunos vieron estos trabajos como comentarios políticos contra el estado y la iglesia. En 1981, luego de dos viajes a Cuba, fue detenida e interrogada por militares. Pidió asilo político en México y luego se instaló en París, donde en 1982 murió de un infarto a la edad de cuarenta y nueve años. Su obra ha sido coleccionada de forma privada y también por instituciones públicas, como el Museo de Arte Moderno, el Museo Nacional de Colombia y el Banco de la República, todos en Bogotá, y la Tate Modern, Londres.
Adaptada de Marcela Guerrera, Hammer Galleries
_________________________________________________
Feliza Bursztyn, the Colombian sculptor, was born in Bogotá in 1933 to Polish Jewish immigrants. Bursztyn study, first in Bogotá, then at the Art Students League in New York, and lastly at the Académie de la Grande Chaumière in Paris. She made an early decision to work with scrap metal and other pieces of discarded material.. When Bursztyn presented her first of eleven chatarras (sculptures made from scrap) in 1961, she received a harsh reviews. By 1964, on the occasion of her second solo show, art critics had reconsidered the possibilities of junk as an art medium. in 1967, a new body of work, made of stainless steel and with a kinetic component, was entitled Las histéricas (The hysterical ones). These motorized sculptures were occasionally presented in immersive environments that included not only a loud mechanical sound but also a short film titled Hoy Feliza (Today Feliza.) Las camas (The beds, 1974) and La baila mecánica (The mechanical dance, 1979)—fully embraced the possibilities of kinetic art in a multimedia setting. She created figures that would “dance” to music with dramatic lighting to complete the stagelike presentation. Some saw these works as political commentaries against the state and the church. In 1981, after two trips to Cuba, she was detained and questioned by the military. She sought political asylum in Mexico and then settled in Paris, where in 1982 she died of a heart attack at the age of forty-nine. Her work has been collected privately and also by public institutions, such as the Museo de Arte Moderno, Museo Nacional de Colombia, and Banco de la República, all in Bogotá, and Tate Modern, London.
adapted from de Marcela Guerrero, Hammer Galleries
Moico Yaker nació en Arequipa, Perú in 1949. Estudió Arquitectura en la University of Miami (EEUU), También estudió literatura, filosofía e historia en la Universidad Hebrea de Jerusalem, Israel. Asistió a la Escuela de Dibujo y Pintura Byam Shaw, Londres, Inglaterra y a la Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts, París, Francia. En 1982 vuelve a Perú con treinta y tres años de edad y un largo y accidentado periplo por Estados Unidos, Europa, Israel y Venezuela. Empieza entonces a definirse como «una curiosa mezcla», un artífice «sudamericano-oriental-arequipeño y judío», en busca siempre de «ese enganche astral entre los Andes y Jerusalén». Cuenta en su haber numerosas exposiciones individuales y colectivas, tanto en el Perú como en México, Brasil, Argentina, USA. Ha participado en las bienales de La Habana, Cuenca, Lima, Panamá, Sao Paulo y Venecia. Moico Yaker vive y trabaja en Lima. Adaptado de https:/cosas.pe
_______________________________________
Moico Yaker was born in Arequipa, Peru in 1949. He studied Architecture at the University of Miami (USA), He also studied literature, philosophy and history at the Hebrew University of Jerusalem, Israel. He attended the Byam Shaw School of Drawing and Painting, London, England and the Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts, Paris, France. In 1982 he returned to Peru at the age of thirty-three and after a long and eventful journey through the United States, Europe, Israel and Venezuela. Then he begins to define himself as “a curious mix”, a “South American-Eastern-Arequipa and Jewish” architect, always looking for “that astral connection between the Andes and Jerusalem.” Account to his credit numerous individual and collective exhibitions, both in Peru and in Mexico, Brazil, Argentina, USA. He has participated in the biennials of Havana, Cuenca, Lima, Panama, Sao Paulo and Venice. Moico Yaker lives and works in Lima. Adapted from de https:/cosas.pe
Moico Yaker busca <<Ese enganche entre los Andes y Jerusalén>>
Moico Yaker searches for “That union between the Andes and Jerusalem.”
___________________________________________
Pinturas/Paintings
Judaica
Judíos/Jews
Se trata del “árbol sefirótico”, considerado el principal símbolo metafísico de los cabalistas./The “Tree of life” with the ten Sefirot and the 22 Hebrew letters de los cabalistas
Detalle de Santiago Matamoros con escudo cabalita/Detail of Santiago Matamoros with a Kabbalist shield (St. James)
Santiago Matamoros a lo judío/A Jewish Version of Santiago (St. James)
Archángel Miguel/Archangel Michael
Peruano/Peruvian
Algo muere como historia pero renace como mito en estos cuadros.
Inkas y Conquistadores
Yaker le prodiga al pelo y a sus peinados.
Aborígenes/Aborigines
Fetiches/Fetishes
Moico Yaker habla en un español que es fácil entender/Moico Yaker speaks in a Spanish that is easy to follow.
