Mirta Narosky es.Profesora y licenciada en Artes Plásticas (orientación pintura), recibida en la Universidad Nacional de La Plata.Desde pequeña, recibe premios en poesía y pintura nacionales e internacionales. En pintura se destacan: 1967- Manchas pavimentales (3º premio, no alcanzando la edad mínima), 1968-1º premio Pintura rupestre. Córdoba, 1971-3º premio internacional de pintura y grabado. Bruselas. Bélgica. 1º premio concurso nacional de manchas. Salta.
Mirta Narosky is a Professor and holds a Licentiate in Visual Arts (specializing in painting) from the National University of La Plata. Since childhood, she has received national and international awards in both poetry and painting. Her notable achievements in painting include: 1967—Manchas pavimentales (3rd Prize; awarded despite not meeting the minimum age requirement); 1968—1st Prize for Pintura rupestre (Rock Painting) in Córdoba; and 1971—3rd International Prize for Painting and Engraving in Brussels, Belgium, as well as 1st Prize in the National Manchas (Inkblot) Competition in Salta.
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Actividades seleccionadas de Mirta Norowsky/Selected Activities of Mirta Narosky
Exposiciones individuales/Individual Expositions
1987.- “Acuarelas”, Dirección de Cultura de Lomas de Zamora. 1988.– “Acuarelas”, Escuela de Bellas Artes de Lanús. 1990.- “De la tierra y otros planetas”, Sheraton hotel, BsA. 1997.-“Espacios virtuales”, Centro Cultural Gral. San Martín Bs. As. 1999.- “Cajas virtuales – contenidos reales”, Galería Espacio Buenos Aires.Museo de Bellas Artes de Chivilcoy, pcia. Buenos Aires. “ 2000.- “Retratos y rostros” Gal. Adriana Budich. Buenos Aires, Argentina. 2001.- “Entre materia y espíritus” en Gal. Alejo Carpentier, Camaguey (Cuba).“Raíces y tango” (inaugura espacio de Arte y Tango), Hotel Continental. Bs.As. 2000.- Bs. As. 2004.-“Instantáneas de vida” Galería Braque. (Bs.As.) Realiza dos murales. 2006.- “Estados del alma” Centro Cultural Borges. 2007.- “Imágenes de la Rivera”. Conventillo Verde de La Boca (pinta en la vía Pública). 2008.- Mis mujeres” (Inaugura Gal. La Imprenta con conferencia y pintura en vivo). 2009.- “Vórtices” Centro Cultural Borges. 2010.- “Vórtices” Museo Municipal. de Bellas Artes E. Pettoruti. La Plata. 2011.- “Desde el Vórtice” Galería Nes.Bs. As. Pintura de murales, (Coordinando a alumnado) Universidad Jaureche. 2014.- Pinta en vivo en Congreso de Medicina.” Medicina… del Humanismo a la Ciencia y el Arte” (Integra una mesa redonda: habla del Arte como sanador del individual Dos + Una (Invitada especial por Buenos Aires) Casa de Córdoba en Bs. As. “Conjugación: Formas y Líneas”en Distal Arte. Recoleta. 2015.-“Percepciones del Futuro 0.5”, Abstracciones figurativas-figuraciones abstractas. Gal. Raíces Americanas. 2016.- “Vórtices y Percepciones del Futuro 0.5” (dibujos y pinturas) INNOVA, Espacio de Arte. Punta del Este. Uruguay. 2018.- “Fragmentaciones” dibujos. Galería Liliana Rodríguez. “Mirta Narosky –Maestra-Artista Contemporánea invitada especial de Brea Studio. 2019.- “SACH” Estudios abiertos de Chacarita.“Interpelando lo Ilusorio” Invitada exposición individual Gal. PalermoH. 2020- Objetos y tramas tejidas en el espacio Performance, Bs. As. 2022- “Confluencia”. Serie Fragmentaciones. Museo del ojo. Cerro de las Rosas. Córdoba. “Micro Vórtices” pinturas e instalación Areatec. Edificio Cassará. Avellaneda. “Fragmentaciones e improntas de la pandemia” Pcia de Bs A2023- Semana del Arte en CABA. “Barbaro bar. Mirta Narosky dibujos y pinturas” 2024– “Vórtices” Pje de la Luna (inaugura Centro Cutural). “Mis Mujeres” Galería Palermo H. Dibujos en el Bárbaro. 2024/25- “Espacios virtuales” (serie de los 90s) en Galería Roseum Contemporánea. 2025-“Fragmentaciones y Microvórtices” Museo Provincial Emilio Caraffa. Córdoba.
Inherente a su hacer artístico/Related to her artistic work:
1983/2000 Es profesora de tesis en la Escuela de Bellas Artes de Lanús. Diseña y realiza numerosas escenografías para teatro y tv. 1986/1987.- Viaja un año por Europa donde dicta cursos (Inglaterra e Italia) y a Marruecos, Egipto, Israel, India y Nepal, oportunidad en que se nutre del Arte Oriental. 1986/A la fecha. –Participa como jurado, dicta conferencias y forma parte de mesas redondas. Le realizan numerosas notas en diarios, revistas, radio y tv de todo el país en el exterior. IIlustra libros y sus obras se encuentran en numerosos libros de Arte.Colabora con artículos de Arte. Escribe “Duendes por la dignidad” libro para niños sobre la Historia del Bauen como Fábrica recuperada1996/1997.- Es invitada especial a los encuentros nacionales de artistas plásticos (Catamarca, Sgo. del Estero y Córdoba). 1999.- Dos documentales de su obra realizados por el cineasta Jorge Coscia. 2005.- Invitada como jurado Académico para concurso de puesto docente de Dibujo en la Universidad de la Plata. 2012.- Es convocada por la Secretaría de la Industria para asesorar de Arte Plástica de Negocios. 2013.- Jurado en el 1º Salón Nacional de pintura, Municipalidad de Florencio Varela. Entrega de un gruya intervenida por Mirta Narosky al Embajador de Japón. 2016.- Recibe la distinción “La Orden del Buzón”, como personalidad de La Cultura. 2018.-Artista invitada como artista referente en el Encuentro de Pintores y Escultores por Dirección de Juventud de Dolores. Chivilcoy. 2021- Diálogo entre artistas (zoom en vivo con Mónica Goldstein.Proyecto de AAVRA). 2023.- Exposición de sus alumnos de taller y clínica en Facultad de Derecho. UBA. 2024- Clínicas grupales para artistas. 2025- Pinta en vivo sobre el escenario en recital de Rock de grupo Fierr
Yishai Jusidman es un pintor contemporáneo y crítico de arte ocasional. Nació en la Ciudad de México, reside en Los Ángeles y pronto emigrará al moshav Tal Shachar. Su obra se ha exhibido en prestigiosas exposiciones internacionales en todo el mundo. Una serie reciente, “Azul de Prusia”, aborda los desafíos estéticos de la conmemoración del Holocausto a través del arte y se exhibe en el Museo Memorial de Auschwitz-Birkenau hasta octubre de 2026. Sus escritos se han publicado en Artforum, Art Issues, Los Angeles Times, Cleveland Review of Books y más.
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Yishai Jusidman is a contemporary painter and occasional art critic, born in Mexico City, based in Los Angeles and soon migrating to moshav Tal Shachar. His artwork has been shown worldwide in prestigious international exhibitions. A recent series, “Prussian Blue”, deals with the aesthetic challenges of Holocaust remembrance through art, and it is on view at the Auschwitz-Birkenau Memorial Museum through October 2026. His writing has been published in Artforum, Art Issues, Los Angeles Times, Cleveland Review of Books, and more.
