Carlos Kravetz–Maestro Artista Visual judío-argentino/Argentina Jewish Master Artist–

Carlos Kravetz

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Carlos Kravetz (1953-) vivió en Israel y Alemania. Se formó en Avni Institute of Fine Arts, Tel Aviv, en talleres con Emilio Renart y M. Stempelsztejn, y en estudios con diversos teóricos del arte. También estudió Arquitectura en la FADU (UBA) y en el Technion, Haifa.
Expone en Argentina desde 1979 y fuera del país desde 1991.

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Carlos Kravetz (1953-) lived in Israel and Germany. He trained at Avni Institute of Fine Arts, Tel Aviv, in workshops with Emilio Renart and M. Stempelsztejn, and in studies with various art theorists. He also studied Architecture at FADU (UBA) and at the Technion, Haifa.
He has exhibited in Argentina since 1979 and outside the country since 1991.

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Carlos Kravetz comenta sobre su arte:

Me preocupa mostrar, aunque sea parcialmente, la realidad que me circunda, las cosas que me pasan a mí y a otros… Buenos Aires es un marco de fondo, pero que condiciona: la gente expresa de alguna manera la presión a que la somete la vida en nuestra ciudad. Eso se percibe en cada gesto si observamos con atención. Me preocupa también el paso del tiempo, modificándonos. У exagerando nuestros valores o defectos. Y me preocupan la locura y ese espacio sutil entre ella y aquello considerado normal. Quiero mostrar eso sin ‘lavar’ mi obra, expresando plásticamente toda la belleza contenida en la fealdad, la vejez o la locura, que no es justamente la belleza clásica. Me interesa mostrar una parte de la realidad: dar mi aporte para que el arte esté menos separado de la vida: no me interesa para nada un arte de especulación metafísica, sino de una reflexión sobre lo cotidiano que permita que nos reconozcamos en él; un arte que no se disocie devolviendo imágenes que no nos pertenecen. . .

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Carlos Kravetz comments on his art:

I am concerned about showing, even partially, the reality that surrounds me, the things that happen to me and others… Buenos Aires is a background setting, but one that conditions: people express in some way the pressure to which they are subjected by life in our city. This can be perceived in each gesture if we look carefully. I am also concerned about the passage of time, changing us. У exaggerating our values ​​or defects. And I am concerned about madness and that subtle space between it and what is considered normal. I want to show that without ‘washing’ my work, plastically expressing all the beauty contained in ugliness, old age or madness, which is not exactly classical beauty. I am interested in showing a part of reality: giving my contribution so that art is less separated from life: I am not at all interested in an art of metaphysical speculation, but rather a reflection on the everyday that allows us to recognize ourselves in it; an art that does not dissociate itself by returning images that do not belong to us. . .

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Kravetz, Carlos; The Power of the Myth, Eva; Essex Collection of Art from Latin America; http://www.artuk.org/artworks/the-power-of-the-myth-eva-4210

Cartagrafía

Carlos Kravetz. Urban Dreaming, 2007. Acrylic and digital print on canvas.

Recortes urbanos

Paisaje y catrinas

Otro paisaje 1 y 2/ digital

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Lilith, la primera esposa de Adán en la poesía judío-latinoamerica/Lilith, Adam’s first wife, in Latin American Jewish Poetry

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El carácter de Lilith ha evolucionado a lo largo de los años. Comenzó como un demonio femenino común en muchas culturas del Medio Oriente, apareciendo en el libro de Isaías, el Talmud de Babilonia y cuencos de encantamiento del antiguo Irak e Irán. Se la describe como una amenaza para los aspectos sexuales y reproductivos de la vida, especialmente el parto. Un texto judío medieval llamado Alfabeto de Ben Sira la describe como la primera esposa de Adán que lo desobedeció a él y a Dios y afirmó su igualdad con Adán, dando un origen legendario a su comportamiento demoníaco. Ella también aparece en la Cabalá como un reflejo maligno del aspecto femenino de Dios junto con Samael. Las feministas judías, aprovechando su afirmación de igualdad, han reclamado a Lilith como símbolo de autonomía, independencia y liberación sexual.

Jewish Women’s Encyclopedia

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Lilith’s character has evolved throughout the years. She began as a female demon common to many Middle Eastern cultures, appearing in the book of Isaiah, Babylonian Talmud, and incantation bowls from ancient Iraq and Iran. She is described as threatening the sexual and reproductive aspects of life, especially childbirth. A medieval Jewish text called the Alphabet of Ben Sira describes her as Adam’s first wife who disobeyed him and God and asserted her equality to Adam, giving a legendary origin to her demonic behavior. She also appears in Kabbalah as an evil reflection of the feminine aspect of God along with Samael. Jewish feminists, seizing upon her assertion of equality, have reclaimed Lilith as a symbol of autonomy, independence, and sexual liberation.

Jewish Women’s Encyclopedia

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Poemas/Poems

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Rosita Kalina

Lil de cabellos de pino

Y aterciopelada túnica

Ropaje del insomnio.

Mitad mujer

Mitad diosa

Divinidad temida

¿Cómo eres Lilith-Istar?

Lil caballera nocturna

Tierra roja de tierra roja.

Engendradora de monstruos

En cóncaves oleajes.

Sólo en ti es real el espejo.

Lil mejillas de luna:

lechuza ciego y vidente

iluminan sus ojeras

las noches embrujadas del exilio

¡Suelta tu undulado pelo

       y emerge, luz-relámpago,

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Lil of hairs of pine

And velveted tunic.

Clothing of insomnia.

Half woman.

Half goddess.

Feared divinity.

How is it you are Lilith—Istar?

Lil nocturnal hair,

Red land of read land.

Engenderer of monsters

In concave swells

For you only the mirror is real.

Lil cheeks of moon

Blind and seeing owl.

Illuminate your dark circles under your eyes.

The nights bewitched by exile.

Set free your undulating hair      

and emerge, light-thunderbolt

from your black lagoon.

Translated by Stephen A. Sadow

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Daniel Chirom

La luna es nueva

y el río ya no es el mismo

pero tus ojos permanecen iguales;

sólo quien viajara hacia el fondo de su mirada

descubriría algo más que el paso del tiempo:

un animal enfurecido contra la jaula del horizonte.

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The moon is new

And the river is no longer the same

but your eyes remain unchanged:

only who might travel to the depth of your gaze

would discover something more than the passage of time:

an enraged animal against the jail of the horizon.

Translated by Stephen A. Sadow

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Sara Riwka B’raz Erlich

Eu vi Lilith.

não a Lilith de Borges,

e dos textos midrashicos.

Antes de vê-lá,

intuí a em mim,

nos meus sonhos.

Lilith evocada

não como a Lilith satánica,

tão pouco a que se assemelha a Eva,

submissa, na sombra.

Evas de qualquer tempo,

origem,

cor,

raça,

religião.

Sonhei e vi

Lilith/Eva/Mulher,

a que quer respirar

Vida, Paraíso, Inferno,

sem subserviência

sem subjugação.

Companheira,

Inspirada e inspiradora

esperando a Reparação.

A que não quis repetir a História,

repetir Lilith,

a que desejou e não deixaram  Ser viver

com Adâo.

Evas submersas, sufocadas,

Não libertadas ainda.

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I saw Lilith

Not the Lilith of Borges

and nor of the Midrashic texts.

Before I saw her,

I sensed within myself.

in my dreams.

Lilith evoked

not as a satanic Lilith,

neither the one that she resembles Eve,

submissive, in the shadows.

Eves of any time,

origin,

color,

race,

religion.

I dreamt of, and I saw

Lilith/Eve/Woman.

Who wants to breath

Life, Paradise, Hell,

without subservience

without subjugation.

Mate,

Inspired and inspiring,

awaiting reparation.

Who doesn’t want to repeat History.

who wished and wasn’t allowed To be to live

with Adam.

Eves submerged, suffocated,

Still not liberated.

Translated Stephen A. Saoow with Regina Igel

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Becky Rubinstein F.

A todas las Evas

VI

Lilith brota cual serpiente,
le brotaron alas de muerte en su afán de sellar
con un beso de muerte
los bostezos de los hijos de Eva,
aún con restos de leche en los labios.
No hay quien vuele como Lilith,
amante de Samael, ángel caído.
Nadie trenza su pelo
bajo las estrellas,
nadie contempla sus ojos
al brillo de la luna, sin morir de espanto.
Bruja de los cuentos
chilla frente a los amuletos que llevan su nombre,
su imagen rebelde.
Espejo, espejito:
¿quién es la más poderosa?
Espejo Espejito:
¿Quién huye de su propio rostro
para no perderse en la nada,
para no ver morir a los engendros de su vientre?
Lilith, madrastra de Blanca Nieves,
huye a los espejos:
hablan más de la cuenta
hay que silenciarlos con la huida o con la muerte.

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VI

Lilith emerges as a serpent;

the wings of death emerge from her in her eagerness to seal

with a kiss of death

the yawns of the sons of Eve

with the leftovers of milk still on their lips.

There is no one who flies like Lilith,

lover of Samael, fallen angel

No one weaves her braids,

under the stars.

No one looks into her eyes,

by the light of the moon, without dying of terror.

Witch of the fairy tales

shrieks in the presence of the amulets that bear her name,

Her rebellious image.

Mirror, little mirror:

who is the most powerful?

Mirror, Little mirror:

Who flees her own face,

so as not lose herself in nothingness,

to not see die the spawn of her womb?

Lilith, stepmother of Snow White,

flees the mirrors:

they speak more than enough

it’s necessary silence them with fleeing or with death.

Translated by Stephen a Sadow

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Elina Wechsler – Argentina*

Lilith, primera compañera de Adán

Una suerte de fijeza al árbol genealógico,
a los muertos,
invita en ocasiones a perderse
en la Boca de los Siglos.
Como un sapo irreverente a la orilla del río,
como el imán que me lleva a tu cuerpo y a tu oído.
Si Eva no fue la primera
qué desorden de la letra,
qué traspié en el poder del jeroglífico.
Una suerte de fijeza,
Gioconda mirando al infinito.
Una madre será por todas las madres,
Eva robará las tentaciones de Lilith,
las suyas,
por un pequeño error bíblico.

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Lilith, Adam’s First Partner

A kind of obsession with the family tree,
to the dead,
an invitation to spiral
down the Mouth of the Centuries.
Like a disdainful toad on the riverbank,
like a magnet leading me to your body, your ear.
If Eve wasn’t the first
what confusion of the word,
what a blunder in the power of the hieroglyph.
A kind of fixation,
Gioconda peering into infinity.
A mother for all mothers,
Eve will steal Lilith’s temptations,
her own,
because of a small biblical error.

Translated by Carlie Hoffman

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*Elina Wechsler es una poeta argentina. Nacida en Buenos Aires, es psicoanalista de profesión. Abandonó Argentina en 1977 como consecuencia de la dictadura militar que desató una extrema represión política y violencia y fijó su residencia en Madrid. Wechsler es autor de cuatro poemarios: El fantasma (1983), La larga marcha (1988), Mitomanías amorosas (1991) y Progresiones en un cierto mes de julio (1995)

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*Elina Wechsler is an Argentinean poet. Born in Buenos Aires, she is a psychoanalyst by profession. She left Argentina in 1977 as a consequence of the military dictatorship that unleashed extreme political repression and violence and took up residence in Madrid. Wechsler is the author of four collections of poetry: El fantasma (1983), La larga marcha (1988), Mitomanías amorosas (1991), and Progresiones en un cierto mes de julio (1995).

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Fanny Haiat — Escultora y pintora judío-mexicana/Mexican Jewish Sculptor and Painter

Fanny Haiat

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Mi nombre es Fanny Haiat, soy una escultora y pintora mexicana nacida en 1940. Mi carrera artística comenzó en 1980, logrando una destacada exposición nacional e internacional. En 1988 ganó la prestigiosa Bienal de Florencia en Italia. Mis esculturas son un elemento importante para el paisaje urbano de la Ciudad de México; ubicados en áreas que, durante muchos años, han sido parte del núcleo de la ciudad. A nivel internacional y en conjunto con la embajada de México, tengo esculturas monumentales en Sofía, Bulgaria y en Roma, Italia. Un gran número de coleccionistas, museos y galerías tienen mis piezas especiales. Estuve en la exposición de Wynnewood de 2017 durante el festival internacional de las artes. Hasta el momento tengo 28 exposiciones individuales y 15 exposiciones colectivas en la Ciudad de México y otras partes del mundo. En mi opinión, el arte es la forma más pura de comunicación en la que el artista tiene una conexión franca con el espectador. De “UniqLuxury”.

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My name is Fanny Haiat. I am a Mexican sculptor and painter born in 1940. My artistic career began in 1980, achieving outstanding national and international exposure. In 1988 she won the prestigious Florence Biennale in Italy. My sculptures are an important element for the urban landscape of Mexico City; located in areas that, for many years, have been part of the core of the city. Internationally and in conjunction with the Mexican embassy, I have monumental sculptures in Sofia, Bulgaria and in Rome, Italy. A great number of collectors, museums and galleries have my special pieces. I was at the 2017 Wynnewood exhibition during the international arts festival. So far I have 28 solo exhibitions, and 15 group exhibitions in Mexico City and other parts of the world. In my opinion, art is the purest form of communication in which the artist has a frank connection with the viewer. From “UniqLuxury”

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Monumental

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Escultura

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Pintura/Painting

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Mauricio Avayu–Artista judío-chileno, radicado en EEUU/Chilean Jewish Artist, living in the United States–“La Torá como fuente de arte”/”The Torah as a source of art”

El artista judío nacido en Chile, Mauricio Avayu,(1968- ) dijo: “Al principio quería hacer toda la Torá, pero cuando comencé a estudiar para el proyecto me di cuenta de que sería imposible”, aunque comenzó el proyecto a fines de 2013 y solo completó la sección del mural para Génesis. Cada libro de la Torá se representará a través de ocho pinturas; incluirá 40 pinturas que representarán secuencialmente los eventos de la Torá. Avayu se refiere constantemente a la Torá antes de continuar con su trabajo. Su proceso consiste en leer la Torá , Midrash y Rashi varias veces; solo entonces las imágenes comienzan a venir a su cabeza, dice: “La parte difícil en comparación con lo que he hecho antes es que aquí no soy totalmente libre”, dice Avayu. “Con otros proyectos, tendría la inspiración y las herramientas y comenzaría a pintar. Con este proyecto, no puedo hacer eso. Tengo que comenzar a estudiar, y solo después de eso puedo comenzar mi trabajo”. Comenzó a asistir a la escuela judía en Ecuador a los 10 años y realizó dibujos de personajes y eventos de la Biblia para el anuario escolar. Hasta el momento, la obra solo se ha exhibido en Chile y EE. UU. Fue inaugurada la primera noche de Hanukkah en diciembre de 2013 en la casa del presidente de Chile.