Costa Rica es el hogar de aproximadamente 4000 judíos, la mayoría de ellos descendientes de los más de 300 inmigrantes de Zelechow, Polonia, que llegaron a principios de la década de 1930 en busca de oportunidades económicas y huyendo de las primeras señales de advertencia del gobierno nazi. El Museo de la Comunidad Judía de Costa Rica de San José presenta la historia de esa inmigración, así como los primeros años de los hombres como vendedores de puerta en puerta, cuando se ganaron el apodo yiddish de “clappers” por el sonido que hacían tocando puertas—se desarrolla a través de una serie de fotografías de archivo, paneles informativos y artefactos rituales. Valiosos shofars, tallits e instrumentos de brit milah atestiguan la adhesión de los primeros pobladores a la vida religiosa. El museo es parte del Centro Israelita Sionista de Costa Rica, un extenso campus inaugurado en 2004. Con 2.500 miembros, esta es la dirección principal ortodoxo para gran parte de lo judío en el país: servicios de adoración diarios, certificación de kashrut, mikvehs, educación escolar diurna, programas para personas mayores y sociedad funeraria. Hay una sinagoga reformista. Los judíos ocupan un lugar elevado y enrarecido en la sociedad costarricense. Operadores turísticos usan misma palabra: “elegante”, utilizada con reverencia en lugar de como un insulto—cuando lucha en inglés para describir a los judíos locales, muchos de los cuales son dueños de importantes concesionarios de automóviles, franquicias de comida rápida y otros negocios exitosos.
_______________________________________
Costa Rica is home to approximately 4,000 Jews, most of them descendants of the 300-plus immigrants from Zelechow, Poland, who arrived in the early 1930s looking for economic opportunity and fleeing the early warning signs of Nazi rule. In San José’s Museo de la Comunidad Judía de Costa Rica, the story of that immigration as well as the men’s early years as door-to-door salesmen—when they earned the Yiddish sobriquet “klappers” for the sound they made knocking on doors—unfolds through a series of archival photographs, informational panels and ritual artifacts. Treasured shofars, tallits and brit milah instruments testify to the earliest settlers’ adherence to religious life. The museum is housed in the Centro Israelita Sionista de Costa Rica, a sprawling multi-acre campus opened in 2004. With 2,500 members, this is the main address for most things Jewish in the country—daily Orthodox worship services, kashrut certification, mikvehs, day school education, senior programs and burial society. There is one Reform congregation. Jews inhabit a lofty, rarified place in Costa Rican society. Tour leaders use the word “fancy,” with reverence rather than as a slur—when struggling in English to describe local Jews, many of whom own prominent car dealerships, fast-food franchises and other successful businesses.
“Paz y amor” celebra no solamente la sobrevivencia de Sarita y su familia, sino la recepción que recibieron de los judío costarricenses y la solidaridad de esa comunidad. Trata de la adaptación de Sarita a su vida nueva en Costa Rica. También, es una historia de amor entre Samuel Rovinski que llegará a ser un escritor importante y su querida Sarita.
___________________________________________
“The Mountain of Saw Dust”
“Peace and Love’”celebrates not only the survival of Sarita and her family, but also the reception they received by the Costa Rican Jews and the solidarity of that community. It deals with Sarita’s adaptation to her new life en Costa Rica. Also, it is adolescent love story between Samuel Rovinski, who would become an important writer, and his beloved Sarita.
Parque de la Vida – en honor de los 190 sobrevivientes del Holocausto que hicieron sus vida en Costa Rica/ Life Park – in honor of the 190 Holocaust survivors who made their lives in Costa Rica — Velma Faingerziedt, directora
Noé Katz nació en la Ciudad de México en 1953 de padres judíos. Se inició como diseñador gráfico luego de estudiar en la escuela del INBA, en la Ciudadela, y continuó su formación en la academia de Bellas Artes de Florencia, con una beca de la embajada de Italia en México y de la Secretaría de Relaciones Exteriores.Ha incursionado en el dibujo, la pintura, la escultura y la obra mural, además de dedicarse al diseño editorial. Su obra forma parte de las colecciones del museo de arte moderno de México y otros museos del extranjero.Entre sus premios se puede mencionar el premio en el Museo Carillo Gil con el tema “Sobre el humor”. El premio de la Cámara Nacional de las Artes Gráficas en México, el premio de la revista Escala de Aeroméxico a la mejor portada con motivo del Mundial Francia ’98, el premio de la Cámara de Artes Gráficas de Brasil por su obra “El Ángel”, y quizá uno de los más representativos: El premio por su timbre postal conmemorativo a los 100 años de presencia judía en México. Adaptado de Enlace Judío de México
_________________________________________
Noé Katz was born in Mexico City in 1953 to Jewish parents. He began as a graphic designer after studying at the INBA school, in the Ciudadela, and continued his training at the Academy of Fine Arts in Florence, with a scholarship from the Italian embassy. in Mexico and the Ministry of Foreign Affairs. He has ventured into drawing, painting, sculpture and mural work, in addition to dedicating himself to editorial design. His work is part of the collections of the Museum of Modern Art in Mexico and other museums abroad. Among his awards we can mention the award at the Carillo Gil Museum with the theme “On humor”. The award from the National Chamber of Graphic Arts in Mexico, the award from Aeroméxico’s Escala magazine for the best cover on the occasion of the France ’98 World Cup, the award from the Brazilian Chamber of Graphic Arts for his work “El Ángel” , and perhaps one of the most representative: The award for its commemorative postage stamp for 100 years of Jewish presence in Mexico. Adapted from Enlace Judío de México