En mi serie Azul de Prusia, abordo el Holocausto en la pintura buscando generar la impresión pictórica de un silencio tan solemne y directo como elocuente, ofreciendo así una alternativa a las restricciones fatalistas que han frenado la producción de obras que abordan este tema.
Pintura azul de Prusia: El producto Zyklon B, utilizado como agente letal entre 1940 y 1945, solía producir manchas azules en las paredes de las cámaras de gas debido a una reacción química con el ladrillo y el mortero. Dichas manchas aún son muy visibles en las estructuras de Majdanek. El compuesto de cianuro y hierro de estas manchas es químicamente idéntico al pigmento del pintor, conocido como Azul de Prusia. — Yisgai Jusidman
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In my Prussian Blue series, I address the Holocaust in painting by seeking to generate the pictorial impression of a silence as solemn and forthright as it is eloquent, thus furnishing an alternative to the fatalistic strictures that have stifled the production of works dealing with this subject.
Prussian blue paint: The Zyklon B product that was used as a killing agent from 1940 through 1945 often produced blue stains on the walls of the gas chambers by way of a chemical reaction with the brick and mortar. Such stains are still very much apparent in the structures at Majdanek. The cyanide-iron compound of these stains is chemically identical to the painter’s pigment known as Prussian Blue.
Mutatis Mutandi
He manipulado elementos basados en objetos y tecnología para llamar la atención sobre el efecto pictórico, colocando lo táctil contra lo óptico, lo literal contra lo metafórico, los fenómenos contra el discurso. – Yisgai Jusidman
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I have manipulated object-based and technology-based elements so as to call attention to the painterly effect, by placing the tactile against the optical, the literal against the metaphorical, phenomena against discourse. — Yisgai Jusidman
Tosia Malamud nació en 1923 en Vinnytsya, Ucrania, fue la menor de los dos hijos de Isaac Malamud y Liza Backal, quienes emigraron a México cuando ella tenía 4 años de edad. En el nuevo hogar, su padre estableció la primera imprenta en idish, donde se publicó el legendario libro: “Di Drai Vegn” (Los Tres Caminos) de los recordados poetas Itzjak Berliner, Yacov Glantz y Moishe Glikovsky.. En 1952 tuvo la oportunidad de tener su propio estudio formal que compartió con otro artista, así logró separar su vida familiar con la artística. El año de 1954 fue para Tosia muy importante, debido a que tuvo varias exposiciones, tanto en el Salón de Plástica Mexicana del INBA como en el Centro Deportivo Israelita. Ya se pueden advertir tendencias personales y de estilo que la distinguen de otros escultores de México. Lo que más destaca es la acción, el movimiento; es decir Tosia no toma la expresión escultórica como arte inerte, estática, sino que sus preferencias y su talento la llevan a animar un aliento vivo y sugerente al menor tema. Tosia participó en más de 40 exposiciones individuales y otras tantas colectivas, tanto en México, Estados Unidos, Europa e Israel. Su magistral obra, la mayor parte de ella elaboradas en bronce y piedra, de las cuales 38 de ellas están expuestas en instituciones y lugares públicos en la República Mexicana y 14 en el extranjero.
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Tosia Malamud was born in 1923 in Vinnytsya, Ukraine, the younger of two children of Isaac Malamud and Liza Backal, who emigrated to Mexico when she was four years old. In their new home, her father established the first Yiddish printing press, where the legendary book “Di Drai Vegn” (The Three Paths) by the renowned poets Itzjak Berliner, Yacov Glantz, and Moishe Glikovsky was published. In 1952, she had the opportunity to have her own formal studio, which she shared with another artist, thus allowing her to separate her family life from her artistic life. The year 1954 was very important for Tosia, as she had several exhibitions, both at the Salón de la Plástica Mexicana of the INBA (National Institute of Fine Arts) and at the Israeli Sports Center. Personal and stylistic tendencies that distinguish her from other Mexican sculptors were already evident. What stands out most is the sense of action and movement; that is, Tosia did not conceive of sculptural expression as an inert, static art form, but rather her preferences and talent led her to imbue even the simplest subject with a vibrant and evocative spirit. Tosia participated in more than 40 solo exhibitions and numerous group exhibitions in Mexico, the United States, Europe, and Israel. Her masterful works, most of them created in bronze and stone, include 38 pieces displayed in institutions and public spaces throughout Mexico and 14 abroad.
Olga Fisch (1901-1990) fue una artista, marchante de arte y promotora cultural extraordinaria. Nacida en Hungría, viajó por el mundo explorando las selvas de Sudamérica y viviendo en Marruecos, donde reunió su primera colección de artesanías. En 1932, se casó con su segundo esposo, Bela Fisch. La pareja emigró de Europa debido a las tensiones políticas en la Alemania nazi, particularmente peligrosas por su origen judío. En Ecuador, Fisch comenzó a enseñar en la Escuela de Bellas Artes y se involucró profundamente en el arte popular ecuatoriano. Para 1943, su colección de artefactos y obras de arte atrajo la atención internacional. Lincoln Kirstein, director del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA), visitó Ecuador para ver la colección. Este encuentro la catapultó a la fama y la llevó a tener a la ONU y al MoMA como sus primeros clientes. Durante la década de 1950, Fisch diseñó varias líneas de alfombras de gran éxito. En la década de 1960, su exclusivo negocio de alfombras, dirigido por mujeres y basado en encargos, era un éxito rotundo. También fundó un museo sin fines de lucro dedicado a la cultura ecuatoriana y una tienda de artesanías llamada “Folklore”, que aún hoy es un referente cultural en Quito. Incluso en sus últimos años, Fisch conservó un agudo sentido del estilo, combinando con maestría la inspiración arqueológica y los motivos precolombinos con influencias clásicas coloniales.
Olga Fisch (1901-1990) was an extraordinary artist, art dealer and cultural advocate. Born in Hungary, Olga Fisch traveled the world exploring the jungles of South America and living in Morocco where she assembled her first collection of cultural handicrafts. In 1932, Olga married her second husband Bela Fisch. The couple emigrated from Europe due to political tensions in Nazi Germany, particularly dangerous due to their Jewish heritage. In Ecuador, Fisch began teaching at the School of Fine Arts. Fisch became deeply involved in Ecuadorian folk art. By 1943, Fisch’s collection of cultural artifacts and art attracted international attention. Lincoln Kirstein, the director of New York’s Museum of Modern Art, visited Ecuador to view the collection. This meeting catapulted Fisch into the spotlight and resulted in the U.N. and MoMA becoming her first clients. During the 1950s, Fisch designed several successful area carpet lines. By the 1960’s, Fisch’s exclusive women-run commission-based carpet business was a resounding success. She also started a non-profit museum dedicated to Ecuadorian cultural and a handicraft shop called “Folklore” that is still a cultural landmark in Quito. Even in her older years, Fisch retained a keen sense of style that artfully combined archaeological inspiration and Pre-Colombian motifs with classical colonial influences.