Adaptado del Jerusalem Post

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Chilean-born Jewish artist Mauricio Avayu (1968- ) said, “At first I wanted to do the whole Torah, but when I started studying for the project I realized it would be impossible,” though he started the project in late 2013 and only completed the mural section for Genesis. Each book of the Torah will be represented through eight paintings; It will include 40 paintings that will sequentially represent the events of the Torah. Avayu constantly refers to the Torah before continuing his work. His process involves reading the Torah, Midrash, and Rashi multiple times; only then do the images start to come to her head, she says, “The hard part compared to what I’ve done before is that I’m not totally free here,” says Avayu. “With other projects, I would have the inspiration and the tools and start painting, “says Avayu. “With other projects, I would have the inspiration and the tools and start painting. With this project, I can’t do that. I have to start studying, and only after that can I start my work.” He began attending a Jewish school in Ecuador at the age of 10 and drew pictures of characters and events from the Bible for the school yearbook. So far, the work has only been exhibited in Chile and the United States. It was inaugurated on the first night of Hanukkah in December 2013 in the house of the President of Chile.

Adapted from the Jerusalem Post

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El arte bíblico/Art from the Bible — Mauracio Avalu

The Mural

Divine Inspiration

Bereshit Torah

The Wind Warrior

Ezequiel’s Bull

The 12 Israel Tribes

Gabriel Archangel

The Binding of Issac

Shofar

Sunset in Zell

The Mural

72 G-D names

The Hug

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Pedro Friedeberg — Artista visual judío-mexicano/Mexican Jewish Artist –El arte excéntrico, absurdo e irreverentes/Eccentric, Absurd and Irreverent Art

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Pedro Friedeberg, aunque se nació en Italia, es un artista y diseñador mexicano conocido por su obra surrealista llena de líneas, colores y símbolos antiguos y religiosos. Su pieza más conocida es la “Hand-Chair”, una escultura/silla diseñada para que las personas se sienten en la palma de la mano, usando los dedos como respaldo y reposabrazos. Friedeberg comenzó a estudiar arquitectura pero no completó sus estudios ya que comenzó a dibujar diseños contra las formas convencionales de la década de 1950. Su trabajo llamó la atención del artista Mathias Goeritz, quien lo animó a continuar como artista. Friedeberg se convirtió en parte de un grupo de artistas surrealistas en México que incluía a Leonora Carrington y Alice Rahon, quienes produjeron obras de arte altamente provocativas, rechazando las formas de arte social y político que eran dominantes en ese momento. Desde sus primeras exposiciones individuales a fines de la década de 1950, Friedeberg se ha convertido en uno de los artistas más reconocidos de México, con sus obras de arte surrealistas que se encuentran en las colecciones de prestigiosas galerías y museos de todo el mundo. Frecuentemente conocido como el último gran excéntrico, Friedeberg crea obras absurdas e irreverentes que desafían las convenciones y superan los límites de lo imposible. Friedeberg ha tenido una reputación de por vida de ser excéntrico y afirma que “el arte está muerto porque no se produce nada nuevo”.

Adaptado from Todd Merrill Studio

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Pedro Friedeberg, although born in Italy, is a Mexican artist and designer known for his surrealist work filled with lines colors and ancient and religious symbols. His best known piece is the “Hand-Chair” a sculpture/chair designed for people to sit on the palm, using the fingers as back and arm rests. Friedeberg began studying as an architect but did not complete his studies as he began to draw designs against the conventional forms of the 1950s. His work caught the attention of artist Mathias Goeritz, who encouraged him to continue as an artist. Friedeberg became part of a group of surrealist artists in Mexico which included Leonora Carrington and Alice Rahon, who produced highly provocative art works, rejecting the social and political art forms that were dominant at the time. Since his first solo exhibitions in the late 1950s, Friedeberg has become one of Mexico’s most recognized artists, with his surreal artworks found in the collections of prestigious galleries and museums around the world. Often referred to as the last great eccentric, Friedeberg creates absurd and irreverent works that challenge convention and push the limits of the impossible.  Friedeberg has had a lifelong reputation for being eccentric, and states that “art is dead because nothing new is being produced.”

Adapted from Todd Merrill Studio

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Obras de Pedro Friedeberg/Works by Pedro Friedeberg

Arte/Art

Encuentro de do mundos, 1987

Isabela la Católica

“ALFABETOS SECRETOS” (2021) TÉCNICA: Serigrafía MEDIDAS: 74 X 74 cm

Birds with Windows1968 acrylic and ink on matboard 20 h × 23½ w in (51 × 60 cm

HAND CHAIR designed circa 1962 gold leaf on carved mahogany

37⅛ x 20¾ x 22½ in. (94.2 x 52.7 x 57.1 cm)

TWO HAND CHAIRS – MAHOGANY

HAND FOOT STOOL. 1995

FRIEZE

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Ricardo Lapin–Artista visual judío-argentino-israelí/Argentine Israeli Artist — “A las alturas”/”To the Heights”//Amplificación de la entrada por la guerra en Gaza/Enlargement of the blogpost because of the War in Gaza

Ricardo Lapin

Ricardo Lapin es un artista plástico, escritor y conferencista radicado en Israel. Nació en Buenos Aires, Argentina, 1961. A los 16 años partió a Israel en tiempos de la Junta Militar. Comenzó a estudiar pintura al óleo a los 10 años, y esta disciplina se convirtió en una forma de vida: también creando y también enseñando. Estudió 4 años en el Taller “Río de la Plata” en Buenos Aires (de tendencia constructivista-JoaquínTorres-García) y en la Academia Bezalel de Jerusalén (B.F.A., 1988).

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Ricardo Lapin is an artist, writer and lecturer based in Israel. He was born in Buenos Aires, Argentina, 1961. At the age of 16, he left for Israel during the time of the Military Junta. He began studying oil painting at the age of 10, and this discipline became a way of life: also creating and also teaching. He studied for 4 years at the “Río de la Plata” Workshop in Buenos Aires (constructivist-Joaquín Torres-García) and at the Bezalel Academy in Jerusalem (B.F.A., 1988).

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Creo que el artista debe reflejar el “Zeitgeist” del período en el que trabaja. Mis propias luchas y dilemas, la cultura y el entorno en el que vivo están presentes en cada obra. La pintura para mí es mi lugar más protegido y estable, como un refugio invaluable. Siempre presente, desde mi más tierna infancia, a pesar de las situaciones y realidades cambiantes. Un territorio que se puede construir y cambiar sin cesar, un lugar de encuentro de recuerdos, miedos, deseos. Dentro del proceso creativo todo tiene existencia, sin nombre ni definición; un lugar donde todo es posible y reparable. .. Junto a la expresión estética, mis obras buscan examinar los límites de la justicia y la libertad, el significado de la vida y la muerte en un período de pérdida espiritual, depresión y continua devaluación de la vida humana .. Las imágenes me vienen a mí. Como despertando de un sueño, los atrapo dibujándolos, dibujándolos antes de que se escapen; luego las articulo y encuentro nuevas imágenes relacionadas, en un proceso asociativo. Puedo percibir que muchas imágenes tienen un aroma a relatos orales, recuerdos, leyendas familiares, traumas secretos. A veces llegan del misterio y se quedan ahí, incluso cuando ya están pintadas. El trabajo final es a veces una especie de oración inconclusa, para ser completada por el público, de muchas maneras sorprendentes, a veces muy lejos de mis asociaciones e ideas durante el proceso creativo. Siempre es mágico y veraz para mí darme cuenta de las múltiples formas de leer mi obra.

RICARDO LAPIN

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I believe that the artist should reflect the “Zeitgeist” of the period in which he works. My own struggles and dilemmas, the culture and the environment in which I live are present in each work. Painting for me is my most protected and stable place, like an invaluable refuge. Always present, from my earliest childhood, despite changing situations and realities. A territory that can be built and changed endlessly, a meeting place for memories, fears, desires. Within the creative process everything has existence, without name or definition; a place where everything is possible and fixable. .. Along with aesthetic expression, my works seek to examine the limits of justice and freedom, the meaning of life and death in a period of spiritual loss, depression and continuous devaluation of human life .. The images come to me me. As if waking up from a dream, I catch them drawing them, drawing them before they escape; then I articulate them and find new related images, in an associative process. I can perceive that many images have an aroma of oral stories, memories, family legends, secret traumas. Sometimes they come from the mystery and stay there, even when they are already painted. The final work is sometimes a kind of unfinished sentence, to be completed by the public, in many surprising ways, sometimes far removed from my associations and ideas during the creative process. It is always magical and truthful for me to realize the multiple ways of reading my work.

RICARDO LAPIN

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Para comprar obras de Ricardo Lapin/To buy Ricardo Lapin’s works: https://www.saatchiart.com/rlapin

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El arte de Ricardo Lapin/Art by Ricardo Lapin

Organized life“Paintings, 47.2 W x 39.4 H x 1 D in

“A picture’s day at the ‘Conventillo'”  Painting, Ink on Canvas  21.7 W x 17.7 H x 0.8 D in

You forgot that you were an inmigrant…, acrylic & ink on canvas, 75 x 55 cm. 2018

Roots Paintings, 20.1 W x 31.9 H x 0.8 D in

Desaparecido,1987, oil on canvas

Revenge and Forgiveness Drawings, 15.6 W x 25.8 H x 0.8 D in

Learn from the cat, humans!” Collage 

“Mirando la Luna”/”Looking at the Moon”) Oil on canvas

Ancestors, watercolor & ink, 2009

Tondo of Isaac’s sacrifice Paintings, 15.6 W x 15.6 H x 0.4 D in

“To the Heights”Painting: Gouache 23.6 W x 31.5 H x 0.4 D in

The Creator Paintings, 27.6 W x 19.9 H x 2.2 D in

Revival Collage, 19.7 W x 14 H x 1 D in

The Amphoraex22s Dream II, 2009, oil on canvas, 1 X 1,20 m

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Fabriano 2023

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De: Ricardo Lapin,  16 de octubre 2023

Colgando de clavos ardientes

No me olvido, como podría/ El viernes segunda fiesta de Sucot, yendo a almorzar a lo de mi hijo mayor, se cumplió medio siglo/ Seis de octubre,  a las 14 horas, volvieron las grabaciones de la catástrofe/ como un presagio maligno, “Sir basar, Sir basar” (olla de carne)-“Jamsim kaved, jamsim kaved” (Siroco pesado), los códigos para unidades de combate, presentarse de inmediato/ Fiesta, viernes, encuentro ameno y rica comida/ Por la noche el encuentro de los primos Lapines en Modiin, el tradicional encuentro de pizzas en la Sucá/ con hijos y nietos, ya unas 20 personas/ alguien me recordó que yo fui el primero en llegar de los 5 primos, y Lara con pasaje para venir en 2 semanas, luego de recibirse de arquitecta/ Brindamos por otra prima entre nosotros, en el país/ Y me fui temprano porque quedamos con amigos para el sábado en casa: empanadas caseras, chorizos y un buen vino tinto./ El sábado llegó con sirenas por la mañana/ correr a las escaleras, la vecina rusa cerrando su batón mientras trata de controlar el stress que las sirenas le producen. Charla coloquial, que carajos es esto de despertarnos en sábado de Simjá Torá/ Buscar información en noticieros, mucho caos, mucho pánico: ataque en el sur por la franja de Gaza/ Cientos de terroristas entraron-¿cómo mierda?-atacan los kibutzim, las ciudades de Sderot, de Ofaquim/ No puede ser, es una pesadilla, ¿dónde está la fuerza aérea, los tanques, las divisiones de infantería?/Llamar a mi suegra Mati en el kibutz Najal Oz: pidieron que se encierren en los cuartos blindados, todo en orden/ Adrián desde Mefalsim nos escribe que están encerrados sin electricidad, y que terroristas entraron en su kibutz, se oyen tiros, bombazos y gritos/ ¡Qué es esta pesadilla maldita, que se termine de una vez!/ Creemos que es una segunda guerra de Yom Kippur, quedamos aferrados al televisor, pero a medida que llegan informaciones y noticias, esto toma olor distinto: nos están conquistando aldeas y ciudades/ El ánimo baja a cero del mazazo, llegan informaciones confusas, todas catastróficas: jóvenes de un festival masacrados, capturan rehenes, degüellan familias maniatadas, bebés y niños, torturados, vejados y ejecutados/ No, no es 1973, yo reconozco ese tufillo infame: es el Holocausto, es mi madre huyendo de niña en la nieve, perseguida por perros y Waffen SS, por cazas Messerschmitt ametrallando caravanas de refugiados y fugitivos, escondida en sótanos o con mi abuela acostada sobre ella y su hermana Zlate, en medio de un bombardeo aéreo/ es ella adulta confesando en el filo de la demencia, que pasó abuso sexual/ Comienzan a circular fotos y vídeos de los secuestros, de las vejaciones y torturas, de los rehenes abusados/ ¡Fuimos traicionados…fueron traicionados y abandonados! / Mati sigue encerrada y bien; varias horas después, combatientes reservistas con armas en sus casas se organizan en grupos de camaradas y bajan al sur a combatir, a ayudar, a salvar civiles, ya que la nación no existe, ciega, sorda y muda/ Angustia atroz, paralizante, como un veneno que avanza por el cuerpo espeso e implacable/ que deja paso al odio feroz, a un enojo volcánico, y horas después ya comienzan las iniciativas personales y civiles frente a un gobierno inoperante: somos nación nacida a la sombra del Holocausto, somos un ADN de traumas y postraumas constantes, hilvanados como una red de cicatrices/ Operativo tras operativo, guerra tras guerra, atentado tras atentado/ muertos civiles y militares/ y allí lejos, como humo que el viento esfuma, unos intentos de paz, de convivencia, de ingenuidad/ Faivush el lituano me lo dijo “Ricardo, no se puede hacer una guerra con estos enemigos pensando que estamos luchando contra escandinavos”/ No me olvido de Subji del campamento de refugiados de Jabalya y de su compadre Rafik del campamento de Shati en Gaza, que vivían durante la semana en el kibutz, y volvían a sus casas cada weekend/ no olvido que nos construían las casas y eran casi miembros: preparaban falafel para todo el kibutz, recibían donaciones de los miembros cuando sus casas eran afectadas por el conflicto/ Recuerdo comprar mi primer mueble ya liberado del servicio en la ciudad de Gaza, unas estanterías de bambú y mimbre en la avenida Al-Nasser/ y no olvido los lupines en agua salada de Beit Lahía, o el mejor ful medames de toda Gaza a la vuelta del edificio de la Gobernación militar/ y no olvido esas playas bellísimas, de blanca arena y pescadores remendando sus redes/ y no olvido que volvimos con 5 muertos del servicio de reservas en plenas tratativas de paz en 1994 en Netzarim/ o aquel yihadista que nos comenzó a charlar en español a Caniche y a mí, confesandonos que habría atentados proximamente en España por sus desfachatez de haber convertido mezquitas en iglesias hace 500 años, en pleno zoco de Jabalya/ y mataron a Rabin y el sueño comenzó a morir con él.