“My imagination leads me to design three-dimensional ideas. Sometimes I create on a smaller scale, imagining them being built in a much larger scale such as public spaces. Besides sculpture, I’m a full time painter who loves to let my imagination flow and I take pride in my technique as well. I enjoy the use of colors and smooth surfaces. I think that a person who wants to feel alive has to read, travel, love, and let himself be loved.” Noé Katz
_______________________
“Mi imaginación me lleva a diseñar ideas tridimensionales. A veces creo en una escala más pequeña, imaginando que se construyen en una escala mucho mayor, como los espacios públicos. Además de la escultura, soy un pintor a tiempo completo al que le encanta dejar fluir mi imaginación y también me enorgullezco de mi técnica. Disfruto el uso de colores y superficies lisas. Creo que una persona que quiere sentirse viva tiene que leer, viajar, amar y dejarse amar”. Noé Katz
____________________________________
El premio por su timbre postal conmemorativo a los cien años de presencia judía en México/The prize for its commemorative postage stamp for one hundred years of Jewish presence in México
Kurt Levy nació en Alemania en 1911, pero pasó la mayor parte de su carrera pictórica en Colombia. Es célebre por sus paisajes en acuarela del campo colombiano. “Encontré la luz del Caribe como una ocasión espléndida para la gran aventura de la pintura”, dijo Levy en una exposición en Bogotá en 1959. El pintor judío huyó de Europa en 1935 y se estableció en Colombia, donde apoyó sus actividades artísticas trabajando como litógrafo. La carrera pictórica de Levy despegó en 1947 con su primera exposición individual en la Biblioteca Nacional de Bogotá. Aceptó un puesto para trabajar como profesor de dibujo y acuarela en la Universidad de Barranquilla, en el norte de Colombia, en 1956. El artista también vivió en Medellín durante varios años, trabajando como instructor de pintura y dibujo en el Centro Colombo Americano. Los paisajes colombianos de Levy, que describió como concisos y nada sentimentales, se han exhibido en todo el país.
_____________________________________
Kurt Levy was born in Germany in 1911, but spent most of his painting career in Colombia. He is celebrated for his watercolor landscapes of the Colombian countryside.“I found the light of the Caribbean a splendid occasion for the great adventure of painting,” Levy said at an exhibition in Bogotá in 1959. The Jewish painter fled Europe in 1935 and settled in Colombia, where he supported his artistic pursuits by working as a lithographer. Levy’s painting career took off in 1947 with his first solo exhibition at the Biblioteca Nacional de Bogotá. He accepted a position to work as a professor of drawing and watercolor painting at the University of Barranquilla, in northern Colombia, in 1956. The artist also lived in Medellin for several years, working as a painting and drawing instructor at Centro Colombo Americano. Levy’s Colombian landscapes, which he described as concise and unsentimental, have been exhibited all over the country.
Su obra ha sido un intento por encontrar su lugar en el mundo. Si bien Esther Vainstein nació en Lima en 1947, sus orígenes están en Polonia y Rumania, de donde vinieron sus padres antes de estallar la Segunda Guerra Mundial. Eso los salvó del exterminio nazi. Sin embargo, la mayoría de su familia judía en Europa pereció en loscampos de concentración. Actualmente, ella tiene una hermana y dos hijas que viven desde hace buen tiempo en Estados Unidos. Por eso, dice: “Soy la primera y la última generación de mi familia en el Perú”.Esto la llevó a buscar sus raíces a través de sus proyectos artísticos, y decidió adoptar el desierto costeño como su patria. “Yo no conozco Polonia ni Rumania y tampoco tengo ganas de ir porque no quiero visitar los campos de concentración. Esto es como una búsqueda de raíces en un país que no es el mío, como tampoco lo son Polonia ni Rumania. Yo estudié cine y trabajé nueve años en la BBC de Londres haciendo documentales sobre el Perú, viajé mucho y descubrí el desierto que para mí resulta fantástico. Es un tema recurrente en mi obra desde hace 40 años”, dice.Y el desierto costeño está conectado con lo precolombino, con culturas como Chancay, Paracas y Nazca, temas que Esther Vainstein ha desarrollado en pinturas e instalaciones como la realizada en 2007, en el ICPNA, titulada Ofrendas de Barro y Viento / Cadencia y variaciones, una exposición antológica de su obra, donde construyó una huaca enorme en la sala miraflorina. “Ese año ocurrió el terremoto en Pisco —cuenta— y se derrumbó una casa hecha de adobes en Chorrillos. Uno de los obreros que estaba trabajando conmigo me avisó del hecho y esa noche mandamos un camión a recoger esos adobes y con ellos construí la instalación de la huaca. La hice con arena negra como símbolo de la muerte causada por el terremoto. . . Fue toda una experiencia”.Lo que a ella le interesa contar es eso que se esconde y revela en la aparente inercia del desierto. “El desierto está vivo —dice— las arenas se mueven constantemente, tapan y destapan las cosas. En Paracas, en Nazca, en Palpa, por ejemplo, los vientos cambian mucho, y existen cosas que recién se han ido descubriendo, como las líneas Paracas, porque antes estaban ocultas”. Se queda en silencio y segundos después, agrega: “Hace más de 40 años, vivo frente al mar y creo que este es equivalente al desierto. Las mareas cambian, nunca nada es igual, todos los días el mar es distinto, lo mismo sucede con el desierto, por eso cada persona tiene una visión distinta de él”.