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De la serie “Caverna”:/From the “Caverna” series
Diseños especiales/Special Designs
Gente del Ecuador, en la colonia y en la actualidad de la artista/Ecuadorian people in the Colonial period and time of the artist
Nascida na Argentina, filha de imigrantes judeus poloneses, em 1933, Anna Bella Geiger vive e trabalha no Rio de Janeiro. De 1950 a 1953, Geiger frequentou aulas gratuitas de desenho, pintura e gravura no Instituto Fayga Ostrower, onde seu trabalho tendeu à abstração. Viajou para Nova York para estudar história da arte e sociologia na Universidade de Nova York e no Metropolitan Museum of Art; Geiger retornou ao Rio de Janeiro em 1954. Ao longo da década de 1960, continuou a receber prêmios em exposições nacionais. Em 1964, Geiger se desencantou com a abstração informal. Seu trabalho começou a refletir as formas orgânicas do corpo. No final da década de 1960, sentiu a necessidade de responder ao clima sociopolítico de seu país. Participou de um boicote à 10ª Bienal de São Paulo (1969) e empregou colagem e assemblage para explorar a identidade brasileira e as noções de periferia. Cartografia e topografia logo se tornaram motivos importantes em sua obra. Na década de 1980, seu interesse pela pintura foi renovado, enquanto na década de 1990 ela retornou à escultura multimídia com formas cartográficas. Em 1987, em parceria com o artista, crítico e professor Fernando Cocchiarale, foi coautora de Abstração Geométrica e Informal: A Vanguarda Brasileira nos Anos 50. Geiger participou de bienais internacionais realizadas em São Paulo, Veneza (1980), Havana (1997) e Porto Alegre, Brasil (1997). Recebeu uma bolsa da Fundação Memorial John Simon Guggenheim (1982) e foi premiada diversas vezes, incluindo a Bolsa da Fundação Vitae, o Prêmio SESC Rio de Fomento à Cultura (2010) e o Prêmio Ibram de Arte Contemporânea (2011). — Courtney Smith
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Born in Argentina to Polish Jewish immigrant parents in 1933, Anna Bella Geiger lives and works in Rio de Janeiro. From 1950 to 1953 Geiger attended free classes in drawing, painting, and engraving at Instituto Fayga Ostrower, where her work tended toward abstraction. She traveled to New York to study art history and sociology at New York University and the Metropolitan Museum of Art; Geiger returned to Rio de Janeiro in 1954, Through the 1960s she continued to receive awards at national exhibitions. By 1964 Geiger became disenchanted with informal abstraction. Her work began to reflect the body’s organic forms. By the late 1960s she felt the need to respond to the sociopolitical climate of her country. She participated in a boycott of the 10th Bienal de São Paulo (1969) and employed collage and assemblage to explore Brazilian identity and notions of the periphery. Cartography and topography soon became important motifs in her work. The 1980s saw her renewed interest in painting, while in the 1990s she returned to multimedia sculpture of cartographic forms. In 1987, with the artist, critic, and professor Fernando Cocchiarale, she coauthored Geometric and Informal Abstractionism: The Brazilian Avant-garde in the Fifties. Geiger participated in international biennials held in São Paulo Venice (1980), Havana (1997), and Porto Alegre, Brazil (1997). She received a John Simon Guggenheim Memorial Foundation Fellowship (1982) and won several awards, including the Bolsa da Fundação Vitae, Prêmio SESC Rio de Fomento à Cultura (2010), and Prêmio Ibram de Arte Contemporânea (2011). — Courtney Smith
Arquitecto y pintor, José Grinberg se graduó de arquitecto en la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM). Fundador y director de Grinberg & Topelson Arquitectos en la Ciudad de México en 1978, ha desarrollado una diversidad de proyectos residenciales, educativos, de salud, culturales, de vivienda social y de desarrollo urbano. Ha construido más de cien residencias y diseñado complejos urbanos de vivienda social con más de 20,000 unidades. Fue profesor de Diseño Arquitectónico y Urbano durante 26 años en la Universidad Anáhuac. Miembro del Consejo de Mérito del Colegio de Arquitectos de México. Miembro de la Academia Mexicana de Arquitectos y de la Academia Nacional de Arquitectos de México. En la obra de José Grinberg, las soluciones arquitectónicas y urbanísticas se fundamentan en el análisis del contexto, el programa, las implicaciones sociales y las tecnologías constructivas, en estrecha relación con su tiempo y lugar.
Architect and Painter, José Grinberg received his architectural degree form the National University UNAM. Founder and principal of Grinberg & Topelson Architects in Mexico City 1978, he has developed a diversity of projects, residencial, educational, health, cultural, social housing and urban development. He has built more than one hundred residencies, and designed urban complexes of social housing holding more than 20,000 units. Professor of Architectural & Urban Design during 26 years at the Universidad Anahuac. Member of the Merit Board at the Colegio de Arquitectos de Mexico. Fellow of the Mexican Academy of Architects and the National Academy of Architects of Mexico. In the works of Jose Grinberg, the architectural and urban solutions are rooted in the analysis of the context, program, social implications and building technologies, in close relation to their time and place.
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Sara Topelson de Grinberg se graduó como arquitecta en la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM). Nombrada Mujer del Año en México en 1996, Topelson fue presidenta de la Unión Internacional de Arquitectos (UIA) de 1996 a 1999. Durante su trayectoria como socia del estudio de arquitectura Grinberg & Topelson, ha desarrollado proyectos en los ámbitos de vivienda, industria, educación, cultura y vivienda social. Además de su labor en la práctica privada, Sara ha sido profesora en la Universidad Anáhuac, donde impartió clases de historia de la arquitectura durante 25 años. De 2001 a 2003, fue directora de Arquitectura del Instituto Nacional de Bellas Artes de México, donde impulsó la conservación de la arquitectura del siglo XX mediante registros, publicaciones y exposiciones en el Museo Nacional de Arquitectura. Coordina el Centro de Documentación e Investigación sobre Vivienda (CIDOC) de México, fundado en 2000, donde ha promovido proyectos de investigación, entre ellos «La vivienda en el Estado de México», en colaboración con el Centro Conjunto de Estudios de Vivienda de la Universidad de Harvard. Fue Directora General de Desarrollo Urbano del Distrito Miguel Hidalgo en la Ciudad de México desde octubre de 2006 hasta enero de 2007. Se desempeñó como Subsecretaria de Desarrollo Urbano y Regional del Gobierno Federal en México.
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Sara Topelson de Grinberg received her architectural degree from the National University of Mexico (UNAM). Named Mexico’s Woman of the Year 1996, Topelson was President of the International Union of Architects (UIA) 1996 – 1999. During her career as a partner in the architectural firm Grinberg & Topelson, she has developed projects in the fields of housing, industry, education, culture and low-income housing. In addition to her work in private practice, Sara has been a professor at the Universidad Anahuac, teaching history of architecture for 25 years. From 2001 to 2003, she was Director of Architecture of the National Institute of Fine Arts of Mexico; promoting conservation of XX Century architecture through registers, publications and exhibitions ar the National Museum of Architecture. She coordinates the Housing Documentation and Research Center (CIDOC), México, founded in 2000 where she has promoted research projects, among them “The State of Mexico’s Housing” in collaboration with the Joint Center for Housing Studies of Harvard University. She was General Director of Urban Development for the Miguel Hidalgo District in Mexico City from October 2006 to January 2007. She has served as Undersecretary for Urban and Regional Development for the Federal Government in Mexico.
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Museo Pre-historico — Corea del Sur/The Prehistoric Museum — South Korea
Edificio Anahuac/Anahuac Building
Biblioteca Pública de Jalisco
Comisión nacional de vivienda/National Housing Commission
Nacida como Olga Kostakowsky en Leipzig, Alemania, en 1913, Olga Costa llegó a México en 1925, cuando tenía apenas doce años. Su familia, de origen judío-ruso, buscaba un lugar para rehacer sus vidas. Fue en México donde realmente alcanzó la mayoría de edad, cambiando finalmente su nombre. Tomó clases de grabado con Emilio Amero, donde conoció a su futuro compañero de vida y artístico, José Chávez Morado. Se casaron en 1935, formando una unión que no solo fue emotiva sino también profundamente creativa. Olga Costa se dedicó a construir un cuerpo de trabajo marcado por una profunda originalidad. Sus pinturas son notables por su exaltación del color, síntesis formal y una mirada amorosa hacia la vida popular mexicana. Su universo eran flores, frutas, mujeres anónimas y altares domésticos. Su pintura más celebrada es La vendedora de frutas (1951), considerada un ícono del arte moderno mexicano. El máximo reconocimiento a su carrera llegó en 1990 cuando le fue otorgado el Premio Nacional de Artes y Ciencias en la categoría de Bellas Artes, uno de los máximos honores culturales de México. Falleció en Guanajuato en 1993.