Mis hijos recibieron llamados de emergencia, el siempre temido Tzav 8. También yo lo recibíen el kibutz, en 1982/ Entonces fue el Líbano, ahora Gaza, maldito lugar / Luego de una semana de comer vidrios molidos y aferrarnos a clavos ardientes, se tiene una dimensión del desastre/ el gobierno, sarta de impotentes e inoperantes, brilla por su ausencia. Mi suegra fue recatada tras 20 horas de encierro y mucha suerte / Una heroína en sus 83 años, quien lo hubiera pensado. Vecinas y vecinos de sus edades similares no tuvieron su suerte / Viajamos al sur a pedido de Michael, que anuncia que están a punto de tomar posiciones alrededor de la Franja, llevando ropa limpia, torta y alfajores, y algunas herramientas que en toda guerra hacen las cosas más llevaderas y seguras / la ruta 6 es un hervidero de camiones y semi-trailers con tanques y semiorugas, de camionetas con equipo y gente furiosa con deseos de entrar a Gaza/ En Beit Qamá la estación de servicio es un hervidero de gentes: uniformados, civiles / religiosos que ofrecen tefilim y fotos del Rebe de Lubavich / Llegamos al fin a la base que es un ordenado caos de gente, soldados, familiares y novias, reservistas, autos con banderas drusas, israelíes, de Jabad, perros y gente que reparte agua, gaseosas, shakshuka / Encontramos a Michael que recibe un par de horas para charlar y despedirse. Su primera guerra, carajo. Hace dos meses se liberó de servicio. / Te deseo lo mejor, la protección, la suerte, la supervivencia/ Recuerdo en 1982 que cada uno se aferraba, en la diabólica incertidumbre, a algún amuleto, a rezar salmos, a escribir el nombre de la novia en un brazo, a poner una foto querida en el bolsillo izquierdo de la camisa, junto al corazón/ Participé con mi suegra en su Birkat Hagomel pero no pido cosas a Dios, es como pedirlas al gobierno/ Confío en ti y en tus compañeros: vayan en paz y regresen sanos y salvos. / Es la hora del heroísmo y los milagros.

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BY: Ricardo Lapin, October 16, 2023

Hanging on burning nails

I don’t forget, as I might have/ On Friday the second holiday of Sukkot, going to lunch at my eldest son’s, half a century before/ October 6, at 2 p.m., the sounds of the catastrophe returned/ like an evil omen, “Sir basar, Sir basar” (meat pot)-“Jamsim kaved, jamsim kaved” (Heavy Sirocco), the codes for combat units, report immediately/ Party, Friday, pleasant meeting and delicious food/ At night the meeting of the Lapines cousins ​​in Modiin, the traditional pizza meeting in the Sukkah/ with children and grandchildren, and about 20 people/ someone reminded me that I was the first to arrive of the 5 cousins, and Lara with a ticket to come in 2 weeks, after graduating as an architect/ We toasted another cousin among us, in the country/ And I left early because we were meeting friends for Saturday at home: homemade empanadas, chorizos and a good red wine./ Saturday arrived with sirens during the morning/running to the stairs, the Russian neighbor closing her dressing gown while trying to control the stress that the sirens cause her. Colloquial talk, what the hell is this about waking up on the Sabbath of Simcha Torah/ Search for information in , a lot of chaos, a lot of panic: attack in the south through the Gaza Strip / Hundreds of terrorists entered – how the hell? – they attack the kibbutzim, the cities of Sderot, Ofaquim / It can’t be, it’s a nightmare, where is the air force, the tanks, the infantry divisions? / Call my mother-in-law Mati at the Najal Oz kibbutz: they asked to lock themselves in the armored rooms, everything in order / Adrián from Mefalsim writes to us that they are locked up without electricity, and that terrorists entered their kibbutz, shots, bombs and screams are heard/ What is this cursed nightmare, let it end once and for all!/ We believe it is a second Yom Kippur war, we remain clinging to the television, but as information arrives and news, this takes on a different smell: they are conquering our villages and cities/ The spirit drops to zero from the sledgehammer, confusing information arrives, all catastrophic: young people from a festival massacred, hostages captured, tied families, babies and children, tortured, humiliated, slaughtered and executed/ No, it is not 1973, I recognize that infamous whiff: it is the Holocaust, it is my mother fleeing as a child in the snow, pursued by dogs and Waffen SS, by Messerschmitt fighters machine-gunning caravans of refugees and fugitives, hidden in basements or with my grandmother lying on top of her and her sister Zlate, in the middle of an aerial bombardment/ she is an adult confessing, on the verge of dementia, that she suffered sexual abuse/ Photos and videos of the kidnappings, humiliation and torture begin to circulate, of the abused hostages/ We were betrayed…they were betrayed and abandoned! / Mati is still locked up and doing well; several hours and good so far. Several hours later, reservist combatants with weapons in their homes organize themselves into groups of comrades and go down to the south to fight, to help, to save civilians, since the nation does not exist, blind, deaf and mute/ Atrocious, paralyzing anguish, as a poison that advances through the thick and implacable body / that gives way to fierce hatred, to volcanic anger, and hours later personal and civil initiatives begin in the face of an inoperative government: we are a nation born in the shadow of the Holocaust, we are a DNA of constant traumas and post-traumas, woven together like a network of scars/ Operation after operation, war after war, attack after attack/ civilian and military deaths/ and there far away, like smoke that the wind dissipates, some attempts at peace, at coexistence, of naivety/ Faivush, the Lithuanian told me “Ricardo, you cannot wage war with these enemies thinking that we are fighting against Scandinavians”/ I have not forgotten Subji from the Jabalya refugee camp and his compadre Rafik from the Shati camp in Gaza, who lived during the week in the kibbutz, and returned to their homes every weekend/ I do not forget that they built our houses and were almost members: they prepared falafel for the entire kibbutz, they received donations from the members when their houses were affected by the conflict/ I remember buying my first piece of furniture already released from service in Gaza City, some bamboo and wicker shelves on Al-Nasser Avenue/ and I do not forget the lupines in salt water from Beit Lahia, or the best ful medames in all of Gaza the return of the military Government building/ and I do not forget those beautiful beaches, with white sand and fishermen mending their nets/ and I do not forget that we returned with 5 dead from the reserve service in the middle of peace negotiations in 1994 in Netzarim/ or that jihadist who began to chat in Spanish to Caniche and me, confessing that there would be attacks soon in Spain for his audacity of having converted mosques into churches 500 years ago, in the middle of the Jabalya souk/ and they killed Rabin and the dream began to die with him .

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My children received emergency calls, the always feared Tzav 8. I also received it in the kibbutz, in 1982/ Then it was Lebanon, now Gaza, damned place/ After a week of eating ground glass and clinging to burning nails, it was It has a dimension of disaster/ the government, packed with impotent and ineffective people, is conspicuous by its absence. My mother-in-law was modest after 20 hours of confinement and a lot of luck / A heroine in her 83 years, who would have thought it. Neighbors of similar ages did not have their luck / We travel south at the request of Michael, who announces that they are about to take positions around the Strip, carrying clean clothes, cake and alfajores, and some tools that in every war they make the most bearable and safe things / Route 6 is a hive of trucks and semi-trailers with tanks and half-tracks, of vans with equipment and angry people wanting to enter Gaza / In Beit Qamá the service station is a hive of people : uniformed, civilians / religious offering tefilim and photos of the Lubavich Rebbe / We finally arrive at the base which is an orderly chaos of people, soldiers, family members and girlfriends, reservists, cars with Druze, Israeli, Chabad flags, dogs and people handing out water, soda, shakshuka / We find Michael who gets a couple of hours to chat and say goodbye. His first war, damn it. Two months ago he was released from service. / I wish you the best, protection, luck, survival / I remember in 1982 that each one clung, in diabolical uncertainty, to some amulet, to pray psalms, to write the name of the bride on one’s arm, to put a beloved photo in the left pocket of the shirt, next to the heart/ I participated with my mother-in-law in her Birkat Hagomel but I don’t ask for things from God, it’s like asking the government/ I trust in you and your companions: go in peace and return healthy and saved. / It is the hour of heroism and miracles.

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PENTAEX Image

Eine kleine Nachtpatrol

Balada para la novia viuda/Ballad for the Bride-Widow

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Alicia Segal (1933-2020)– Fotógrafa judío-argentina/Argentine Jewish Photographer — Fotos experimentales/Experimental Photographs

Alicia Segal

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Para Alicia Segal, La fotografía ha sido uno de sus intereses fundamentales. La cámera ha sido su compañera permanente. Fue miembro de foto-clubes. Su necesidad de aprender la acercó a Horacio Coppola y Grete Stern, de quien fue discípula, asistente y curadora. Trabajó por medios de Argentina y del exterior y para instituciones comunitarias. Ha ejercido la docencia. Ha realizado muchas exhibiciones en Buenos Aires, Jerusalén, Nueva York, Boston y París.

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For Alicia Segal, photography has been one of her fundamental interests. The camera has been his permanent companion. He was a member of photo-clubs. Her need to learn brought her closer to Horacio Coppola and Grete Stern, of whom she was a disciple, assistant, and curator. He worked for media in Argentina and abroad and for community institutions. He has taught. He has had many exhibitions in Buenos Aires, Jerusalem, New York, Boston, and Paris.

Video de Alicia Segal

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Fotos finas de Alicia Segal/

Fine Photos by Alicia Segal

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Olga Blinder — (1921-2008) –Artista y grabadora judío-paraguaya y /Paraguayan Jewish Artist and Printmaker — “Mujeres en pena”/”Women who Suffer”

Olga Blinder

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Vida y obra

La pintora, grabadora y educadora influyente Olga Blinder nació en 1921 en Asunción, Paraguay en el seno de una familia judía. Recibió su educación formal en ingeniería y luego en educación (en la Universidad Nacional de Asunción). Su formación artística provino de la instrucción privada en Argentina y Brasil con Lívio Abramo (1902-1992), Ofelia Echagüe (1904-1987) y João Rossi. (1923–1999.) En 1954, Blinder co-fundó el grupo Arte Nuevo con Plá, Lilí del Mónico (n. 1910) y José Laterza Parodi (1915–1981), juntos organizaron la Primera Semana de Arte Moderna, que tenía como objetivo desafiar los paradigmas artísticos existentes.

—Dorota Bizcel

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Her life and work

The painter, printmaker, and influential educator Olga Blinder was born in 1921 in Asunción, Paraguay to a Jewish family. She received her formal education in engineering and later in education (at the Universidad Nacional de Asunción. Her art training came from private instruction in Argentina and Brazil with Lívio Abramo (1902–1992), Ofelia Echagüe (1904–1987), and João Rossi (1923–1999.) In 1954, Blinder cofounded the group Arte Nuevo with Plá, Lilí del Mónico (b. 1910), and José Laterza Parodi (1915–1981). Together they organized Primera Semana de Arte Moderna, which aimed to challenge existing artistic paradigms. Blinder’s work was groundbreaking, and her impact on the artistic milieu of her country was fundamental.

—Dorota Bizcel 

Adapted from: Olga Blinder” Radical Women: Latin American Art, 1960-1985 Digital Archive. Los Angeles: Hammer Museum, 2019. https://hammer.ucla.edu/radical-women/artists/olga-blinder

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Pinturas/Painting

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Grabados y xilógrafos /Woodcuts and Xilographs

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Saúl Kaminer — Artista visual judío-mexicano multi-faceta, de renombre internacional/Mexican Jewish Multi-Faceted Artist, well-known internationally

Saúl Kaminer

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Saúl Kaminer nace en la Ciudad de México en 1952. Entre 1970-75 estudia en la Escuela Nacional de Arquitectura de la UNAM. Obtiene su titulo de Arquitecto con una tesis sobre la fundación de las ciudades prehispánicas Teotihuacán, Tula y Tenochtitlán. En 1976 se instala en Paris, donde permanece durante 22 años guardando un fuerte contacto con México. Realiza estudios de doctorado en el Instituto de Urbanismo de Paris.  Actualmente comparte su tiempo entre Francia y México.Ubicado en Paris, en 1982 se hizo miembro fundador del grupo MAGIA-IMAGEN integrado por ocho artistas latinoamericanos, el cual fue disuelto en 1992, este grupo tuvo una intensa relación con el pintor Roberto Matta. Desde 1973 ha realizado 70 exposiciones individuales desde 1978 al 2020, ha participado en más de 170 exposiciones colectivas en galerías y museos de México y Paises como Francia, E. U., Nicaragua, Italia, España, Inglaterra, Argentina, Chile, Alemania, República Dominicana, Suiza, Perú, Puerto Rico y Cuba.