El Comercio, Lima
.__________________________________________
His work has been an attempt to find his place in the world. Although Esther Vainstein was born in Lima in 1947, her origins are in Poland and Romania, where her parents came from before the outbreak of World War II. That saved them from Nazi extermination. However, most of his Jewish family in Europe perished in the concentration camps. Currently, she has a sister and two daughters who have long lived in the United States. For this reason, she says: “I am the first and the last generation of my family in Peru.” This led her to seek her roots through her artistic projects, and she decided to adopt the coastal desert as her homeland. “I don’t know Poland or Romania and I don’t feel like going because I don’t want to visit the concentration camps. This is like a search for roots in a country that is not mine, and neither are Poland or Romania. I studied film and worked for the BBC in London for nine years making documentaries about Peru, I traveled a lot and discovered the desert, which for me is fantastic. It has been a recurring theme in my work for 40 years ”, he says. And the coastal desert is connected with the pre-Columbian, with cultures such as Chancay, Paracas and Nazca, themes that Esther Vainstein has developed in paintings and installations such as the one carried out in 2007, at the ICPNA, entitled Offerings of Clay and Wind / Cadence and Variations, an anthological exhibition of her work, where she built a Huge huaca in the Miraflorina room. “That year the earthquake occurred in Pisco,” he says, “and a house made of adobes collapsed in Chorrillos. One of the workers who was working with me told me of the fact and that night we sent a truck to collect those adobes and with them I built the installation of the huaca. I made it with black sand as a symbol of death caused by the earthquake. . . It was quite an experience. ”What she is interested in telling is what is hidden and revealed in the apparent inertia of the desert. “The desert is alive,” he says, “the sands are constantly moving, covering and uncovering things. In Paracas, in Nazca, in Palpa, for example, the winds change a lot, and there are things that have only recently been discovered, such as the Paracas lines, because before they were hidden ”. He remains silent and seconds later, he adds: “For more than 40 years, I have lived in front of the sea and I think it is equivalent to the desert. The tides change, nothing is ever the same, every day the sea is different, the same happens with the desert, that is why each person has a different vision of it ”.
Gertrud Herta Sojková Baum nació en 1909 en Berlín de padres judíos checos. Su padre, Rudolf Sojka, era ingeniero y tenía tratos comerciales con el presidente ecuatoriano Eloy Alfaro relacionados con el sistema ferroviario ecuatoriano. Pronto la familia se mudó a Praga, Checoslovaquia. Se matriculó en la Academia de las Artes de Prusia en Berlín. Su talento como pintora la llevó a exponer en Berlín; Con el ascenso al poder de Hitler y la invasión de Checoslovaquia por el Tercer Reich, la familia judía de Sojka se vio amenazada. En 1938, Sojka se casó con Dezider Schwartz. En 1942, la pareja fue transportada al campo de concentración de Majdanek, luego al campo de trabajo de Sered y luego, en 1944, al campo de concentración de Auschwitz. Trude es trasladado al campo de concentración de Gross-Rosen, liberado por los rusos. Nunca volvería a encontrar a Dezider Schwartz. Pero encontró en la Cruz Roja un periódico de su hermano mayor, Waltre, que buscaba a su familia. Vivía en Ecuador desde 1938. Waltre había sido invitado a Ecuador para dar conferencias de química en la Universidad Central del Ecuador y, decidió quedarse allí. Trude decidió unirse a ellos. “Cuando llegué al puerto de Guayaquil , mi hermano me esperaba con los brazos abiertos.” “Solo que cuando salí del barco, fui corriendo directo a abrazar un racimo de plátanos”, solía bromear Sojka. Sojka estaba fascinado por la cultura, los pueblos indígenas y el paisaje. Ella descubre es el arte autóctono y aborigen , que comienza a estudiar cuanto antes: una fuente de inspiración para sus propias obras. Sojka comienza a trabajar para su hermano y su esposa, tanto en su fábrica como en su tienda de artesanías, llamada AKIOS, (Sojka escrito al revés), en el Centro Histórico de Quito. Cuando Sojka llegó a Guayaquil, conoció a un buen amigo de su hermano Hans Steinitz, también sobreviviente del Holocausto, quien logró huir del campo de concentración de Sachsenhausen. Se casaron. Luego, la artista se dedica casi por completo a su arte. Por estos tiempos conoce a grandes artistas ecuatorianos como Gilberto Almeida, Víctor Mideros, Manuel Rendón o, durante los 90, o Pilar Bustos. Incluso llega a enseñar escultura a Oswaldo Guayasamín. Sus primeras pinturas en Ecuador, creadas en 1950, representan sus experiencias en Auschwitz. También trabajó mucho en torno al significado de su apellido: Sojka, un pájaro que deambula por los bosques del este de Europa. Posteriormente, volvió a estudiar, pero esta vez profundamente, el arte precolombino, especialmente el arte indígena tradicional ecuatoriano y sus diferentes divinidades. Por eso, introdujo a muchas de sus figuras en su forma de pintar expresionista europea, que es única. Mientras tanto, sus pinturas se volvieron más alegres: la naturaleza, el universo, las oraciones, los recuerdos nostálgicos de su amada