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Born as Olga Kostakowsky in Leipzig, Germany, 1913, Olga Costa arrived in Mexico in 1925, when she was just twelve years old. Her family, of Jewish-Russian origin, was seeking a place to rebuild their lives, It was in Mexico where she truly came of age, eventually changing her name to She took printmaking classes with Emilio Amero, where she met her future life and artistic partner, José Chávez Morado. They married in 1935, forming a union that was not only emotional but also deeply creative. Olga Costa dedicated herself to building a body of work marked by profound originality. Her paintings are notable for their exaltation of color, formal synthesis, and a loving gaze toward Mexican popular life. Her universe was flowers, fruits, anonymous women, and domestic altars. Her most celebrated painting is La vendedora de frutas(1951), considered an icon of modern Mexican art, The highest recognition of her career came in 1990 when she was awarded the National Prize for Arts and Sciences in the Fine Arts category, one of Mexico’s highest cultural honors. She died in Guanajuato in 1993
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FRUTAS
MUJERES Y MUCHACHAS MEXICANAS/MEXICAN WOMAN AND GIRLS
“Vlady” Vladimir Victorovich Kibalchich Rusakov fue un pintor judío-ruso-mexicano. “Vlady” Vladimir Victorovich Kibalchich Rusakov fue un pintor judio-ruso-mexicano, conocido simplemente como “Vlady” en México. Llegó a México como refugiado de Rusia con su padre, el escritor Victor Serge. Atraído por la pintura tras su experiencia en Europa, Vlady se integró rápidamente en la escena artística e intelectual mexicana, realizando su primera exposición individual en 1945, dos años después de su llegada al país. Vlady pasó la mayor parte de su carrera en México, con viajes de regreso a Europa, alcanzando la fama en la década de 1960. En la década de 1970, fue invitado a pintar murales en la Biblioteca Miguel Lerdo de Tejada, un edificio del siglo XVII en el centro histórico de la Ciudad de México. El resultado fue “Las Revoluciones y los Elementos”, dedicada a las diversas revoluciones modernas en el mundo, incluyendo la revolución sexual de mediados del siglo XX. La obra fue algo controvertida, pero dio lugar a otros murales en Nicaragua y Culiacán. Vlady recibió varios premios por su obra, incluyendo la Membresía Honoraria de la Academia Rusa de las Artes. Años antes de su fallecimiento en 2005, el artista donó 4600 obras de su propia colección, de las cuales aproximadamente 1000 se conservan en el Centro Vlady de la Universidad Autónoma de la Ciudad de México, dedicado a la investigación y difusión de judío-ruso-mexicano, conocido simplemente como “Vlady” en México. Llegó a México como refugiado de Rusia con su padre, el escritor Victor Serge. Atraído por la pintura tras su experiencia en Europa, Vlady se integró rápidamente en la escena artística e intelectual mexicana, realizando su primera exposición individual en 1945, dos años después de su llegada al país. Vlady pasó la mayor parte de su carrera en México, con viajes de regreso a Europa, alcanzando la fama en la década de 1960. En la década de 1970, fue invitado a pintar murales en la Biblioteca Miguel Lerdo de Tejada, un edificio del siglo XVII en el centro histórico de la Ciudad de México. El resultado fue “Las Revoluciones y los Elementos”, dedicada a las diversas revoluciones modernas en el mundo, incluyendo la revolución sexual de mediados del siglo XX. La obra fue algo controvertida, pero dio lugar a otros murales en Nicaragua y Culiacán. Vlady recibió varios premios por su obra, incluyendo la Membresía Honoraria de la Academia Rusa de las Artes. Años antes de su fallecimiento en 2005, el artista donó 4600 obras de su propia colección, de las cuales aproximadamente 1000 se conservan en el Centro Vlady de la Universidad Autónoma de la Ciudad de México, dedicado a la investigación y difusión de su obra.
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“Vlady” Vladimir Victorovich Kibalchich Rusakov was a Russian-Jewish Mexican painter, known simply as “Vlady” in Mexico. He came to Mexico as a refugee from Russia together with his father, writer Victor Serge. Attracted to painting from his exposure in Europe, Vlady quickly became part of Mexico’s artistic and intellectual scene, with his first individual exhibition in 1945, two years after his arrival to the country. Vlady spent most of his career in Mexico with trips back to Europe, gaining fame in the 1960s. In the 1970s, he was invited to paint murals at the Miguel Lerdo de Tejada Library, a 17th-century building in the historic center of Mexico City. The result was “Las revoluciones y los elementos” dedicated to the various modern revolutions in the world including the sexual revolution of the mid 20th century. The work was somewhat controversial but it led to other mural work in Nicaragua and Culiacán. Vlady received a number of awards for his life’s work including honorary membership with the Russian Academy of Arts. A number of years before his death in 2005, the artist donated 4,600 artworks from his own collection, about a thousand of which are found at the Centro Vlady at the Universidad Autónoma de la Ciudad de México, which is dedicated to research and promotion of the artist’s work.
Fayga Ostrower foi nascida em 1920 na cidade de Lodz, Polônia. Gravadora, pintora, desenhista, ilustradora, teórica da arte e professora, Fayga Ostrower chegou ao Rio de Janeiro em 1934. Cursou Artes Gráficas na Fundação Getúlio Vargas Entre os anos de 1954 e 1970, desenvolveu atividades docentes na disciplina de Composição e Análise Crítica no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro. No decorrer da década de 60, lecionou no Spellman College, em Atlanta, EUA; na Slade School da Universidade de Londres, Inglaterra, e, posteriormente, como professora de pós-graduação, em várias universidades brasileiras. Foi presidente da Associação Brasileira de Artes Plásticas entre 1963 e 1966. De 1978 a 1982, presidiu a comissão brasileira da International Society of Education through Art, INSEA, da Unesco. Fez parte do Conselho Estadual de Cultura do Rio de Janeiro de 1982 a 1988. Em 1972, foi agraciada com a condecoração Ordem do Rio Branco. Em 1998, foi condecorada com o Prêmio do Mérito Cultural pelo Presidente da República do Brasil. Em 1999, recebeu o Grande Prêmio de Artes Plásticas do Ministério da Cultura. Faleceu no Rio de Janeiro, em 2001.
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Fayga Ostrower nació en 1920 en Lodz, Polonia. Grabadora, pintora, diseñadora, ilustradora, teórica del arte y profesora, llegó a Río de Janeiro en 1934. Estudió Artes Gráficas en la Fundación Getúlio Vargas. Entre 1954 y 1970, impartió clases de Composición y Análisis Crítico en el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro. Durante la década de 1960, impartió clases en el Spellman College de Atlanta, EE. UU.; en la Slade School de la Universidad de Londres, Inglaterra; y posteriormente, como profesora de posgrado en varias universidades brasileñas. Fue presidenta de la Asociación Brasileña de Artes Visuales de 1963 a 1966. De 1978 a 1982, presidió el comité brasileño de la Sociedad Internacional de Educación por el Arte (INSEA) de la UNESCO. Fue miembro del Consejo de Cultura del Estado de Río de Janeiro de 1982 a 1988. En 1972, recibió la Orden de Río Branco. En 1998, recibió el Premio al Mérito Cultural del Presidente de la República de Brasil. En 1999, recibió el Gran Premio de Artes Visuales del Ministerio de Cultura. Falleció en Río de Janeiro en 2001.