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Saúl Kaminer was born in Mexico City in 1952. Between 1970-75 he studied at the National School of Architecture at UNAM. He obtained his title of Architect with a thesis on the foundation of the pre-Hispanic cities Teotihuacán, Tula and Tenochtitlán. In 1976 he settled in Paris, where he stayed for 22 years keeping a strong contact with Mexico. He is doing doctoral studies at the Institute of Urbanism in Paris. He currently shares his time between France and Mexico. Located in Paris, in 1982 he became a founding member of the MAGIA-IMAGEN group made up of eight Latin American artists, which was dissolved in 1992. This group had an intense relationship with the painter Roberto Matta. Since 1973 he has had 70 individual exhibitions; From 1978 to 2020, he has participated in more than 170 collective exhibitions in galleries and museums in Mexico and countries such as France, the United States, Nicaragua, Italy, Spain, England, Argentina, Chile, Germany, the Dominican Republic, Switzerland, Peru, Puerto Rico and Cuba.

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Variaciones en el arte de Saúl Kaminer/Variations in the Art of Saúl Kaminer


Ein So
f 1963 imprint on styrene on stone and wood baseSize:62.5 x 26 x 23 cm. (24.6 x 10.2 x 9.1 in.)

Lugar del desierto

Amor lejano, Signed and dated París 94, Lithograph 37/ 150, 63 x 47 cm / 24.8 x 18.5 inches.

Las voces del cielo (The Voices in the Sky), 2018. Oil on canvas. 47 1⁄4 in. (120 cm) diameter.

    

The Mountain and the Seed, 2015. Glass, Wood and steel. 22 x 15 x 2 in. (56 x 38 x 5 cm.). 

The Photographer

Portrait de l’Oiseau-Qui-N’Existe-Pas, 2005. Mixed media on paper laid down on canvas, 38 x 28 cm.

Le Souffle de la Terre, Oil on canvas, diameter 120 cm. 2015

La Peluquera (The Hairdresser), Oil on Canvas 65 × 45 1/2 in | 165.1 × 115.6 cm 2019

Ancêtre, Oil on canvas, 15 2/5 × 11 2/5 in | 39 × 29 cm, 2019

Tour, Metal and ceramic 10 × 9 1/10 × 7 9/10 in | 25.5 × 23 × 20 cm, 2020

Coeur du Nord, Oil on canvas, 17 7/10 × 13 4/5 in | 45 × 35 cm, 2021

Géo-écriture, Oil on wood16 1/10 × 10 3/5 in | 41 × 27 cm, 2019

“Oestrus”, óleo sobre tela, 195 x 260 cm, 2016

La boda. Engraving 30 x 27 cm 2004

Verticalité, commencement et semence, Arches cardboard 640 gr on paper, 13 1/5 × 9 3/10 in | 33.5 × 23.5 cm, 2021

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Saúl Kaminer

Saúl Kaminer por/by Saúl Kaminer

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Patricia Israel (1939-2011)– Artista política judío–chilena/Chilean Jewish politically-oriented artist

Patricia Israel

Patricia Israel (1939-2011) nació en Temuco, Chile, y realizó sus primeros estudios en la Academia de Escultura de Tótila Albert para luego cursar pintura y grabado en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile. Vivió en Argentina y Venezuela. fue pintora y grabadora de origen judío adscrita a la corriente del Neo-expresionismo. Entre los ejes temáticos de su trabajo están las diversas situaciones que simbolizan la relación del humano con el mundo, desarrollando temas específicos, como el del holocausto judío, pero que traspasado al ámbito del arte, representa dolores y horrores universales. Esa unión se presenta siempre bajo un pulcro tratamiento formal que permite vislumbrar al dibujo como soporte de su imaginario, utilizando tanto el color como la tela misma, como soporte de la composición. Ese modus operandi, que ha sido la punta de lanza de su producción desde el inicio, le permitió en sus trabajos más recientes abordar con más fuerza temas americanistas. Partiendo su investigación en textos literarios, rescataba imágenes iconográficas como el conquistador y los dominados, representando la aún utópica liberación sudamericana.Israel fue la primera mujer en ganar la Bienal Internacional de Arte de Valparaíso (1991) algo muy significativo para ella, ya que desde muy el comienzo de su carrera asumió y defendió su postura como mujer, chilena y latina en defensa de la injusticia de género como analogía del sufrimiento de los oprimidos. De ahí que su pintura “Mujer” del mismo año sea un homenaje a esta lucha.Su obra ha sido exhibida internacionalmente destacando su participación en la Bienal de Venecia en 1974 y el Premio Altazor a las Artes Nacionales recibido el año después de su muerte, en 2012.

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Patricia Israel (1939-2011) was born in Temuco, Chile and studied at the Tótila Albert Sculpture Academy, before studying at the School of Fine Arts of the University of Chile. She lived in Argentina and Venezuela. She was a painter and engraver of Jewish origin attached to Neo-expressionism. Among the thematic axes of her work are the various situations that symbolize the human relationship with the world, developing specific themes, such as the Jewish Holocaust, but which, transferred to the field of art, represents universal pain and horror. This union is always presented under a neat formal treatment that allows us to glimpse the drawing as a support for his imaginary, using both color and the fabric itself, as a support for the composition.That modus operandi, which has been the spearhead of his production from the beginning, allowed her to address Americanist themes more forcefully in his most recent works. Starting his research in literary texts, she rescued iconographic images such as the conqueror and the dominated, representing the still utopian South American liberation. Israel was the first woman to win the Valparaíso International Art Biennial (1991), something very significant for her, since from the very beginning of her career she assumed and defended her position as a woman, Chilean and Latina in defense of gender injustice, as an analogy for the suffering of the oppressed. Hence, his painting “Woman” from the same year is a tribute to this fight. Her work has been exhibited internationally, highlighting his participation in the Venice Biennale in 1974 and the Altazor Award for National Arts received the year after her death in 2012.

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Obras de Patricia Israel/Works by Patricia Israel

América despierta, Serigrafía,160 x 100 x 3 cm, 1972

Militares de Pinochet con la pintura de Patricia Israel

2020 MAVI Exp Encuentros improbables @FIbarra (23) web
“Mujer” (1991) Óleo sobre tela. 150,5 x 130,5 cm

Prócer anónimo

“Lava”

El conquistador y los dominados

Lo privado

Fray Bartolome de las Casas

El + Muerte = Relajo, serie Oscurasamérica, Pintura, Técnica mixta, 149,5 x 150,5 cm, s/f.

Una historia de amor, 160cm x 2113 cm, 2011

Un lugar de oración, técnica mixta, 2011-12

Warrior with parrot circa 1995. Mixed media Size 184 x 177 cm

Por qué No, Oleo sobre cartón. 28 x 21 cm, 1988.

Seregrafía/Engraving, 2011

La Conquista, Aguafuerte, 17×18 cm

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Patricia Israel en París – Poster

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Patrica Israel

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Grandes obras de escultura seleccionadas de este blog/Grandes obras de escultura escolhidas de este blog/Great Works of Sculpture Selected from the Blog

Un jardín de esculturas/Um Jardim de Escultura/A Sculpture Garden

Leonardo Nierman – México

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Feliza Burszstyn – Venezuela https://wordpress.com/post/jewishlatinamerica.wordpress.com/15388

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José Sacal – México https://wordpress.com/post/jewishlatinamerica.wordpress.com/10249

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Neomí Gerstein – Argentina https://wordpress.com/post/jewishlatinamerica.wordpress.com/6382

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Leonardo Nierman – México

https://wordpress.com/post/jewishlatinamerica.wordpress.com/4748

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Ferruccio Polanco – Argentina https://wordpress.com/post/jewishlatinamerica.wordpress.com/4610

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Martin Blaszko – Argentina https://wordpress.com/post/jewishlatinamerica.wordpress.com/4045

Frans Weismann – Brasil https://wordpress.com/post/jewishlatinamerica.wordpress.com/12071

Gyula Kosice – Argentina https://wordpress.com/post/jewishlatinamerica.wordpress.com/3940

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Gego – Venezuela https://wordpress.com/post/jewishlatinamerica.wordpress.com/3720

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Frans Krajcberg – Brasil https://wordpress.com/post/jewishlatinamerica.wordpress.com/3473

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Arte Maestra/Masterpieces of Art: https://wordpress.com/post/jewishlatinamerica.wordpress.com/15116

Sitio web de arte de Steve Sadow

http://www.jewishlatinart.com

Silvio Fischbein — Artista visual judío y director cinematográfico-argentino/Argentine Jewish Artist and Film Maker — Obras de papel y tejido, de colores fuertes/Works of paper and weaving, in strong colors

Silvio Fischbein

Silvio Fischbein, 1949, artista visual y director de cine, vive y trabaja en Buenos Aires. Recibió los títulos de Arquitecto, año 1974 y Urbanista, año 1980, de la Universidad de Buenos Aires. Es Profesor Consultor de la Universidad de Buenos Aires. Participó en la creación y dirigió las Escuelas Audiovisuales de ORT, Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo de la Universidad de Buenos Aires, Facultad de Arte de la Universidad Nacional del Centro. Como guionista y director, realizó 30 cortometrajes, 5 largometrajes y 2 videoarte. Obtuvo el Premio George Meliès del Gobierno de Francia en 1984. Desde 1965, en las artes visuales, ha realizado 40 exposiciones individuales en el país y en el exterior, y ha participado en salones y exposiciones colectivas. Fue becado en varias ocasiones por los Gobiernos de Canadá y Francia. Entre otras distinciones, obtuvo la Beca Pollock – Krasner Foundation, 2015 y 2018. En 2021 obtuvo el 1er. Premio en la 26 Bienal de Arte Textil, Argentina. Presidió en repetidas ocasiones la Asociación Iberoamericana de Escuelas Audiovisuales y perteneció al comité ejecutivo de la Asociación Internacional de Escuelas de Cine y TV, CILECT. Actualmente preside AAVRA, Asociación de Artistas Visuales de la República Argentina.

Adaptado de su sitio web: http://www.silviofischbein.com

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Silvio Fischbein, 1949, visual artist and film director, lives and works in Buenos Aires. He received the titles of Architect, year 1974 and Urban Planner, year 1980, from the University of Buenos Aires. He is Consulting Professor at the University of Buenos Aires. He participated in the creation and directed the Audiovisual Schools of ORT, Faculty of Architecture, Design and Urbanism of the University of Buenos Aires, Faculty of Art of the National University of the Center. As a screenwriter and director, he made 30 short films, 5 feature films and 2 video art. He obtained the George Meliès Prize from the Government of France in 1984. Since 1965, in the visual arts, he has held 40 individual exhibitions in the country and abroad, and has participated in salons and collective exhibitions. He was awarded scholarships on several occasions by the Governments of Canada and France. Among other distinctions, he obtained the Pollock – Krasner Foundation Scholarship, 2015 and 2018. In 2021 he obtained the 1st. Award at the 26th Biennial of Textile Art, Argentina. He repeatedly presided over the Ibero-American Association of Audiovisual Schools and belonged to the executive committee of the International Association of Film and TV Schools, CILECT. He currently chairs AAVRA, Association of Visual Artists of the Argentine Republic.

Adapted from his website: http://www.silviofischbein.com

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Es arte de Silvio Fischbein/The Art of Silvio Fischbein

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El arte maestra en este blog/Masterpieces of Art on this Blog — Argentina, México, Uruguay, Paraguay, Brasil, Perú, Ecuador, Colombia, Costa Rica

Ana Wein — Costa Rica
José Gurvich — Uruguay
Lasar Segall – Brasil
Yenta — Argentina

Moico Yaker- Perú –Santiago con casco del Sephirot de la Cábala/Saint James carrying a shield with the Sephirot de la Kabbalah
Noé Katz — México, Estados Unidos
Kurt Levy — Colombia
Trudy Sojka – Bolivia
Leonor Caplan — El primer hombre – Argentina
Eva Olivetti Paisaje, óleo sobre cartón, 1966
Martín Blaszco Movimiento Madi –Argentina
Iliana Pizck — Madre azul — Costa Rica
Perla Bajder — Argentina
Livio Abramo –Paraguay
Gunther Gerzso — Amarillo-Verde-Rojo-Azul, 1975
oil on masonite — Argentina
Linda Kohan – Uruguay
Osvaldo Romberg – Argentina
José Luis Fariñas — Patriarca — Cuba
Manuel Kantor – La Boca – Argentina
Rubén Kukier – Argentina, Israel
Zoma Baitler -Uruguay
Víctor Chab – Argentina
Patricia Krasbuch — Argentina
Rubens Gershmans — Brasil
Pedro Roth – Argentina
Gyuaya Kosice — Argentina
Hugo Golgel — Argentina
Andrés Levy Memun — No Title, acrylic on canvas, 20 x 20 cm Sin título, acrílico sobre tela, 20 x 20 cm
Luis Filcer — Mexico
Roberto Aizenberg – Argentina

Danilo Danzinger (1958-2013)– Escultor judío-argentino/Argentine Jewish Sculptor — Arte de lo prehistórico/Art from the Prehistoric

Danilo Danzinger

Danilo Danzinger nació en Buenos Aires en 1956 y falleció allí en 2013. Con su obra participó en importantes espacios de Buenos Aires: el Premio Braque, Joven Generación del Centro de Arte y Comunicación, Espacio Giesso, Harrods y en la Fundación San Telmo a inicios de los años 1990. Obtuvo una beca de la fundación Antorchas en 1996, una Mención en el Salón de la Sociedad Hebraica Argentina en 1982, y el Primer Premio en 1993, el Premio Banco Ciudad en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires en 1996 y Mención en el Salón Nacional en 2000. Si bien participó en muestras colectivas, desde 2002 hasta 2012, no hizo presentaciones individuales. Invitado a exponer en Río Gallegos, viajó a Tierra del Fuego, adonde volvió 27 veces más. De esta experiencia nació Paleobotánica Australis, su última muestra.