Checoslovaquia se convirtieron en sus temas principales. A finales del siglo XX pintó muchas más figuras tiernas. Las obras de Trude Sojka también se consideran muy especiales debido a su técnica. La artista utilizó cemento, un material muy duro y de secado rápido, para realizar sus pinturas, al igual que haría sus esculturas, dando una segunda dimensión a la superficie generalmente plana. Se le ocurrió la idea porque le encantaba trabajar con arcilla, pero el cemento era más barato y desafiante. Para fijar el cemento a la superficie de madera o cartón, utilizó un pegamento que su hermano Walter Sojka, un químico, inventó solo para ella. Además, fue pionera en Ecuador, y probablemente también en América Latina, en utilizar materiales reciclados dentro de sus obras de arte, como vidrios rotos, piezas de metal, estructuras de ruedas, tejas, tapas de cubos de basura. Con motivo del 90 cumpleaños de Sojka, la Casa de la Cultura Ecuatoriana ” Benjamín Carrión ” le rindió homenaje, nombrándola “Artista emérita” y se realizó una exposición retrospectiva de sus obras. En 2001, Sojka sufrió un derrame cerebral. Logró superarlo con un mínimo de pérdida de memoria. Continuó haciendo pinturas y esculturas pesadas con cemento y materiales reciclados hasta los noventa y cinco años. Cuando sus manos se volvieron demasiado frágiles, dejó de trabajar con cemento. Sin embargo, nunca dejó de pintar y dibujar. Se murió en 2007.
Gertrud Herta Sojková Baum was born in 1909 in Berlin to Czech Jewish parents. His father, Rudolf Sojka, was an engineer and had business dealings with Ecuadorian President Eloy Alfaro related to the Ecuadorian rail system. Soon the family moved to Prague, Czechoslovakia. He enrolled at the Prussian Academy of Arts in Berlin. Her talent as a painter led her to exhibit in Berlin; With Hitler’s rise to power and the Third Reich’s invasion of Czechoslovakia, Sojka’s Jewish family was threatened. In 1938, Sojka married Dezider Schwartz. In 1942, the couple were transported to the Majdanek concentration camp, then to the Sered labor camp, and then, in 1944, to the Auschwitz concentration camp. Trude is transferred to the Gross-Rosen concentration camp, liberated by the Russians. She would never see Dezider Schwartz again. But he found in the Red Cross a newspaper of his older brother, Waltre, who was looking for his family. He had lived in Ecuador since 1938. Walter had been invited to Ecuador to give chemistry lectures at the Central University of Ecuador and decided to stay there. Trude decided to join them. “When I arrived at the port of Guayaquil, my brother was waiting for me with open arms.” “Only when I got off the boat, I ran straight to hug a bunch of bananas,” Sojka used to joke. Sojka was fascinated by culture, indigenous peoples and the landscape. She discovers indigenous and aboriginal art, which she begins to study as soon as possible: a source of inspiration for his own works. Sojka begins to work for his brother and his wife, both in their factory and in their handicraft store, called AKIOS, (Sojka written backwards), in the Historic Center of Quito When Sojka arrived in Guayaquil, she met a good friend of her brother Hans Steinitz, also a Holocaust survivor, who managed to escape from the Sachsenhausen concentration camp. They married. Later, the artist devotes herself almost entirely to her art. During these times he met great Ecuadorian artists such as Gilberto Almeida, Víctor Mideros, Manuel Rendón or, during the 90s, or Pilar Bustos. He even taught sculpture to Oswaldo Guayasamín. His first paintings in Ecuador, created in 1950, depict his experiences at Auschwitz. He also worked hard around the meaning of his last name: Sojka, a bird that roams the forests of eastern Europe. Later, he returned to study, but this time deeply, pre-Columbian art, especially Ecuadorian traditional indigenous art and its different divinities. For this reason, he introduced many of his figures in his European Expressionist way of painting, which is unique. Meanwhile, his paintings became more joyful: nature, the universe, prayers, nostalgic memories of his beloved Czechoslovakia became his main themes. At the end of the 20th century he painted many more cute figures. Trude Sojka’s works are also considered very special due to their technique. The artist used cement, a very hard and fast drying material, to make her paintings, as she would her sculptures, giving a second dimension to the generally flat surface. She came up with the idea because he loved working with clay, but cement was cheaper and more challenging. To fix the cement to the wooden or cardboard surface, she used a glue that her brother Walter Sojka, a chemist, invented just for her. In addition, it was a pioneer in Ecuador, and probably also in Latin America, in using recycled materials within its works of art, such as broken glass, metal pieces, wheel frames, roof tiles, and garbage can lids. On the occasion of Sojka’s 90th birthday, the Ecuadorian House of Culture “Benjamín Carrión” paid tribute to her, naming her “Emeritus Artist” and a retrospective exhibition of her works was held. In 2001, Sojka suffered a stroke. She managed to get through it with minimal memory loss. She continued to make heavy paintings and sculptures with cement and recycled materials until he was ninety-five years old. When his hands became too fragile, she stopped working with cement. However, he never stopped painting and drawing. He died in 2007.