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Fayga Ostrower was born in 1920 in Lodz, Poland. Engraver, painter, designer, illustrator, art theorist and teacher, she arrived in Río de Janeiro in 1934. She studied Graphic Arts at the Fundación Getúlio Vargas. Between 1954 and 1970, she taught Composition and Critical Analysis at the Museum of Modern Art in Río de Janeiro. During the 1960s, she taught classes at Spellman College in Atlanta, EE. UU.; at the Slade School at the University of London, England; and later, as a postgraduate professor at several Brazilian universities. She was president of the Brazilian Association of Visual Arts from 1963 to 1966. From 1978 to 1982, she chaired the Brazilian committee of the International Society of Education for Art (INSEA) of UNESCO. She was a member of the Consejo de Cultura del Estado de Río de Janeiro from 1982 to 1988. In 1972, Ostrower received the Order of Río Branco. In 1998, she received the Cultural Merit Award from the President of the Republic of Brazil. In 1999, she received the Grand Prize for Visual Arts from the Ministry of Culture. She died in Río de Janeiro in 2001.
Las pinturas, dibujos y escritos teóricos del artista judío nacido en Austria, Wolfgang Paalen, fueron impulsados por una poderosa fascinación por la relación entre el arte, la ciencia y la magia. Después de unirse al grupo surrealista de París junto a su esposa, Alice Rahon, en 1935, Paalen quedó impresionado por las posibilidades creativas del automatismo, o la realización de acciones sin pensamiento consciente. Este principio se expresó más notablemente en su técnica fumage, en la que se utiliza humo de vela para hacer impresiones en un soporte preparado con pintura al óleo. Las formas ondulantes e impredecibles que resultaron de esta técnica hablaron de la inclinación de Paalen por aprovechar el potencial creativo del azar, evidente en su obra L’autophage (Fulgurites) (1938). En 1939, Paalen dejó París con Rahon y la fotógrafa Eva Sulzer para viajar por el noroeste del Pacífico antes de viajar a México. Tras el estallido de la Segunda Guerra Mundial, se establecieron juntos de forma permanente en la Ciudad de México, donde rápidamente se unieron a un grupo de innovadores artistas internacionales, entre ellos Diego Rivera, Manuel Álvarez Bravo y Leonora Carrington. En 1940, Paalen organizó la Exposición Internacional del Surrealismo en la Ciudad de México con André Breton, reuniendo las obras de arte y las ideas de sus colegas surrealistas entonces dispersos por la guerra. Sin embargo, en 1942 Paalen rompió con los surrealistas, publicando su mordaz manifiesto “Adiós al surrealismo” en el primer número de su ambiciosa revista interdisciplinaria Dyn (1942-1944). Con esta separación pública de los surrealistas, formó un nuevo grupo artístico experimental en el Área de la Bahía de San Francisco con los pintores Gordon Onslow Ford y Lee Mullican y la escritora Jacqueline Johnson. Llamándose a sí mismos Dynaton, estos artistas buscaron redefinir lo posible a través de una exploración de la mente inconsciente y las culturas pasadas.
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The paintings, drawings and theoretical writings of Austrian-born Jewish artist Wolfgang Paalen were driven by a powerful fascination with the relationship between art, science, and magic. After joining the Paris Surrealist group alongside his wife, Alice Rahon, in 1935, Paalen was struck by the creative possibilities of automatism, or performing actions without conscious thought. This principle was most notably expressed in his technique fumage, in which candle smoke is used to make impressions on an oil-paint-primed support. The billowing, unpredictable forms that resulted from this technique spoke to Paalen’s penchant for harnessing the creative potential for chance, evident in his work L’autophage (Fulgurites)(1938). In 1939, Paalen left Paris with Rahon and photographer Eva Sulzer to travel through the Pacific Northwest before journeying to Mexico. Following the outbreak of World War II, they settled together permanently in Mexico City where they quickly joined a group of innovative international artists, including Diego Rivera, Manuel Álvarez Bravo, and Leonora Carrington. In 1940, Paalen organized the International Exhibition of Surrealism in Mexico City with André Breton, bringing together the artwork and ideas of his Surrealist colleagues then scattered by the war. However, by 1942 Paalen broke with the Surrealists, publishing his biting manifesto “Farewell to Surrealism” in the first issue of his ambitious, interdisciplinary journal Dyn (1942–44). With this public separation from the Surrealists, he formed a new experimental artistic group in the San Francisco Bay Area with painters Gordon Onslow Ford and Lee Mullican and writer Jacqueline Johnson. Calling themselves Dynaton, these artists sought to redefine the possible through an exploration of the unconscious mind and past cultures.
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Libros sobre Wolfgang Paalan/Books about Wolfgang Paalan
Mauricio Lasansky in his studio, Iowa City, IA ca. 1965
Biografía
Nacido en Buenos Aires, in 1914, Mauricio Lasansky es uno de los pocos artistas modernos que han limitado su obra casi exclusivamente a los medios gráficos. Gracias a sus tempranas contribuciones al desarrollo de las técnicas gráficas y a su dedicación al grabado, Lasansky es considerado un precursor en la evolución de las artes gráficas como forma de arte crítico y ha sido reconocido como uno de los “Padres del Grabado Americano del Siglo XX”.
En 1936, a los veintidós años, ya era director de la Escuela Libre de Bellas Artes de Villa María, Córdoba, Argentina. En 1943, Lasansky recibió la prestigiosa Beca Guggenheim, con la que viajó a Estados Unidos y estudió la colección de grabados del Museo Metropolitano de Arte. Esta oportunidad no solo le proporcionó un vasto conocimiento sobre grabados y grabadores, sino que también le brindó la oportunidad de conocer y trabajar con varios maestros europeos que habían huido a Estados Unidos durante la guerra. Para 1952, no solo había recibido numerosos reconocimientos, premios y galardones, y contaba con una impresionante colección de exposiciones, sino que también se había consolidado como ciudadano estadounidense.
Durante la década de 1940, el interés por el grabado como arte se revitalizó gracias a los talleres de artes gráficas de la Administración de Progreso de Obras (WPA), y muchos artistas continuaron explorando el método tras la suspensión de los proyectos de la WPA. El más importante de estos estudios fue el Atelier 17 de Nueva York, fundado por Stanley William Hayter. El suyo fue el primer taller estadounidense independiente creado para la experimentación exclusiva con el proceso de grabado calcográfico. Gracias a la labor de Hayter, el estudio captó la atención de artistas de todo el país. Muchos de estos artistas se conocen actualmente como la Escuela de Nueva York. Estos artistas adoptaron el expresionismo abstracto como medio de expresión estilística y su obra transformó radicalmente el curso del grabado calcográfico en Estados Unidos.
Muchos artistas, incluyendo a Lasansky, trabajaron extensamente en el Atelier 17 formulando nuevos métodos y creando nuevas técnicas tanto para sus temas como para sus grabados. Posteriormente, varios fueron invitados a establecer talleres de grabado en departamentos de arte universitarios de todo el país. Uno de los primeros artistas en aceptar este reto fue Mauricio Lasansky, quien fundó el importante taller de grabado en la Universidad de Iowa. Hasta el día de hoy, sirve de modelo para numerosos departamentos universitarios de grabado, dirigidos por muchos de sus antiguos alumnos.
La transmisión de técnicas e ideologías consolidadas sobre técnicas innovadoras de grabado, a través de generaciones de profesores y alumnos, marca el legado del Atelier 17. Y es Lasansky, una de las primeras generaciones de estos grabadores, quien ha influido en el desarrollo del grabado en Estados Unidos.