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He was born in Buenos Aires in 1956 and died there in 2013. He participated in important spaces in Buenos Aires: the Braque Award, Young Generation of the Center for Art and Communication, Espacio Giesso, Harrods and the San Telmo Foundation in the early 1990s. He received a scholarship from the Antorchas Foundation in 1996, a Mention in the Argentine Hebraic Society Hall in 1982, Third Prize in the Quinquela Martin Hall in 1989 and First Prize in 1993, the Second Prize at the Manuel Belgrano Municipal Hall in 1994, the Banco Ciudad Award at the Museum of Modern Art in Buenos Aires in 1996 and Mention at the National Hall in 2000. Although he participated in group shows, from 2002 to 2012 , did not have individual presentations. Invited to exhibit in Río Gallegos, he traveled to Tierra del Fuego, where he returned 27 more times. Paleobotánica Australis was born from this experience, his last exhibition.

María José Herrera , historiadora del arte argentino

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La prehistoria es algo más que un tema en la obra de Danziger: es el testigo inexorable del paso del tiempo y los procesos de la vida. Por eso, a sus ojos, los misteriosos fósiles eran esculturas naturales. Piedras “talladas” por el reemplazo mineral de una antiquísima vida orgánica, la transformación de esa energía. Danilo contaba que solía visitar los jardines botánicos y que uno de sus lugares predilectos eran los museos de ciencias naturales.

María José Herrera , Historian of Argentine art

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Prehistory is more than just a theme in Danziger’s work: it is the inexorable witness to the passage of time and the processes of life. Therefore, in their eyes, the mysterious fossils were natural sculptures. Stones “carved” by the mineral replacement of an ancient organic life, the transformation of that energy. Danilo used to say that he used to visit the botanical gardens and that one of his favorite places was the natural science museums.

Y una pintura: “Dos tramas selladas por un solo corazón de mujer “- Óleo sobre papel.

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Baruj Salinas — Artista judío-cubano-norteamericano de renombre internacional/Internationally Respected Cuban American Jewish Artist — “El proyecto de la Torah” y “El lenguaje de las nubes” “The Torah Project” and “The Language of the Clouds”

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Baruj Salinas (La Habana1935pintorescultorgrabador y ceramista cubano de origen judío, nació en La Habana, Cuba en 1935.​ La carrera de Salinas se inició en el campo de la arquitectura. Se graduó de la Universidad de Ohio con un título de arquitecto y emigró de Cuba a Miamia, Fla. de forma permanente en 1959. Salinas estableció en Miami y más tarde se trasladó a Barcelona, donde estudió junto a artistas Joan Miró y Antoni Tàpies. Aunque la arquitectura informó a sus primeros trabajos, poco a poco se trasladó hacia una expresión puramente abstracta. Su obra se asemeja a cuadros de espacio, donde el color es más importante que la forma y la misma se convierte en un tema principal. Hay rastros, también, de las tradiciones judías, pero haber nacido en Cuba ha hecho su impacto. Para él, Cuba es el trópico y la caña de azúcar, también es el sol y la luz. Él nunca dejará de ser cubano. Las pinturas de Salina se puede ver en las colecciones importantes de todo el mundo, como la Fundación Joan Miró, de Barcelona, el Museo Nacional de Catalunya, Barcelona, el Instituto Nacional de Bellas Artes, México DF, el Uri Museo Beit, Israel, el Museo de Fort Lauderdale de las Artes, Florida, el Museo de Bellas Artes, Budapest, el Instituto de Arte de Chicago y el Museo de Arte de Phoenix, Arizona.


Baruj Salinas (Havana, 1935) Cuban painter, sculptor, engraver and ceramicist of Jewish origin, was born in Havana, Cuba in 1935. Salinas’s career began in the field of architecture. He graduated from Ohio University with an architecture degree and immigrated from Cuba to Miami, Fla. permanently in 1959. Salinas settled in Miami and later moved to Barcelona, ​​where he studied alongside artists Joan Miró and Antoni Tàpies. Although architecture informed his early work, he gradually moved towards a purely abstract expression. His work resembles paintings of space, where color is more important than form and form becomes a main theme. There are traces, too, of Jewish traditions, but being born in Cuba has made its impact. For him, Cuba is the tropics and the sugar cane, it is also the sun and the light. He will never stop being Cuban. Salina’s paintings can be seen in important collections around the world, such as the Joan Miró Foundation, Barcelona, ​​the National Museum of Catalonia, Barcelona, ​​the National Institute of Fine Arts, Mexico City, the Uri Beit Museum, Israel, the Fort Lauderdale Museum of the Arts, Florida, the Museum of Fine Arts, Budapest, the Art Institute of Chicago, and the Phoenix Art Museum, Arizona.

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El proyecto de la Torah/The Torah Project


El Proyecto Torá Humash contiene los cinco libros de Moisés en hebreo, which is the original language. The Hebrew text is accompanied by commentaries, from recognized personalities in the arts and biblical studies, written in four languages. English, Spanish, Italian and German.There are 27 unique paintings from the Jewish Cuban artist – Master Baruj Salinas, which were beautifully reproduced in the technique of litho-seriagraphy from the original paintings by the printing house Santa Chiara in the City of Urbino, Italy. This special Torah Project Humash has been printed on 100% cotton paper in 160 gr. which was supplied by the Magnani House, an Italian paper mill in Pescia, Italy. There are 126 editions of the Torah Project Humash and each one has a wooden cover (called the Jerusalem Book Cover), made by La Casa Gentili, in the small town of Fossombrone, Italy. All the books are numbered from 1 to 126 and signed by the artist Baruj Salinas and the publishing house ACC Arte Scritta, this aims to identify each book as authentic

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The Torah Project Humash has 372 pages and it contains all of the five books of Moses in Hebrew, which is the original language.The Hebrew text is accompanied by commentaries, from recognized personalities in the arts and biblical studies, written in four languages. English, Spanish, Italian and German.There are 27 unique paintings from the Jewish Cuban artist – Master Baruj Salinas, which were beautifully reproduced in the technique of litho-seriagraphy from the original paintings by the printing house Santa Chiara in the City of Urbino, Italy. This special Torah Project Humash has been printed on 100% cotton paper in 160 gr. which was supplied by the Magnani House, an Italian paper mill in Pescia, Italy.There are 126 editions of the Torah Project Humash and each one has a wooden cover (called the Jerusalem Book Cover), made by La Casa Gentili, in the small town of Fossombrone, Italy.All the books are numbered from 1 to 126 and signed by the artist Baruj Salinas and the publishing house ACC Arte Scritta, this aims to identify each book as authentic.

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El proyecto de la Torá
Torah
Génisis
Exodus
Leviticus
Numbers
Deuteronomy
Parte de la tapa/part of the cover

The Youtube is In English:

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El lenguaje de las nubes/The Language of the Clouds

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Roberto Burle Marx (1909-1994) — Arquiteto de paisagem e pintor brasiliano-judaico/Arquitecto de paisaje y pintor judío-brasileño/Brazilian Jewish Landscape Architect and Painter — Plaças, parques e pinturas/Plazas, Parks and Painting –Copacabana!

Roberto Burle Marx

Roberto Burle Marx fue paisagista, arquiteto, desenhista, pintor, gravador, litógrafo, escultor,tapeceiro, ceramista, designer de jóias, decorador. Durante a infância vive no Rio de Janeiro. Vai com a família para a Alemanha, em 1928. Em Berlim, estuda canto e se integra à vida cultural da cidade, freqüenta teatros, óperas, museus e galerias de arte. Entra em contato com as obras de Vincent van Gogh (1853-1890), Pablo Picasso (1881-1973) e Paul Klee (1879-1940). Em 1929, freqüenta o ateliê de pintura de Degner Klemn. Nos jardins e museus botânicos de Dahlen, em Berlim, entusiasma-se ao encontrar exemplares da flora brasileira. De volta ao Brasil, faz curso de pintura e arquitetura na Escola Nacional de Belas Artes de Rio de Janeiro, entre 1930 e 1934.onde é aluno. Em 1932, realiza seu primeiro projeto de jardim para a residência da família Schwartz, no Rio de Janeiro. Entre 1934 e 1937, ocupa o cargo de diretor de parques e jardins do Recife, Pernambuco, onde passa a residir. Nesse período, vai com freqüência ao Rio de Janeiro e tem aulas com Candido Portinari (1903-1962) e com o escritor Mário de Andrade (1893-1945), no Instituto de Arte da Universidade do Distrito Federal. Em 1937, retorna ao Rio de Janeiro. O final da década de 1930 arca a integração de sua obra paisagística à arquitetura moderna, época em que o artista experimenta formas orgânicas e sinuosas na elaboração de seus projetos. Sua paixão por plantas remonta à juventude, quando se interessa por botânica e jardinagem, mas é em 1949 que Roberto Burle Marx organiza uma grande coleção, quando adquire um sítio de 800.000 m², em Campo Grande, Rio de Janeiro. Em companhia de botânicos, realiza inúmeras viagens por diversas regiões do país, para coletar e catalogar exemplares de plantas, reproduzindo em sua obra a diversidade fitogeográfica brasileira. Adaptado de https://www.guiadasartes.com.br/roberto-burle-marx/biografia

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Roberto Burle Marx was a Landscaper, architect, draughtsman, painter, engraver, lithographer, sculptor, upholsterer, potter, jewelry designer, decorator. During his childhood he lived in Rio de Janeiro. He went with his family to Germany in 1928. In Berlin, he studied singing and became part of the city’s cultural life, frequenting theaters, operas, museums and art galleries. He came into contact with the works of Vincent van Gogh (1853-1890), Pablo Picasso (1881-1973) and Paul Klee (1879-1940). In 1929, he attended the painting studio of Degner Klemn. In the gardens and botanical museums of Dahlen, in Berlin, he is excited to find specimens of Brazilian flora. Back in Brazil, he studied painting and architecture at the Escola Nacional de Belas Artes (Enba), Rio de Janeiro, between 1930 and 1934. In 1932, he carried out his first garden project for the Schwartz family’s residence in Rio de Janeiro. Between 1934 and 1937, he held the position of director of parks and gardens in Recife, Pernambuco, where he took up residence. During this period, he went frequently to Rio de Janeiro and took classes with Candido Portinari (1903-1962) and with the writer Mário de Andrade (1893-1945), at the Art Institute of the University of the Federal District. In 1937, he returned to Rio de Janeiro. The end of the 1930s saw the integration of his landscape work into modern architecture, a time when the artist experimented with organic and sinuous forms in the elaboration of his projects. His passion for plants dates back to his youth, when he became interested in botany and gardening, but it was in 1949 that Roberto Burle Marx organized a large collection, when he acquired an 800,000 m² site in Campo Grande, Rio de Janeiro. In the company of botanists, he made numerous trips to different regions of the country to collect and catalog plant specimens, reproducing the Brazilian phytogeographic diversity in his work. Adapted from: https://www.guiadasartes.com.br/roberto-burle-marx/biografia

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Auto-retratos/Self-portraits

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Arquitetura de passagem/Landscape Architecture

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Arquitetura/Architecture

Pintura/Painting

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Feliza Burzstyn (1933-1982)– Una escultora de arte cinético de metal descartado judío-colombiana/Colombian-Jewish Sculptor of Kinetic Art from Discarded Metal

Feliza Bursztyn

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Feliza Bursztyn, la escultora colombiana, nació en Bogotá en 1933 de inmigrantes judíos polacos. Bursztyn estudió, primero en Bogotá, luego en la Art Students League de Nueva York y finalmente en la Académie de la Grande Chaumière de París. Tomó una decisión temprana de trabajar con chatarra y otras piezas de material desechado. Cuando Bursztyn presentó la primera de once chatarras (esculturas hechas con chatarra) en 1961, recibió duras críticas. En 1964, con motivo de su segunda exposición individual, los críticos de arte habían reconsiderado las posibilidades de la chatarra como medio artístico. en 1967, un nuevo cuerpo de obra, realizado en acero inoxidable y con un componente cinético, se titula Las histéricas. Estas esculturas motorizadas se presentaban ocasionalmente en entornos inmersivos que incluían no solo un fuerte sonido mecánico, sino también un cortometraje titulado Hoy Feliza. Las camas, 1974 y El baile mecánica, 1979— abrazaron por completo las posibilidades del arte cinético en un entorno multimedia. Creó figuras que “bailaban” al ritmo de la música con una iluminación dramática para completar la presentación escénica. Algunos vieron estos trabajos como comentarios políticos contra el estado y la iglesia. En 1981, luego de dos viajes a Cuba, fue detenida e interrogada por militares. Pidió asilo político en México y luego se instaló en París, donde en 1982 murió de un infarto a la edad de cuarenta y nueve años. Su obra ha sido coleccionada de forma privada y también por instituciones públicas, como el Museo de Arte Moderno, el Museo Nacional de Colombia y el Banco de la República, todos en Bogotá, y la Tate Modern, Londres.