Fotos de Lene Schneider-Keiner como actriz, pintora,fotógrafa y viajera/ Photos of Lene Schneider-Keiner as a actrice, painter, photographer and traveler
Lene Schneider-Keiner nació en 1885, en Viena, Austria, en una familia judía. Estudió pintura en Viena y en Munich. La suya es la historia de una mujer judía creativa, independiente y rompedora de fronteras que se adelantó a su tiempo. Lene Schneider-Keiner fue una pintora y diseñadora de moda en Berlín en la década de 1920 que navegó por el escándalo, se vistió de hombre para dedicarse a su arte, se divorció de su marido y viajó por partes poco visitadas de Asia y Oriente Medio en el camino de Marco Polo. De 1926 a 1928, participó en una expedición a Asia, que la llevó a ella y al autor Bernhard Kellermann a Irán, Ladakh (Klein-Tibet), India, Tailandia y China. Luego se trasladó a Berlín, donde fue apoyada por la Academia de Bellas Artes de Prusia y la Villa Másimo en Roma. Tras una estancia en España en la década de 1930, se instaló en Nueva York y más tarde en Berlín. Ella escapó y se mantuvo unos pasos por delante de los nazis, y finalmente se dirigió a la ciudad de Nueva York, luego a Cochabamba, Bolivia, donde en 1954 se había mudado para encontrarse con familiares que se establecieron allí después de huir de los nazis. En Cochabamba, Bolivia, donde se hizo conocida como Elena Eleska, murió en 1971. ___________________________________________________
Lene Schneider-Keiner was born in 1885, in Vienna, Austria, to a Jewish family. She studied painting in Vienna and Munich. Her’s is the story of a creative, independent and border-breaking Jewish woman who was ahead of her time. Lene Schneider-Kainer was a painter and fashion designer in Berlin in the 1920s who navigated scandal, dressed as a man to pursue her art, divorced her husband, and traveled through little-visited parts of Asia and the Middle East. on the road to Marco Polo. From 1926 to 1928, she participated in an expedition to Asia, which took her and author Bernhard Kellermann to Iran, Ladakh (Klein-Tibet), India, Thailand, and China. She then moved to Berlin, where she was supported by the Prussian Academy of Fine Arts and the Villa Másimo in Rome. After a stay in Spain in the 1930s, she settled in New York and later in Berlin. She escaped and stayed a few steps ahead of the Nazis, eventually making her way to New York City, then Cochabamba, Bolivia, where in 1954, she moved to meet relatives who settled there after fleeing the Nazis. In Cochabamba, Bolivia, where she became known as Elena Eleska, she died in 1971.