Conocido sobre todo por sus grabados a gran escala, en los que utiliza múltiples planchas y gamas cromáticas completas, Lasansky combina una amplia gama de técnicas gráficas, incluyendo el aguafuerte, la punta seca, el aguatinta y el grabado. A lo largo de su evolución estilística, ha creado elocuentes evocaciones figurativas, coloridas, frescas y espontáneas. Sus obras tempranas y tardías demuestran que su imaginería ha abordado constantemente elementos que han experimentado cambios y expansiones a lo largo de su creación. Por lo tanto, el tema de su arte es tan importante como el aspecto técnico de sus grabados.
Los retratos de Lasansky se presentan como ideales humanísticos en comparación con las figuras deshumanizadas que aparecen en sus otros grabados. Muchos de sus retratos comienzan en un formato individual, pero en muchas ocasiones la figura idealizada se degenera y se presenta en un espacio gráfico en lugar de pictórico. Tiene una especial consideración por el espectador, ya que retrata la imagen dentro de su espacio.
Lasansky se ha dedicado a explorar las posibilidades expresivas de las artes gráficas. Ha acumulado un conjunto de grabados considerados entre los más impactantes e impactantes del arte contemporáneo. Ha contribuido significativamente a consolidar el grabado como una forma de arte significativa y crucial del siglo XX. Y, como resultado, se ha convertido en uno de los primeros de una generación de importantes grabadores en enseñar a decenas de estudiantes, quienes a su vez enseñan a decenas de generaciones futuras en este país. Por todas estas razones, se le considera uno de los “Padres del Grabado Americano del Siglo XX”.
Lasansky ha recibido cinco Becas Guggenheim, seis Doctorados Honoris Causa en Artes y numerosos premios y distinciones especiales. Su obra está representada en más de cien colecciones públicas, incluyendo prácticamente todos los principales museos de Estados Unidos. Reconocido internacionalmente, ha expuesto en América del Norte y del Sur, Europa y Rusia. Ya jubilado de la Universidad de Iowa, sigue siendo una inspiración para los artistas por sus contribuciones, la riqueza e intensidad de sus superficies impresas y su estilo profundamente personal.
__________________________________ Biography
Born in Buenos Aires, in 1914, Mauricio Lasansky is one of the few modern artists who have limited their works almost exclusively to the graphic media. Due to his early contributions in the development of graphic techniques and his dedication to printmaking, Lasansky is considered to be a forerunner in the evolution of the graphic arts as a critical art form and has become recognized as one of the “Fathers of 20th Century American Printmaking.”
In 1936, at the age of twenty-two, he had already become the director of the Free Fine Arts School, in Villa Maria, Cordoba, Argentina. In 1943, Lasansky was offered the prestigious Guggenheim Fellowship in which he came to the United States and studied the print collection at the Metropolitan Museum of Art. This opportunity not only afforded him a wealth of knowledge about prints and printmakers but created an opportunity for him to be exposed to and work with a number of European masters who had fled to the United States during wartimes. By 1952, he had not only received a great deal of recognition, prizes and awards, and had an impressive line of exhibitions, but also had established himself as an American citizen.
During the 1940’s, the interest in printmaking as a fine art was revitalized by the Works Progress Administration graphic arts workshops and many artists continued to explore the method after the WPA projects were discontinued. The most important of these studios was the New York Atelier 17 established by Stanley William Hayter. His was the first independent American workshop developed for exclusive experimentation of the intaglio process of printmaking. Through Hayter’s efforts, the studio gained the attention of artists from around the country. Many of these artists are now referred to as the New York School. These artists adopted Abstract Expressionism as a means of stylistic expression and their work radically altered the course of intaglio printmaking in America.
Many artists, including Lasansky, worked extensively at the Atelier 17 formulating new methods and creating new techniques for their subjects as well as their prints. Several were later invited to develop print-shops in university art departments around the country. One of the first artists to accept this challenge was Mauricio Lasansky. He established the vital printmaking workshop at the University of Iowa. To this day, it serves as a model for numerous other university printmaking departments led by many of Lasansky’s former students.
It is the passing down of established techniques and ideologies about innovative printmaking techniques from generations of these teachers and students that marks the legacy of Atelier 17. And, it is Lasansky, one of the first generations of these printmakers, who has influenced the course of printmaking in the United States.
Best known for large scale prints in which he uses multiple plates and full ranges of color, Lasansky combines a spectrum of graphic techniques including etching, drypoint, aquatint and engraving. Throughout his stylistic evolution, he has created eloquent figural statements that are colorful, fresh and spontaneous. His early and late works show that his imagery has consistently dealt with elements which have undergone change and expansion as the work was created. Therefore, the subject of his art is as important as the technical aspect of his printmaking.
Lasansky’s portraits appear as humanistic ideals when compared to the dehumanized figures that appear in his other prints. Many of his portraits begin in an individual format, but many times the idealized figure degenerates and is presented in graphic rather than pictorial space. He has a special regard for the spectator, as he portrays the image within the viewer’s space.
Lasansky has devoted himself to exploring the expressive possibilities of graphic arts. He has amassed a body of prints considered to be some of the most powerful and impressive in contemporary art. He has contributed significantly in establishing printmaking as a meaningful and critical art form of the 20th century. And, as a result, he has become one of the first in a generation of important printmakers to teach scores of students, who in turn are teaching scores of future generations in this country. For all these reasons, he is considered to be one of the “Fathers of 20th Century American Printmaking.”
Lasansky has been the recipient of a total of five Guggenheim Fellowships, six honorary Doctorate of Arts degrees and numerous prizes and special honors. His work is represented in more than one hundred public collections including virtually every major museum in the United States. Internationally recognized, he has been exhibited throughout North and South America, Europe and Russia. Now retired from the University of Iowa, he continues to be an inspiration to artists for his contributions, his richly and intensely printed surfaces, and his highly personal style.
Abraham Palatnik é uma figura icônica nos movimentos de arte óptica e cinética do Brasil — um pioneiro em seu interesse de longa data por explorar as possibilidades criativas incorporadas em cruzamentos de arte e tecnologia. Tendo estudado engenharia, o artista se interessou em investigar usos mecânicos deluz e movimento. Em 1949, ele ganhou destaque com a criação de seu Dispositivo Cinecromático, reinventando efetivamente a ideia de uma pintura usando lâmpadas de diferentes voltagens movendo-se em diferentes velocidades e direções para criar imagens caleidoscópicas. A peça foi exibida na 1ª Bienal de São Paulo (1951) e recebeu uma Menção Honrosa do Júri Internacional por sua originalidade. Abraham Palatnik posteriormente iniciou seu trabalho com relevos, cunhados relevos progressivos, que ele fez de vários materiais (como madeira, papelão duplex e acrílico) usando processos manuais meticulosos para criar uma variedade de efeitos ópticos e cinéticos. Além da série W, que passou a incorporar o uso do corte a laser, Palatnik continuou a construir e a pintar cada peça à mão, tornando cada trabalho um símbolo de seu artesanato.
Nara Roesler
Para mais informações sobre a arte de Abraham Palatnik, veja a Galeria Nara Roesler:
Abraham Palatnik es una figura icónica de los movimientos de arte óptico y cinético. de Brasil, un pionero en su interés de larga data por explorar las posibilidades creativas Incorporado en las intersecciones del arte y la tecnología. Habiendo estudiado ingeniería, el artista se interesó en investigar los usos mecánicos de la luz y el movimiento. En 1949, saltó a la fama con la creación de su Dispositivo Cinecromático, reinventando efectivamente la idea de una pintura al utilizar bombillas de diferentes potencias que se movían a diferentes velocidades y direcciones para crear imágenes caleidoscópicas. La pieza fue expuesta en la 1ª Bienal de São Paulo (1951) y recibió una Mención Honorífica del Jurado Internacional por su originalidad. Abraham Palatnik comenzó más tarde su trabajo con relieves, llamados relieves progresivos, que realizó a partir de diversos materiales (como madera, cartón dúplex y acrílico) mediante meticulosos procesos manuales para crear una variedad de efectos ópticos y cinéticos. Además de la serie W, que comenzó a incorporar el uso del corte por láser, Palatnik continuó construyendo y pintando cada pieza a mano, haciendo de cada obra un símbolo de su artesanía.