Adaptada de Marcela Guerrera, Hammer Galleries

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Feliza Bursztyn, the Colombian sculptor, was born in Bogotá in 1933 to Polish Jewish immigrants. Bursztyn study, first in Bogotá, then at the Art Students League in New York, and lastly at the Académie de la Grande Chaumière in Paris. She made an early decision to work with scrap metal and other pieces of discarded material.. When Bursztyn presented her first of eleven chatarras (sculptures made from scrap) in 1961, she received a harsh reviews. By 1964, on the occasion of her second solo show, art critics had reconsidered the possibilities of junk as an art medium. in 1967, a new body of work, made of stainless steel and with a kinetic component, was entitled Las histéricas (The hysterical ones). These motorized sculptures were occasionally presented in immersive environments that included not only a loud mechanical sound but also a short film titled Hoy Feliza (Today Feliza.) Las camas (The beds, 1974) and La baila mecánica (The mechanical dance, 1979)—fully embraced the possibilities of kinetic art in a multimedia setting. She created figures that would “dance” to music with dramatic lighting to complete the stagelike presentation. Some saw these works as political commentaries against the state and the church. In 1981, after two trips to Cuba, she was detained and questioned by the military. She sought political asylum in Mexico and then settled in Paris, where in 1982 she died of a heart attack at the age of forty-nine. Her work has been collected privately and also by public institutions, such as the Museo de Arte Moderno, Museo Nacional de Colombia, and Banco de la República, all in Bogotá, and Tate Modern, London.

adapted from de Marcela Guerrero, Hammer Galleries

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Obras de Feliza Bursztyn

Oro/Gold – Obras cinéticas/Kinetic Works

Metal con colores/Colored Metal

Metal pintado/Painted Metal — Obras cinéticas/Kinetic works

Escultora de metal afuera/Outdoor metal sculpture

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La presencia judía de Costa Rica/ The Jewish Presence in Costa Rica

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Costa Rica es el hogar de aproximadamente 4000 judíos, la mayoría de ellos descendientes de los más de 300 inmigrantes de Zelechow, Polonia, que llegaron a principios de la década de 1930 en busca de oportunidades económicas y huyendo de las primeras señales de advertencia del gobierno nazi. El Museo de la Comunidad Judía de Costa Rica de San José presenta la historia de esa inmigración, así como los primeros años de los hombres como vendedores de puerta en puerta, cuando se ganaron el apodo yiddish de “clappers” por el sonido que hacían tocando puertas—se desarrolla a través de una serie de fotografías de archivo, paneles informativos y artefactos rituales. Valiosos shofars, tallits e instrumentos de brit milah atestiguan la adhesión de los primeros pobladores a la vida religiosa. El museo es parte del Centro Israelita Sionista de Costa Rica, un extenso campus inaugurado en 2004. Con 2.500 miembros, esta es la dirección principal ortodoxo para gran parte de lo judío en el país: servicios de adoración diarios, certificación de kashrut, mikvehs, educación escolar diurna, programas para personas mayores y sociedad funeraria. Hay una sinagoga reformista. Los judíos ocupan un lugar elevado y enrarecido en la sociedad costarricense. Operadores turísticos usan misma palabra: “elegante”, utilizada con reverencia en lugar de como un insulto—cuando lucha en inglés para describir a los judíos locales, muchos de los cuales son dueños de importantes concesionarios de automóviles, franquicias de comida rápida y otros negocios exitosos.

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Costa Rica is home to approximately 4,000 Jews, most of them descendants of the 300-plus immigrants from Zelechow, Poland, who arrived in the early 1930s looking for economic opportunity and fleeing the early warning signs of Nazi rule. In San José’s Museo de la Comunidad Judía de Costa Rica, the story of that immigration as well as the men’s early years as door-to-door salesmen—when they earned the Yiddish sobriquet “klappers” for the sound they made knocking on doors—unfolds through a series of archival photographs, informational panels and ritual artifacts. Treasured shofars, tallits and brit milah instruments testify to the earliest settlers’ adherence to religious life. The museum is housed in the Centro Israelita Sionista de Costa Rica, a sprawling multi-acre campus opened in 2004. With 2,500 members, this is the main address for most things Jewish in the country—daily Orthodox worship services, kashrut certification, mikvehs, day school education, senior programs and burial society. There is one Reform congregation. Jews inhabit a lofty, rarified place in Costa Rican society. Tour leaders use the word “fancy,” with reverence rather than as a slur—when struggling in English to describe local Jews, many of whom own prominent car dealerships, fast-food franchises and other successful businesses.

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Literatura/Literature

Samuel Rovinski https://wordpress.com/post/jewishlatinamerica.wordpress.com/1914

“Las naranjas de pascua”

“Pero sí te prometo, mi dulce Janche, que, para Pésaj, en nuestra

mesa habrá manzanas, peras, uvas, avellanas, ciruelas, pasas, un buen

vino Manischewitz y todas las frutas del trópico. ¿Y sabes por qué,

Janche? Porque en este Pésaj vamos a cumplir diez años de haber llegado

a Costa Rica”.

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“The Oranges of Passover”

“But if I promise you, my sweet Janche, that, for Passover, on our table there will

be apples, pears, hazelnuts, cherries, raisins, a good Manischewitz wine and all the

fruits of the tropics. And you know why, Janche? Because at this Passover, we are

going to celebrate ten years of our arrival in Costa Rica.”

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Rosita Kalina https://wordpress.com/post/jewishlatinamerica.wordpress.com/4084

SOY DE LA TRIBU DE YEHUDÁ

Soy de la tribu de Yehudá

La de mis abuelos y bisabuelos.

La de Salomón, de Jesús y Einstein.

Por no citar a Freud,

cuyo valioso secreto cabalístico

saltó a la silla del terapeuta.

No perdono los miles de holocaustos

que en nombre de fementidas verdades

se urdieron contra mi pueblo,

contra otros pueblos antiquísimos,

más sabios que la ley del blanco.

Me horroriza el hombre integrado

a religiosas guerras.

Que somos uno en la inmensa nave

madre tierra, que nos transporta

a ilimitadas dimensiones.

Que todos respiramos un mismo destino.

Soy universal. Simplemente una mujer

que se atreve a soñar con una hermandad

de almas y de alas.

Precisamente por mi origen,

comprendo bien la tristeza de otros

venidos a menos por color o ángulo de los ojos.

¡Que venga la era del hombre,

maravilloso ser que puebla la existencia!

En él veo único, irrepetible,

mi orgullo de ser mujer.

También amo al animal y a las plantas

que vivan mis soledades.

Soy judía. Tersa hasta la caricia.

Amorosa hasta el éxtasis.

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I AM OF THE TRIBE OF JUDAH

I am of the tribe of Judah.

That of my grandparents and great-grandparents.

That of Solomon, of Jesus and Einstein.

Not to mention Freud

whose valuable Kabbalistic secret

leaped to the therapist’s chair.

I don’t forgive the thousands of Holocausts

that in the name of false truths

were devised against my people,

against other extremely old peoples.

wiser than the law of the powerful.

I am horrified by the man who takes part in religious wars.

That we are one in the immense ship

Mother Earth, that transports to

unlimited dimensions.

That we all breathe a like destiny.

I am universal. Simply a woman

who dares to dream of a brotherhood

of souls and of wings.

Precisely because of my origin,

I well understand the sadness of others

brought down by color or angle of eyes.

Let the era of man come,

marvelous being who populates existence!

In him, I see as unique, unrepeatable,

my pride of being a woman.

I also love the animal and the plants

that live my solitudes.

I am Jewish. Smooth even to the caress.

Loving even to ecstasy.

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Luis Kleiman

III LÓGICA

a Samuel Rowinski, amigo de las letras

La oposición de los magnetos,
dividos, separados,
amparados en sus polos disidentes,
causa la anulación de las fuerzas.

Y en el núcleo,
equilibrado el movimiento,
por inercia,
decrece hasta la muerte,
la multiplicación de los verbos.

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III LOGIC

to  Samuel Rovinski, friend of literature

The opposition of the magnets,

divided, separated,

in its dissident poles,

cause the annulment  of the forces.

And in the nucleus

the movement balanced

by inertia,

decreases to its death,

to the multiplication of the words.

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Historia familiar/Family History

Yanina Rovinski https://wordpress.com/post/jewishlatinamerica.wordpress.com/4084

“La montaña de aserrín”

“Paz y amor” celebra no solamente la sobrevivencia de Sarita y su familia, sino la recepción que recibieron de los judío costarricenses y la solidaridad de esa comunidad. Trata de la adaptación de Sarita a su vida nueva en Costa Rica. También, es una historia de amor entre Samuel Rovinski que llegará a ser un escritor importante y su querida Sarita.

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“The Mountain of Saw Dust”

“Peace and Love’”celebrates not only the survival of Sarita and her family, but also the reception they received by the Costa Rican Jews and the solidarity of that community. It deals with Sarita’s adaptation to her new life en Costa Rica. Also, it is adolescent love story between Samuel Rovinski, who would become an important writer, and his beloved Sarita.

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Ana Wien https://wordpress.com/post/jewishlatinamerica.wordpress.com/3338

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Ileana Piszk https://wordpress.com/post/jewishlatinamerica.wordpress.com/969 y otros

Rosita Kalina, una impresión la madre de Ileana Piszk/An Impression by Ileana Piszk

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Sinagogas y Museos/Synagogues and Museums

https://wordpress.com/post/jewishlatinamerica.wordpress.com/7279

Centro israelita Sionista de Costa Rica – Ortodoxo
Congregación B’nei Israel – Reformista

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Museo judío de Costa Rica

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Parque de la Vida – en honor de los 190 sobrevivientes del Holocausto que hicieron sus vida en Costa Rica/ Life Park – in honor of the 190 Holocaust survivors who made their lives in Costa Rica — Velma Faingerziedt, directora

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Noé Katz–Artista visual y escultor judío-mexicano, radicado en EEUU/ Mexican Jewish Artists and Sculptor, living in the United States-“Yom Kippur” y otras obras/”Yom Kippur” and other works

Noé Katz

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Noé Katz nació en la Ciudad de México en 1953 de padres judíos. Se inició como diseñador gráfico luego de estudiar en la escuela del INBA, en la Ciudadela, y continuó su formación en la academia de Bellas Artes de Florencia, con una beca de la embajada de Italia en México y de la Secretaría de Relaciones Exteriores.Ha incursionado en el dibujo, la pintura, la escultura y la obra mural, además de dedicarse al diseño editorial. Su obra forma parte de las colecciones del museo de arte moderno de México y otros museos del extranjero.Entre sus premios se puede mencionar el premio en el Museo Carillo Gil con el tema “Sobre el humor”. El premio de la Cámara Nacional de las Artes Gráficas en México, el premio de la revista Escala de Aeroméxico a la mejor portada con motivo del Mundial Francia ’98, el premio de la Cámara de Artes Gráficas de Brasil por su obra “El Ángel”, y quizá uno de los más representativos: El premio por su timbre postal conmemorativo a los 100 años de presencia judía en México. Adaptado de Enlace Judío de México

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Noé Katz was born in Mexico City in 1953 to Jewish parents. He began as a graphic designer after studying at the INBA school, in the Ciudadela, and continued his training at the Academy of Fine Arts in Florence, with a scholarship from the Italian embassy. in Mexico and the Ministry of Foreign Affairs. He has ventured into drawing, painting, sculpture and mural work, in addition to dedicating himself to editorial design. His work is part of the collections of the Museum of Modern Art in Mexico and other museums abroad. Among his awards we can mention the award at the Carillo Gil Museum with the theme “On humor”. The award from the National Chamber of Graphic Arts in Mexico, the award from Aeroméxico’s Escala magazine for the best cover on the occasion of the France ’98 World Cup, the award from the Brazilian Chamber of Graphic Arts for his work “El Ángel” , and perhaps one of the most representative: The award for its commemorative postage stamp for 100 years of Jewish presence in Mexico. Adapted from Enlace Judío de México

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“My imagination leads me to design three-dimensional ideas. Sometimes I create on a smaller scale, imagining them being built in a much larger scale such as public spaces. Besides sculpture, I’m a full time painter who loves to let my imagination flow and I take pride in my technique as well. I enjoy the use of colors and smooth surfaces. I think that a person who wants to feel alive has to read, travel, love, and let himself be loved.” Noé Katz

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“Mi imaginación me lleva a diseñar ideas tridimensionales. A veces creo en una escala más pequeña, imaginando que se construyen en una escala mucho mayor, como los espacios públicos. Además de la escultura, soy un pintor a tiempo completo al que le encanta dejar fluir mi imaginación y también me enorgullezco de mi técnica. Disfruto el uso de colores y superficies lisas. Creo que una persona que quiere sentirse viva tiene que leer, viajar, amar y dejarse amar”. Noé Katz

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Pintura/Painting

Yom Kippur
Lazos 1996
Transferencja, 2001
Negocios
Mucho tráfico 2002
Afiche/Poster
Man on Horseback
Serpientes y escaleras 2002

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Escultora/Sculpture

Kurt Levy (1911-1987)– Artista visual alemán-colombiano/German Colombian Artist — “La aventura de la pintura”/”The Adventure of Painting”

Kurt Levy

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Kurt Levy nació en Alemania en 1911, pero pasó la mayor parte de su carrera pictórica en Colombia. Es célebre por sus paisajes en acuarela del campo colombiano. “Encontré la luz del Caribe como una ocasión espléndida para la gran aventura de la pintura”, dijo Levy en una exposición en Bogotá en 1959. El pintor judío huyó de Europa en 1935 y se estableció en Colombia, donde apoyó sus actividades artísticas trabajando como litógrafo. La carrera pictórica de Levy despegó en 1947 con su primera exposición individual en la Biblioteca Nacional de Bogotá. Aceptó un puesto para trabajar como profesor de dibujo y acuarela en la Universidad de Barranquilla, en el norte de Colombia, en 1956. El artista también vivió en Medellín durante varios años, trabajando como instructor de pintura y dibujo en el Centro Colombo Americano. Los paisajes colombianos de Levy, que describió como concisos y nada sentimentales, se han exhibido en todo el país.

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Kurt Levy was born in Germany in 1911, but spent most of his painting career in Colombia. He is celebrated for his watercolor landscapes of the Colombian countryside.“I found the light of the Caribbean a splendid occasion for the great adventure of painting,” Levy said at an exhibition in Bogotá in 1959. The Jewish painter fled Europe in 1935 and settled in Colombia, where he supported his artistic pursuits by working as a lithographer. Levy’s painting career took off in 1947 with his first solo exhibition at the Biblioteca Nacional de Bogotá. He accepted a position to work as a professor of drawing and watercolor painting at the University of Barranquilla, in northern Colombia, in 1956. The artist also lived in Medellin for several years, working as a painting and drawing instructor at Centro Colombo Americano. Levy’s Colombian landscapes, which he described as concise and unsentimental, have been exhibited all over the country.