Pinturas de sus viajes inmensos sobre la ruta de Marco Polo y más visitas del mundo/Paintings from her enormous journeys following the Route of Marco Polo and other visits around the world
Una mujer ladok de la Himalayas/A Laddock woman from the Himalayas
Un lama de las Himalayas/A lama from the Himalayas
Mujer china con bebé/Chinese Woman with Baby
Una mujer del Golfo de Persia/A Woman of the Persian Gulf
Attork
Bailarina de Siam/Siamese Dancing Girl
Una madre jóven de Persia/A Young Mother from Persia
Una mendiga en Persio/A Woman Beggar in Persia
Dos hombres de la India con frutas/Two men from India with fruit __________________________
El mercado de Peking/The Pekin market
Pueblo en las montañas Altas de Moroco/A Village in the Atlas Mountains of Morocco
Franz Weissman (1911-2005) Escultor, desenhista, pintor e professor. Veio para o Brasil em 1921. No Rio de Janeiro, entre 1939 e 1941, frequenta cursos de arquitetura, escultura, pintura e desenho na Escola Nacional de Belas Artes (Enba). De 1942 a 1944, estudou desenho, escultura, modelagem e fundição com August Zamoyski (1893-1970). Em 1945, muda-se para Belo Horizonte, onde dá aulas particulares de desenho e escultura. Três anos depois, Guignard (1896-1962) o convida a lecionar escultura na Escola do Parque, que mais tarde recebe o nome de Escola Guignard. Inicialmente, desenvolve um trabalho baseado no figurativismo. A partir da década de 1950, vai elaborando gradativamente uma obra de cunho construtivista, valorizando as formas geométricas, submetendo-as a cortes e dobras, utilizando chapas de ferro, fios de aço, alumínio em dintel ou chapa. Ingressou no Grupo Frente, em 1955. No ano seguinte, voltou ao Rio de Janeiro e participou da Mostra Nacional de Arte Concreta, em 1957. Foi um dos fundadores do Grupo Neoconcreto, em 1959. Nesse ano, viajou para a Europa e Extremo Oriente, retornando ao Brasil em 1965. Na década de 1960, expôs a série Amassados, feita na Europa com chapas de zinco ou alumínio trabalhadas com martelo, clava e instrumentos de ponta, aliando-se temporariamente ao informalismo. Depois, volta aos aspectos construtivos. Na década de 1970, recebeu o prêmio de melhor escultor pela Associação Paulista de Críticos de Arte (APCA), participou da Bienal Internacional de Escultura ao Ar Livre, em Antuérpia, na Bélgica, e da Bienal de Veneza. Realiza esculturas monumentais para espaços públicos de várias cidades brasileiras, como a Praça da Sé, em São Paulo, o Parque da Catacumba, no Rio de Janeiro e o Palácio das Artes, em Belo Horizonte.
____________________________________
Franz Weissmann (1911-2005) Escultor, dibujante, pintor y maestro, llegó a Brasil en 1921. En Río de Janeiro, entre 1939 y 1941, asistió a cursos de arquitectura, escultura, pintura y dibujo en la Escuela Nacional de Bellas Artes ( En BA). De 1942 a 1944 estudió dibujo, escultura, modelado y fundición con August Zamoyski (1893-1970). En 1945 se trasladó a Belo Horizonte, donde impartió clases particulares de dibujo y escultura. Tres años más tarde, Guignard (1896-1962) lo invitó a enseñar escultura en la Escola do Parque, que más tarde recibió el nombre de Escola Guignard. Inicialmente he desarrollado un trabajo basado en el figurativismo. A partir de la década de 1950, poco a poco elaboró una obra de carácter constructivista, valorando las formas geométricas sometiéndolas a cortes y pliegues, utilizando planchas de hierro, alambres de acero, aluminio en dintel o chapa. Ingresó al Grupo Frente, en 1955. Al año siguiente, regresó a Río de Janeiro y participó en la Exposición Nacional de Arte Concreto, en 1957. Fue uno de los fundadores del Grupo Neoconcreto, en 1959. En ese año, viajó a Europa y Extremo Oriente, regresando a Brasil en 1965. En la década de 1960 expone la serie Amassados, realizada en Europa con láminas de zinc o aluminio trabajadas con martillo, maza e instrumentos afilados, alineándose temporalmente con el informalismo. Más tarde, volví al estilo constructivo. En la década de 1970, recibí el premio por mejor escultor de la Asociación de Críticos de Arte de São Paulo (APCA), participó en la Bienal Internacional de Escultura al Aire Libre, en Amberes, Bélgica, y la Bienal de Venecia. Creó esculturas monumentales para espacios públicos en varias ciudades brasileñas, como Praça da Sé, en São Paulo, Parque da Catacumba, en Río de Janeiro y Palácio das Artes, en Belo Horizonte.
__________________________________
Franz Weissmann (1911-2005) Sculptor, draughtsman, painter and teacher, came to Brazil in 1921. In Rio de Janeiro, between 1939 and 1941, he attended courses in architecture, sculpture, painting and drawing at the National School of Fine Arts (Enba). From 1942 to 1944, he studied drawing, sculpture, modeling and casting with August Zamoyski (1893-1970). In 1945, he moved to Belo Horizonte, where he taught private lessons in drawing and sculpture. Three years later, Guignard (1896-1962) invited him to teach sculpture at Escola do Parque, which later received the name Escola Guignard. Initially, he developed work based on figurativism. From the 1950s onwards, he gradually elaborated a work of a constructivist nature, valuing geometric shapes, submitting them to cuts and folds, using iron plates, steel wires, aluminum in lintel or sheet. He joined Grupo Frente, in 1955. The following year, he returned to Rio de Janeiro and participated in the National Exhibition of Concrete Art, in 1957. He was one of the founders of Grupo Neoconcreto, in 1959. In that year, he traveled to Europe and the Far East, returning to Brazil in 1965. In the 1960s, he exhibited the Amassados series, made in Europe with zinc or aluminum sheets worked with a hammer, club and sharp instruments, temporarily aligning himself with informalism. Later, he came back to the constructive style. In the 1970s, he received the award for best sculptor from the São Paulo Association of Art Critics (APCA), participated in the International Biennial of Outdoor Sculpture, in Antwerp, Belgium, and the Venice Biennale. He created monumental sculptures for public spaces in several Brazilian cities, such as Praça da Sé, in São Paulo, Parque da Catacumba, in Rio de Janeiro and Palácio das Artes, in Belo Horizonte.