Nara Roesler
Para obtener más información sobre el arte de Abraham Palatnik, visite la Galería Nara Roesler:
Abraham Palatnik is an iconic figure in the optical and kinetic art movements of Brazil—a pioneer in his long-standing interest for exploring the creative possibilities embedded in crossings of art and technology. Having studied engineering, the artist became interested in investigating mechanic uses of light and movement. In 1949, he rose to prominence with the creation of his first Kinechromatic Device effectively reinventing the idea of a painting by using different voltage bulbs moving at different speeds and directions to create kaleidoscopic images. The piece was shown at the 1st Bienal de São Paulo (1951) and received an Honorable Mention from the International Jury for its originality. Abraham Palatnik subsequently initiated his work with reliefs, coined Progressive reliefs, which he made out of various materials (such as wood, duplex cardboard and acrylic) using meticulous manual processes to create a variety of optical and kinetic effects. Apart from the series W, which has come to incorporate the use of laser-cutting, Palatnik continued to construct and paint every piece by hand, making each work a token of his craftsmanship. His main solo exhibitions include: Abraham Palatnik: Seismograph of Color, at Nara Roesler (2022), in New York, United States; Abraham Palatnik – A Reinvenção da Pintura [Abraham Palatnik – The Reinvention of Painting], was featured in several Brazilian institutions
Nara Roesler
For more information about and art of Abraham Palatnik, see Nara Roesler Gallery:
Fanny Rabel nació en 1922 en Polonia, en el seno de una familia judía que huyó a la Ciudad de México en 1937, cuando comenzó la Segunda Guerra Mundial. A los 17 años, comenzó su carrera artística, estudiando en la Escuela Nocturna para Trabajadores No. 1. Después de eso, fue contratada por David Alfaro Siqueiros para decorar los murales del Sindicato Mexicano de Electricistas y por Diego Rivera para trabajar en los murales del Palacio Nacional. Su primera exposición individual pública se realizó en 1941 en la Liga Popular Israelita en la Ciudad de México. Sus temas, composiciones y técnicas eran característicos de los conceptos del realismo social que la mayoría de los artistas de la época intentaban retratar. Realizó varios murales importantes con estos temas. En 1993, el Instituto Nacional de Bellas Artes reconoció sus 50 años de dedicación a las artes en el Palacio de Bellas Artes. Fanny Rabel, murió en 2008 a los 86 años en la Ciudad de México. Su cuerpo fue enterrado en el Panteón Israelita. Adaptado de la Galería Artspawn.
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Fanny Rabel was born in 1922 in Poland to a Jewish family that fled to Mexico City in 1937 when WWII began. At 17, she began her artistic career, studying at the Escuela Nocturna para Trabajadores No. 1. After that she was hired by David Alfaro Siqueiros to decorate the murals of the Mexican Syndicate of Electricians and by Diego Rivera to work on the murals at the Palacio Nacional. Her first public solo exhibit was held in 1941 at the Liga Popular Israelita in Mexico City. Her themes, compositions and the techniques were all characteristic of the concepts of social realism which most artists of the time tried to portray. She did several important murals with these themes. In 1993, the Instituto Nacional de Bellas Artes recognized her 50 years of dedication to the arts at the Palacio de Bellas Artes. Fanny Rabel, died on in 2008 at age 86 in Mexico City. Her body was buried at the Panteon Israelita. Adapted from Artspawn Gallery.
Yaco Nowens nació en Buenos Aires en 1938. Estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano y en los talleres de José Maltz y Méndez Terrero hasta 1965. Trabajó como dibujante en Clarín. Teórico de arte y coeditor de la revista de artes plásticas Óleo y Mármol junto con Teresa Pociello. Sus primeras muestras fueron como dibujante, junto a Quino, Garaycochea y Landrú. En 1964 o 1965 lo empiezan a invitar y René Morón, su maestro y guía, lo obligó a exponer y así comenzó. Dictó conferencias nacionales e internacionales. Miembro de Société des Auteurs dans les Arts Graphiques et Plastiques de París. En 1972 invitado por la OEA viajó a Estados Unidos. Expuso en la Argentina, Estados Unidos, Israel, Corea, Venezuela, España, Ecuador, Francia y Cuba. “Su obra de los años 1960 era netamente confesional, desde el expresionismo, Más adelante, impresionado por los informalistas del Grupo del Paso de España, Pollock y Kooning, su obra se mantiene dentro de una abstracción lírica que nos permite adivinar el gesto de la pincelada manteniendo el todo dentro de composiciones de gran equilibrio geométrico y afín a las primeras etapas del cubismo. De colores restallantes, y de líneas que se entrecruzan a veces, para aludir a una marcada y cierta figuración paisajística”, (Rafael Squirru). También bajo la dirección del artista plástico Yaco Nowens, el periódico judío y militante Nueva Presencia se seguiría editando desde 1987 hasta 1993, año en que Di Presse quebró definitivamente.
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Yaco Nowens was born in Buenos Aires in 1938. He studied at the Manuel Belgrano National School of Fine Arts and in the workshops of José Maltz and Méndez Terrero until 1965. He worked as a draftsman for Clarín. He was an art theorist and co-editor of the visual arts magazine Óleo y Mármol together with Teresa Pociello. His first exhibitions were as a draftsman, alongside Quino, Garaycochea and Landrú. In 1964 or 1965 he began to receive invitations and René Morón, his teacher and guide, forced him to exhibit and that’s how he began. He gave national and international lectures. He is a member of the Société des Auteurs dans les Arts Graphiques et Plastiques in Paris. In 1972, invited by the OAS, he traveled to the United States. He exhibited in Argentina, the United States, Israel, Korea, Venezuela, Spain, Ecuador, France and Cuba. “His work from the 1960s was clearly confessional, from an expressionist perspective. Later, impressed by the informalists of the Grupo del Paso in Spain, Pollock and Kooning, his work remained within a lyrical abstraction that allows us to guess the gesture of the brushstroke, keeping the whole within compositions of great geometric balance and akin to the early stages of cubism. With bright colours and lines that sometimes intersect, to allude to a marked and certain landscape figuration”, (Rafael Squirru). Also, under the direction of the visual artist Yaco Nowens, the Jewish and militant newspaper Nueva Presencia continued to be published from 1987 to 1993, the year in which Di Presse went bankrupt definitively.
Retrato de Yaco Nowens por el gran artista judío-argentino Gyula Kosice/A Portrait of Yako Nowens by the great Argentine Jewish artist Gyula Kosice
Carlos Poveda nació en San José, Costa Rica, en 1940. Su obra artística comenzó a exponerse a principios de la década del 60 en el continente americano. En 1965 obtuvo la Mención Honorífica para Dibujo de la VIII Bienal de Arte de Sao Paulo, Brasil, y el Premio Nacional de Pintura de Costa Rica. En el 2004 recibe el Premio Nacional de Escultura de Costa Rica, y en el 2005 el Premio Unico Francisco Narváez de la VIII Bienal de Escultura Francisco Narváez en Venezuela. Luego de haber vivido 30 años en Venezuela, actualmente reside en Paris.