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Esther Vainstein — Artista visual multimedia judío-peruana/Peruvian Jewish Multimedia Artist — “Vivo frente del mar”/”I live facing the sea”

Esther Vainstein (

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Su obra ha sido un intento por encontrar su lugar en el mundo. Si bien Esther Vainstein nació en Lima en 1947, sus orígenes están en Polonia y Rumania, de donde vinieron sus padres antes de estallar la Segunda Guerra Mundial. Eso los salvó del exterminio nazi. Sin embargo, la mayoría de su familia judía en Europa pereció en los campos de concentración. Actualmente, ella tiene una hermana y dos hijas que viven desde hace buen tiempo en Estados Unidos. Por eso, dice: “Soy la primera y la última generación de mi familia en el Perú”.Esto la llevó a buscar sus raíces a través de sus proyectos artísticos, y decidió adoptar el desierto costeño como su patria. “Yo no conozco Polonia ni Rumania y tampoco tengo ganas de ir porque no quiero visitar los campos de concentración. Esto es como una búsqueda de raíces en un país que no es el mío, como tampoco lo son Polonia ni Rumania. Yo estudié cine y trabajé nueve años en la BBC de Londres haciendo documentales sobre el Perú, viajé mucho y descubrí el desierto que para mí resulta fantástico. Es un tema recurrente en mi obra desde hace 40 años”, dice.Y el desierto costeño está conectado con lo precolombino, con culturas como Chancay, Paracas y Nazca, temas que Esther Vainstein ha desarrollado en pinturas e instalaciones como la realizada en 2007, en el ICPNA, titulada Ofrendas de Barro y Viento / Cadencia y variaciones, una exposición antológica de su obra, donde construyó una huaca enorme en la sala miraflorina. “Ese año ocurrió el terremoto en Pisco —cuenta— y se derrumbó una casa hecha de adobes en Chorrillos. Uno de los obreros que estaba trabajando conmigo me avisó del hecho y esa noche mandamos un camión a recoger esos adobes y con ellos construí la instalación de la huaca. La hice con arena negra como símbolo de la muerte causada por el terremoto. . . Fue toda una experiencia”.Lo que a ella le interesa contar es eso que se esconde y revela en la aparente inercia del desierto. “El desierto está vivo —dice— las arenas se mueven constantemente, tapan y destapan las cosas. En Paracas, en Nazca, en Palpa, por ejemplo, los vientos cambian mucho, y existen cosas que recién se han ido descubriendo, como las líneas Paracas, porque antes estaban ocultas”. Se queda en silencio y segundos después, agrega: “Hace más de 40 años, vivo frente al mar y creo que este es equivalente al desierto. Las mareas cambian, nunca nada es igual, todos los días el mar es distinto, lo mismo sucede con el desierto, por eso cada persona tiene una visión distinta de él”.

El Comercio, Lima

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His work has been an attempt to find his place in the world. Although Esther Vainstein was born in Lima in 1947, her origins are in Poland and Romania, where her parents came from before the outbreak of World War II. That saved them from Nazi extermination. However, most of his Jewish family in Europe perished in the concentration camps. Currently, she has a sister and two daughters who have long lived in the United States. For this reason, she says: “I am the first and the last generation of my family in Peru.” This led her to seek her roots through her artistic projects, and she decided to adopt the coastal desert as her homeland. “I don’t know Poland or Romania and I don’t feel like going because I don’t want to visit the concentration camps. This is like a search for roots in a country that is not mine, and neither are Poland or Romania. I studied film and worked for the BBC in London for nine years making documentaries about Peru, I traveled a lot and discovered the desert, which for me is fantastic. It has been a recurring theme in my work for 40 years ”, he says. And the coastal desert is connected with the pre-Columbian, with cultures such as Chancay, Paracas and Nazca, themes that Esther Vainstein has developed in paintings and installations such as the one carried out in 2007, at the ICPNA, entitled Offerings of Clay and Wind / Cadence and Variations, an anthological exhibition of her work, where she built a Huge huaca in the Miraflorina room. “That year the earthquake occurred in Pisco,” he says, “and a house made of adobes collapsed in Chorrillos. One of the workers who was working with me told me of the fact and that night we sent a truck to collect those adobes and with them I built the installation of the huaca. I made it with black sand as a symbol of death caused by the earthquake. . . It was quite an experience. ”What she is interested in telling is what is hidden and revealed in the apparent inertia of the desert. “The desert is alive,” he says, “the sands are constantly moving, covering and uncovering things. In Paracas, in Nazca, in Palpa, for example, the winds change a lot, and there are things that have only recently been discovered, such as the Paracas lines, because before they were hidden ”. He remains silent and seconds later, he adds: “For more than 40 years, I have lived in front of the sea and I think it is equivalent to the desert. The tides change, nothing is ever the same, every day the sea is different, the same happens with the desert, that is why each person has a different vision of it ”.

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La obra de Esther Vainstein/Work of Esther Vainstein

El desierto

Instalaciones/Installations

Pinturas/Paintings

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Escultora/Sculpture

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Trude Sojka (1909-2007) Artista visual y sobreviviente de la Shoá judío-checo-ecuatoriana/Czech Ecuadorian Jewish Artist and Holocaust Survivor

Trude Sojka

Gertrud Herta Sojková Baum nació en 1909 en Berlín de padres judíos checos. Su padre, Rudolf Sojka, era ingeniero y tenía tratos comerciales con el presidente ecuatoriano Eloy Alfaro relacionados con el sistema ferroviario ecuatoriano. Pronto la familia se mudó a Praga, Checoslovaquia. Se matriculó en la Academia de las Artes de Prusia en Berlín. Su talento como pintora la llevó a exponer en Berlín; Con el ascenso al poder de Hitler y la invasión de Checoslovaquia por el Tercer Reich, la familia judía de Sojka se vio amenazada. En 1938, Sojka se casó con Dezider Schwartz. En 1942, la pareja fue transportada al campo de concentración de Majdanek, luego al campo de trabajo de Sered y luego, en 1944, al campo de concentración de Auschwitz. Trude es trasladado al campo de concentración de Gross-Rosen, liberado por los rusos. Nunca volvería a encontrar a Dezider Schwartz. Pero encontró en la Cruz Roja un periódico de su hermano mayor, Waltre, que buscaba a su familia. Vivía en Ecuador desde 1938. Waltre había sido invitado a Ecuador para dar conferencias de química en la Universidad Central del Ecuador y, decidió quedarse allí. Trude decidió unirse a ellos. “Cuando llegué al puerto de Guayaquil , mi hermano me esperaba con los brazos abiertos.” “Solo que cuando salí del barco, fui corriendo directo a abrazar un racimo de plátanos”, solía bromear Sojka. Sojka estaba fascinado por la cultura, los pueblos indígenas y el paisaje. Ella descubre es el arte autóctono y aborigen , que comienza a estudiar cuanto antes: una fuente de inspiración para sus propias obras. Sojka comienza a trabajar para su hermano y su esposa, tanto en su fábrica como en su tienda de artesanías, llamada AKIOS, (Sojka escrito al revés), en el Centro Histórico de Quito. Cuando Sojka llegó a Guayaquil, conoció a un buen amigo de su hermano Hans Steinitz, también sobreviviente del Holocausto, quien logró huir del campo de concentración de Sachsenhausen. Se casaron. Luego, la artista se dedica casi por completo a su arte. Por estos tiempos conoce a grandes artistas ecuatorianos como Gilberto Almeida, Víctor Mideros, Manuel Rendón o, durante los 90, o Pilar Bustos. Incluso llega a enseñar escultura a Oswaldo Guayasamín. Sus primeras pinturas en Ecuador, creadas en 1950, representan sus experiencias en Auschwitz. También trabajó mucho en torno al significado de su apellido: Sojka, un pájaro que deambula por los bosques del este de Europa. Posteriormente, volvió a estudiar, pero esta vez profundamente, el arte precolombino, especialmente el arte indígena tradicional ecuatoriano y sus diferentes divinidades. Por eso, introdujo a muchas de sus figuras en su forma de pintar expresionista europea, que es única. Mientras tanto, sus pinturas se volvieron más alegres: la naturaleza, el universo, las oraciones, los recuerdos nostálgicos de su amada Checoslovaquia se convirtieron en sus temas principales. A finales del siglo XX pintó muchas más figuras tiernas. Las obras de Trude Sojka también se consideran muy especiales debido a su técnica. La artista utilizó cemento, un material muy duro y de secado rápido, para realizar sus pinturas, al igual que haría sus esculturas, dando una segunda dimensión a la superficie generalmente plana. Se le ocurrió la idea porque le encantaba trabajar con arcilla, pero el cemento era más barato y desafiante. Para fijar el cemento a la superficie de madera o cartón, utilizó un pegamento que su hermano Walter Sojka, un químico, inventó solo para ella. Además, fue pionera en Ecuador, y probablemente también en América Latina, en utilizar materiales reciclados dentro de sus obras de arte, como vidrios rotos, piezas de metal, estructuras de ruedas, tejas, tapas de cubos de basura. Con motivo del 90 cumpleaños de Sojka, la Casa de la Cultura Ecuatoriana ” Benjamín Carrión ” le rindió homenaje, nombrándola “Artista emérita” y se realizó una exposición retrospectiva de sus obras. En 2001, Sojka sufrió un derrame cerebral. Logró superarlo con un mínimo de pérdida de memoria. Continuó haciendo pinturas y esculturas pesadas con cemento y materiales reciclados hasta los noventa y cinco años. Cuando sus manos se volvieron demasiado frágiles, dejó de trabajar con cemento. Sin embargo, nunca dejó de pintar y dibujar. Se murió en 2007.

Adaptado de: https://stringfixer.com/es/Trude_Sojka

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Gertrud Herta Sojková Baum was born in 1909 in Berlin to Czech Jewish parents. His father, Rudolf Sojka, was an engineer and had business dealings with Ecuadorian President Eloy Alfaro related to the Ecuadorian rail system. Soon the family moved to Prague, Czechoslovakia. He enrolled at the Prussian Academy of Arts in Berlin. Her talent as a painter led her to exhibit in Berlin; With Hitler’s rise to power and the Third Reich’s invasion of Czechoslovakia, Sojka’s Jewish family was threatened. In 1938, Sojka married Dezider Schwartz. In 1942, the couple were transported to the Majdanek concentration camp, then to the Sered labor camp, and then, in 1944, to the Auschwitz concentration camp. Trude is transferred to the Gross-Rosen concentration camp, liberated by the Russians. She would never see Dezider Schwartz again. But he found in the Red Cross a newspaper of his older brother, Waltre, who was looking for his family. He had lived in Ecuador since 1938. Walter had been invited to Ecuador to give chemistry lectures at the Central University of Ecuador and decided to stay there. Trude decided to join them. “When I arrived at the port of Guayaquil, my brother was waiting for me with open arms.” “Only when I got off the boat, I ran straight to hug a bunch of bananas,” Sojka used to joke. Sojka was fascinated by culture, indigenous peoples and the landscape. She discovers indigenous and aboriginal art, which she begins to study as soon as possible: a source of inspiration for his own works. Sojka begins to work for his brother and his wife, both in their factory and in their handicraft store, called AKIOS, (Sojka written backwards), in the Historic Center of Quito When Sojka arrived in Guayaquil, she met a good friend of her brother Hans Steinitz, also a Holocaust survivor, who managed to escape from the Sachsenhausen concentration camp. They married. Later, the artist devotes herself almost entirely to her art. During these times he met great Ecuadorian artists such as Gilberto Almeida, Víctor Mideros, Manuel Rendón or, during the 90s, or Pilar Bustos. He even taught sculpture to Oswaldo Guayasamín. His first paintings in Ecuador, created in 1950, depict his experiences at Auschwitz. He also worked hard around the meaning of his last name: Sojka, a bird that roams the forests of eastern Europe. Later, he returned to study, but this time deeply, pre-Columbian art, especially Ecuadorian traditional indigenous art and its different divinities. For this reason, he introduced many of his figures in his European Expressionist way of painting, which is unique. Meanwhile, his paintings became more joyful: nature, the universe, prayers, nostalgic memories of his beloved Czechoslovakia became his main themes. At the end of the 20th century he painted many more cute figures. Trude Sojka’s works are also considered very special due to their technique. The artist used cement, a very hard and fast drying material, to make her paintings, as she would her sculptures, giving a second dimension to the generally flat surface. She came up with the idea because he loved working with clay, but cement was cheaper and more challenging. To fix the cement to the wooden or cardboard surface, she used a glue that her brother Walter Sojka, a chemist, invented just for her. In addition, it was a pioneer in Ecuador, and probably also in Latin America, in using recycled materials within its works of art, such as broken glass, metal pieces, wheel frames, roof tiles, and garbage can lids. On the occasion of Sojka’s 90th birthday, the Ecuadorian House of Culture “Benjamín Carrión” paid tribute to her, naming her “Emeritus Artist” and a retrospective exhibition of her works was held. In 2001, Sojka suffered a stroke. She managed to get through it with minimal memory loss. She continued to make heavy paintings and sculptures with cement and recycled materials until he was ninety-five years old. When his hands became too fragile, she stopped working with cement. However, he never stopped painting and drawing. He died in 2007.