“O vazio sempre foi uma grande obsessão minha, o vazio ativo e não o vazio morto. O vazio está activo em relação ao conjunto de elementos de que dispõe [ao conjunto de elementos que ele tem]. Sempre tive a obsessão de não fechar portas, de abrir as janelas para ver, através delas, o mundo. Mesmo nas minhas figuras já trabalhei com o vazio, perfurei as figuras em argila e papel.”
_____________
“El vacío fue siempre una gran obsesión mía, el vacío activo y no el vacío muerto. El vacío es activo en relación con el conjunto de elementos que tiene [ao conjunto de elementos que ele tem]. Siempre tuve la obsesión de no cerrar puertas, de abrir las ventanas para ver, a través de ellas, el mundo. Incluso en mis figuras ya trabajé con el vacío, perforé las figuras en arcilla y papel.“
______________
“The void was always a great obsession of mine, the active void and not the dead void. The void is active in relation to the set of elements that it has [ao conjunto de elementos que ele tem]. I always had the obsession of not closing doors, of opening the windows to see, through them, the world. Even in my figures I already worked with the void, I pierced the figures in clay and paper.”
Franz Weismann
Renato Rodrigues da Silva (2021) The (neo)concrete sculptures of Franz Weissmann: between heaven and earth, World Art, 11:1, 41-70, DOI: 10.1080/21500894.2020.1737213
_________________________________
Escultura exterior/Escultura de afuera/Outdoors Sculpture
Harry Abend. Arquitecto, escultor y orfebre judío-polaco-venezolano. Su obra, se expuso en Caracas, Valencia, Brasil, Londres y Nueva York. Y en ella usó bronce, madera, cemento y otros.Nacido en Yaroslau, Polonia en 1937, llegó a Venezuela a los 11 años de edad. Comenzó a trabajar como escultor a partir de 1958, cuando estudiaba en la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad Central de Venezuela. Abend inició su actividad expositiva en 1961 y, en 1963, obtuvo el Premio Nacional de Escultura con la obra “Forma”. Un año después trabajó en Caracas junto con el escultor inglés Kenneth Armitage y artistas jóvenes venezolanos. En 1967 egresó de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la UCV. A finales de esta década realizó relieves que fueron integrados a la arquitectura de varios edificios caraqueños, entre ellos la Sinagoga de la Unión Israelita (1969) y el Hotel Caracas Hilton, hoy Hotel Alba Caracas (1969). También la Sala Plenaria de Parque Central (1974) y la Sinagoga de la Asociación Beth-El (1974-1975). Pero fundamentalmente destacado su trabajo en el Teatro Teresa Carreño (1980-1982). Luego, en 1976, el artista se mudó a Londres donde continuó desarrollando sus trabajos en madera y metal. Allí expuso en galerías como la Roundhouse Gallery y la Hayward Gallery. Pero en la capital británica vivió hasta 1982, cuando volvió a Venezuela. En los últimos años Harry Abend continuó trabajando y exponiendo. En 2019, como parte de la exhibición “Harry Abend: lo inesperado”, de la Sala Mendoza, lanzó un libro retrospectivo de su obra .
Harry Abend. Polish Venezuelan Jewish architect, sculptor and goldsmith. His work was exhibited in Caracas, Valencia, Brazil, London and New York. And in it he used bronze, wood, cement and others.Born in Yaroslau, Poland in 1937, he came to Venezuela at the age of 11. He began working as a sculptor in 1958, when he was studying at the Faculty of Architecture and Urbanism of the Central University of Venezuela. Abend began his exhibition activity in 1961 and, in 1963, he won the National Sculpture Prize with his work”Forma.” A year later he worked in Caracas together with the English sculptor Kenneth Armitage and young Venezuelan artists. In 1967 he graduated from the UCV Faculty of Architecture and Urbanism. At the end of this decade he made reliefs that were integrated into the architecture of several Caracas buildings, among them the Synagogue of the Israelite Union (1969) and the Hotel Caracas Hilton, today Hotel Alba Caracas (1969). Also the Central Park Plenary Hall (1974) and the Beth-El Association Synagogue (1974-1975). But his work at the Teresa Carreño Theater (1980-1982) was outstanding. Then, in 1976, the artist moved to London where he continued to develop his works in wood and metal. There he exhibited in galleries such as the Roundhouse Gallery and the Hayward Gallery. But he lived in the British capital until 1982. In recent years, Harry Abend continued working and exhibiting. In 2019, as part of the exhibition “Harry Abend: the unexpected” by Sala Mendoza, he launched a retrospective book of his work.