Adapted from: https://stringfixer.com/es/Trude_Sojka

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Obras de arte hechas de materiales reciclados y cemento/Artworks made of recycled materials and cement

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Escultura por Trude Sojka/Sculpture by Trude Sojke

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En español con fotos
In English

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Un Libro sobre la obra de Trude Sojka/A Book about Trude Sojka’s Work

Español-English

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Amazon

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Lene Schneider-Keiner (1885-1971) Artista visual judío-austraco-boliviana/ Austrian Bolivian Jewish Artist — Viajera del mundo/World Traveler

Fotos de Lene Schneider-Keiner como actriz, pintora,fotógrafa y viajera/ Photos of Lene Schneider-Keiner as a actrice, painter, photographer and traveler

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Lene Schneider-Keiner nació en 1885, en Viena, Austria, en una familia judía. Estudió pintura en Viena y en Munich. La suya es la historia de una mujer judía creativa, independiente y rompedora de fronteras que se adelantó a su tiempo. Lene Schneider-Keiner fue una pintora y diseñadora de moda en Berlín en la década de 1920 que navegó por el escándalo, se vistió de hombre para dedicarse a su arte, se divorció de su marido y viajó por partes poco visitadas de Asia y Oriente Medio en el camino de Marco Polo. De 1926 a 1928, participó en una expedición a Asia, que la llevó a ella y al autor Bernhard Kellermann a Irán, Ladakh (Klein-Tibet), India, Tailandia y China. Luego se trasladó a Berlín, donde fue apoyada por la Academia de Bellas Artes de Prusia y la Villa Másimo en Roma. Tras una estancia en España en la década de 1930, se instaló en Nueva York y más tarde en Berlín. Ella escapó y se mantuvo unos pasos por delante de los nazis, y finalmente se dirigió a la ciudad de Nueva York, luego a Cochabamba, Bolivia, donde en 1954 se había mudado para encontrarse con familiares que se establecieron allí después de huir de los nazis. En Cochabamba, Bolivia, donde se hizo conocida como Elena Eleska, murió en 1971.
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Lene Schneider-Keiner was born in 1885, in Vienna, Austria, to a Jewish family. She studied painting in Vienna and Munich. Her’s is the story of a creative, independent and border-breaking Jewish woman who was ahead of her time. Lene Schneider-Kainer was a painter and fashion designer in Berlin in the 1920s who navigated scandal, dressed as a man to pursue her art, divorced her husband, and traveled through little-visited parts of Asia and the Middle East. on the road to Marco Polo. From 1926 to 1928, she participated in an expedition to Asia, which took her and author Bernhard Kellermann to Iran, Ladakh (Klein-Tibet), India, Thailand, and China. She then moved to Berlin, where she was supported by the Prussian Academy of Fine Arts and the Villa Másimo in Rome. After a stay in Spain in the 1930s, she settled in New York and later in Berlin. She escaped and stayed a few steps ahead of the Nazis, eventually making her way to New York City, then Cochabamba, Bolivia, where in 1954, she moved to meet relatives who settled there after fleeing the Nazis. In Cochabamba, Bolivia, where she became known as Elena Eleska, she died in 1971.

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Pinturas de sus viajes inmensos sobre la ruta de Marco Polo y más visitas del mundo/Paintings from her enormous journeys following the Route of Marco Polo and other visits around the world

Una mujer ladok de la Himalayas/A Laddock woman from the Himalayas
Un lama de las Himalayas/A lama from the Himalayas
Mujer china con bebé/Chinese Woman with Baby
Una mujer del Golfo de Persia/A Woman of the Persian Gulf
Attork
Bailarina de Siam/Siamese Dancing Girl
Una madre jóven de Persia/A Young Mother from Persia
Una mendiga en Persio/A Woman Beggar in Persia
Dos hombres de la India con frutas/Two men from India with fruit
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El mercado de Peking/The Pekin market
Pueblo en las montañas Altas de Moroco/A Village in the Atlas Mountains of Morocco

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Escenas de Amsterdam

Amsterdam
Amsterdam

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Mujeres de Amsterdam/Women of Amsterdam

Ilustraciones de un libro erõtico/Illustrations for a book of erotica

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Abstracción/Abstract Art

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Autorretratos de Lene Schneider-Keiner

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Franz Weissmann (1911-2005) — Escultor do espaço brasileiro judaico/Escultor del espacio judío-brasileño/Brazilian Jewish Sculptor of Space — “Fuera e adentro”/”Afuera y adentro”/”Outside and Inside”

Franz Weissmann

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Franz Weissman (1911-2005) Escultor, desenhista, pintor e professor. Veio para o Brasil em 1921. No Rio de Janeiro, entre 1939 e 1941, frequenta cursos de arquitetura, escultura, pintura e desenho na Escola Nacional de Belas Artes (Enba). De 1942 a 1944, estudou desenho, escultura, modelagem e fundição com August Zamoyski (1893-1970). Em 1945, muda-se para Belo Horizonte, onde dá aulas particulares de desenho e escultura. Três anos depois, Guignard (1896-1962) o convida a lecionar escultura na Escola do Parque, que mais tarde recebe o nome de Escola Guignard. Inicialmente, desenvolve um trabalho baseado no figurativismo. A partir da década de 1950, vai elaborando gradativamente uma obra de cunho construtivista, valorizando as formas geométricas, submetendo-as a cortes e dobras, utilizando chapas de ferro, fios de aço, alumínio em dintel ou chapa. Ingressou no Grupo Frente, em 1955. No ano seguinte, voltou ao Rio de Janeiro e participou da Mostra Nacional de Arte Concreta, em 1957. Foi um dos fundadores do Grupo Neoconcreto, em 1959. Nesse ano, viajou para a Europa e Extremo Oriente, retornando ao Brasil em 1965. Na década de 1960, expôs a série Amassados, feita na Europa com chapas de zinco ou alumínio trabalhadas com martelo, clava e instrumentos de ponta, aliando-se temporariamente ao informalismo. Depois, volta aos aspectos construtivos. Na década de 1970, recebeu o prêmio de melhor escultor pela Associação Paulista de Críticos de Arte (APCA), participou da Bienal Internacional de Escultura ao Ar Livre, em Antuérpia, na Bélgica, e da Bienal de Veneza. Realiza esculturas monumentais para espaços públicos de várias cidades brasileiras, como a Praça da Sé, em São Paulo, o Parque da Catacumba, no Rio de Janeiro e o Palácio das Artes, em Belo Horizonte.

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Franz Weissmann (1911-2005) Escultor, dibujante, pintor y maestro, llegó a Brasil en 1921. En Río de Janeiro, entre 1939 y 1941, asistió a cursos de arquitectura, escultura, pintura y dibujo en la Escuela Nacional de Bellas Artes ( En BA). De 1942 a 1944 estudió dibujo, escultura, modelado y fundición con August Zamoyski (1893-1970). En 1945 se trasladó a Belo Horizonte, donde impartió clases particulares de dibujo y escultura. Tres años más tarde, Guignard (1896-1962) lo invitó a enseñar escultura en la Escola do Parque, que más tarde recibió el nombre de Escola Guignard. Inicialmente he desarrollado un trabajo basado en el figurativismo. A partir de la década de 1950, poco a poco elaboró ​​una obra de carácter constructivista, valorando las formas geométricas sometiéndolas a cortes y pliegues, utilizando planchas de hierro, alambres de acero, aluminio en dintel o chapa. Ingresó al Grupo Frente, en 1955. Al año siguiente, regresó a Río de Janeiro y participó en la Exposición Nacional de Arte Concreto, en 1957. Fue uno de los fundadores del Grupo Neoconcreto, en 1959. En ese año, viajó a Europa y Extremo Oriente, regresando a Brasil en 1965. En la década de 1960 expone la serie Amassados, realizada en Europa con láminas de zinc o aluminio trabajadas con martillo, maza e instrumentos afilados, alineándose temporalmente con el informalismo. Más tarde, volví al estilo constructivo. En la década de 1970, recibí el premio por mejor escultor de la Asociación de Críticos de Arte de São Paulo (APCA), participó en la Bienal Internacional de Escultura al Aire Libre, en Amberes, Bélgica, y la Bienal de Venecia. Creó esculturas monumentales para espacios públicos en varias ciudades brasileñas, como Praça da Sé, en São Paulo, Parque da Catacumba, en Río de Janeiro y Palácio das Artes, en Belo Horizonte.

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Franz Weissmann (1911-2005) Sculptor, draughtsman, painter and teacher, came to Brazil in 1921. In Rio de Janeiro, between 1939 and 1941, he attended courses in architecture, sculpture, painting and drawing at the National School of Fine Arts (Enba). From 1942 to 1944, he studied drawing, sculpture, modeling and casting with August Zamoyski (1893-1970). In 1945, he moved to Belo Horizonte, where he taught private lessons in drawing and sculpture. Three years later, Guignard (1896-1962) invited him to teach sculpture at Escola do Parque, which later received the name Escola Guignard. Initially, he developed work based on figurativism. From the 1950s onwards, he gradually elaborated a work of a constructivist nature, valuing geometric shapes, submitting them to cuts and folds, using iron plates, steel wires, aluminum in lintel or sheet. He joined Grupo Frente, in 1955. The following year, he returned to Rio de Janeiro and participated in the National Exhibition of Concrete Art, in 1957. He was one of the founders of Grupo Neoconcreto, in 1959. In that year, he traveled to Europe and the Far East, returning to Brazil in 1965. In the 1960s, he exhibited the Amassados ​​series, made in Europe with zinc or aluminum sheets worked with a hammer, club and sharp instruments, temporarily aligning himself with informalism. Later, he came back to the constructive style. In the 1970s, he received the award for best sculptor from the São Paulo Association of Art Critics (APCA), participated in the International Biennial of Outdoor Sculpture, in Antwerp, Belgium, and the Venice Biennale. He created monumental sculptures for public spaces in several Brazilian cities, such as Praça da Sé, in São Paulo, Parque da Catacumba, in Rio de Janeiro and Palácio das Artes, in Belo Horizonte.

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O vazio sempre foi uma grande obsessão minha, o vazio ativo e não o vazio morto. O vazio está activo em relação ao conjunto de elementos de que dispõe [ao conjunto de elementos que ele tem]. Sempre tive a obsessão de não fechar portas, de abrir as janelas para ver, através delas, o mundo. Mesmo nas minhas figuras já trabalhei com o vazio, perfurei as figuras em argila e papel.”

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El vacío fue siempre una gran obsesión mía, el vacío activo y no el vacío muerto. El vacío es activo en relación con el conjunto de elementos que tiene [ao conjunto de elementos que ele tem]. Siempre tuve la obsesión de no cerrar puertas, de abrir las ventanas para ver, a través de ellas, el mundo. Incluso en mis figuras ya trabajé con el vacío, perforé las figuras en arcilla y papel.

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The void was always a great obsession of mine, the active void and not the dead void. The void is active in relation to the set of elements that it has [ao conjunto de elementos que ele tem]. I always had the obsession of not closing doors, of opening the windows to see, through them, the world. Even in my figures I already worked with the void, I pierced the figures in clay and paper.”

Franz Weismann

Renato Rodrigues da Silva (2021) The (neo)concrete sculptures of Franz Weissmann: between heaven and earth, World Art, 11:1, 41-70, DOI: 10.1080/21500894.2020.1737213

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Escultura exterior/Escultura de afuera/Outdoors Sculpture

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Escultura e arte plastica/Escultura y arte visual /Sculpture and Art

Uma escultura em MOMA/A sculpture in MOMA

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Franz Weissmann

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Livros/Books

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Harry Abend (1937-2021)– Un homenaje/An Homage — Escultor, arquitecto y orfebre judío-venezolano/Venezuelan Jewish Sculptor and Architect and Goldsmith– “Lo inesperado”/ “The Unexpected”

Harry Abend. Arquitecto, escultor y orfebre judío-polaco-venezolano. Su obra, se expuso en Caracas, Valencia, Brasil, Londres y Nueva York. Y en ella usó bronce, madera, cemento y otros.Nacido en Yaroslau, Polonia en 1937, llegó a Venezuela a los 11 años de edad. Comenzó a trabajar como escultor a partir de 1958, cuando estudiaba en la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad Central de Venezuela. Abend inició su actividad expositiva en 1961 y, en 1963, obtuvo el Premio Nacional de Escultura con la obra “Forma”. Un año después trabajó en Caracas junto con el escultor inglés Kenneth Armitage y artistas jóvenes venezolanos. En 1967 egresó de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la UCV. A finales de esta década realizó relieves que fueron integrados a la arquitectura de varios edificios caraqueños, entre ellos la Sinagoga de la Unión Israelita (1969) y el Hotel Caracas Hilton, hoy Hotel Alba Caracas (1969). También la Sala Plenaria de Parque Central (1974) y la Sinagoga de la Asociación Beth-El (1974-1975). Pero fundamentalmente destacado su trabajo en el Teatro Teresa Carreño (1980-1982). Luego, en 1976, el artista se mudó a Londres donde continuó desarrollando sus trabajos en madera y metal. Allí expuso en galerías como la Roundhouse Gallery y la Hayward Gallery. Pero en la capital británica vivió hasta 1982, cuando volvió a Venezuela. En los últimos años Harry Abend continuó trabajando y exponiendo. En 2019, como parte de la exhibición “Harry Abend: lo inesperado”, de la Sala Mendoza, lanzó un libro retrospectivo de su obra .

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Harry Abend. Polish Venezuelan Jewish architect, sculptor and goldsmith. His work was exhibited in Caracas, Valencia, Brazil, London and New York. And in it he used bronze, wood, cement and others.Born in Yaroslau, Poland in 1937, he came to Venezuela at the age of 11. He began working as a sculptor in 1958, when he was studying at the Faculty of Architecture and Urbanism of the Central University of Venezuela. Abend began his exhibition activity in 1961 and, in 1963, he won the National Sculpture Prize with his work”Forma.” A year later he worked in Caracas together with the English sculptor Kenneth Armitage and young Venezuelan artists. In 1967 he graduated from the UCV Faculty of Architecture and Urbanism. At the end of this decade he made reliefs that were integrated into the architecture of several Caracas buildings, among them the Synagogue of the Israelite Union (1969) and the Hotel Caracas Hilton, today Hotel Alba Caracas (1969). Also the Central Park Plenary Hall (1974) and the Beth-El Association Synagogue (1974-1975). But his work at the Teresa Carreño Theater (1980-1982) was outstanding. Then, in 1976, the artist moved to London where he continued to develop his works in wood and metal. There he exhibited in galleries such as the Roundhouse Gallery and the Hayward Gallery. But he lived in the British capital until 1982. In recent years, Harry Abend continued working and exhibiting. In 2019, as part of the exhibition “Harry Abend: the unexpected” by Sala Mendoza, he launched a retrospective book of his work.

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