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Carlos Poveda was born in San José, Costa Rica, in 1940. His artistic work began to be exhibited in the early 1960s in the American continent. In 1965 he received the Honorable Mention for Drawing at the VIII Sao Paulo Art Biennial, Brazil, and the National Painting Award of Costa Rica. In 2004 he received the National Sculpture Award of Costa Rica, and in 2005 the Francisco Narváez Unique Award of the VIII Francisco Narváez Sculpture Biennial in Venezuela. After having lived in Venezuela for 30 years, he currently resides in Paris.
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Dibujos y otras técnicas /Drawings and other Techniques
Nessim Bassan nació en la ciudad de Panamá en 1950. Bassan comenzó a exponer desde muy temprano, en 1968, donde obtuvo un gran éxito. Su arte fue admirado y valorado por reconocidos críticos de arte y curadores como Thomas Messer del Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York y Lester Cooke de la Galería Nacional de Arte de Washington DC. En 1970, José Gómez-Sicre, lo invitó a exponer en la Organización de Estados Americanos en Washington DC, lo que posteriormente propició su participación en la Bienal de Sao Paulo de 1981. Después de este sorprendente comienzo en su carrera artística, se tomó un descanso del mundo del arte, dedicó su tiempo a su familia y comenzó a pintar por sí mismo. A finales de la década de 1990, comenzó a pintar todos los días y dedicó plenamente su tiempo a su arte. . Comenzó a explorar más a fondo el arte cinético, incorporando madera y pintura. Su visión de la cinética tiene una fuerte estética abstracta geométrica moderna, que da como resultado cientos de capas de pintura y texturas entrelazadas, que evocan fantasías conceptuales. Esta técnica refleja además una perfecta armonía entre mediciones matemáticas controladas, oscilando entre la gravedad y las ilusiones ópticas que son aparentemente simples pero intrincadas. El atractivo de las infinitas composiciones de Bassan es que son delicadas y elegantes ilusiones ópticas, con un impecable equilibrio y precisión visual. Nessim Bassan tuvo una importante exposición que inició en noviembre de 2022, en el Museo de Arte Contemporáneo de Panamá, y viajó al Museo Nacional de Identidad de Honduras, el Museo de Arte de El Salvador finalizó en el Museo de Arte Moderno Carlos Mérida en Guatemala. . El artista vive y trabaja en Panamá.
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Nessim Bassan was born in Panamá City in 1950. Bassan started exhibiting very early on, in 1968, where he found great success. His art was admired and valued by renowned art critics and curators such as Thomas Messer from the Solomon R. Guggenheim Museum in New York and Lester Cooke from the National Gallery of Art in Washington DC. In 1970, José Gómez-Sicre, invited him to exhibit at the Organization of American States in Washington DC, which later lead to his participation in the 1981 Sao Paulo Biennial. After this astonishing start to his artistic career, he took a break from the art world and dedicated his time to his family, and began painting for himself.During the late 1990s, he started painting every day, and fully dedicated his time to his art. He started to further explore kinetic art, incorporating wood and paint. His take on kinetics has a strong modern geometric abstract aesthetic, resulting in hundreds of layers of paint and interwoven textures, evoking conceptualfantasies. This technique further reflects a perfect harmony between controlled mathematical measurements, oscillating between gravity and optical illusions that are seemingly simple yet intricate. The allurement in Bassan’s infinite compositions is that they are delicate and elegant optical illusions, with an impeccable balance and visual precision. Nessim Bassan had a significant exhibition that began in November of 2022, at the Contemporary Art Museum in Panamá, and traveled\ to the National Identity Museum of Honduras, The Museum of Art of El Salvador ended at the Museum of Modern Art Carlos Mérida in Guatemala. The artist lives and works in Panamá.
Gerardo Goldwasser nace en Montevideo, Uruguay, en 1961. Artista, docente y diseñador gráfico, vive y trabaja en Montevideo. La sastrería, la violencia y el arte contemporáneo se conjugan en su trabajo. Realizó bachillerato de arquitectura, entre 1984 y 1988 estudió artes plásticas en el CEA Centro de Expresión Artística, dirigido por Nelson Ramos. En 1986 realiza un curso de grabado en metal con David Finkbeiner (Profesor del Manhattan graphics of New York, Pratt Institute of New York) en el Museo Nacional de Artes Visuales, Montevideo, Uruguay. En 1987 participó en el curso de elaboración de papel con Laurence Baker (director del Barcelona Helkshop en España) en el Museo Nacional de Artes Visuales, Montevideo, Uruguay. Desde 1985 ha participado en numerosas exhibiciones nacionales e internacionales, entre las que se destacan: En 2011 “Blanco Móvil” en el Centro Cultural Dodecá, en 2010 en el Museo Departamental Juan Manuel Blanes “Repeat me”, en 2008 Galería Dabbah Torrejón, Buenos Aires; ARTbo. En el 2001 recibió la Beca Fundación Pollock Krasner. En el 2004 recibe el Primer Premio en el 51º Salón Nacional de Artes Visuales, Ministerio de Educación y Cultura, Uruguay. En el 2002 Primer Premio 50º Salón Nacional de Artes Visuales, Ministerio de Educación y Cultura, Uruguay. En el 2000 recibe el Segundo Premio de grabado, en la II Bienal de grabado del Mercosur, Feria arte BA 2000, Fondo Nacional de las Artes, Buenos Aires, Argentina. En 1999 Premio adquisición Salón Municipal de Artes Plásticas, Montevideo. En 1996 Primer Premio, Paul Cezzane, Embajada de Francia-Montevideo Beca/residencia París, Nantes. Proyecto FRAC. Fondo Regional de Arte Contemporáneo, Nantes, Francia.
Gerardo Goldwasser was born in Montevideo, Uruguay, in 1961. Artist, teacher and graphic designer, he lives and works in Montevideo. Tailoring, violence and contemporary art come together in his work. He completed a bachelor’s degree in architecture, and between 1984 and 1988 he studied fine arts at the CEA Centro de Expresión Artística, directed by Nelson Ramos. In 1986 he took a metal engraving course with David Finkbeiner (Professor at Manhattan Graphics of New York, Pratt Institute of New York) at the Museo Nacional de Artes Visuales, Montevideo, Uruguay. In 1987 he participated in a papermaking course with Laurence Baker (director of the Barcelona Helkshop in Spain) at the Museo Nacional de Artes Visuales, Montevideo, Uruguay. Since 1985 he has participated in numerous national and international exhibitions, among which the following stand out: In 2011 “Blanco Móvil” at the Dodecá Cultural Center; in 2010 at the Juan Manuel Blanes Departmental Museum “Repeat me”, in 2008 Dabbah Torrejón Gallery, Buenos Aires; ARTbo. In 2001 he received the Pollock Krasner Foundation Scholarship. In 2004 he received First Prize at the 51st National Salon of Visual Arts, Ministry of Education and Culture, Uruguay. In 2002 First Prize 50th National Salon of Visual Arts, Ministry of Education and Culture, Uruguay. In 2000 he received Second Prize for engraving, at the II Mercosur Engraving Biennial, Feria arte BA 2000, National Fund for the Arts, Buenos Aires, Argentina. In 1999 Acquisition Award Municipal Salon of Plastic Arts, Montevideo. In 1996, First Prize, Paul Cezzane, French Embassy-Montevideo. Scholarship/residency Paris, Nantes. FRAC Project. Regional Fund for Contemporary Art, Nantes, France.
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Abajo: Detalle, siluetas de moldes de uniformes superpuestas e impresas digitalmente en transparencias, intercaladas entre papeles de molde plegados.Museo Blanes, 2010.
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Below: Detail, silhouettes of uniform molds superimposed and digitally printed on transparencies, interspersed between folded mold papers. Blanes Museum, 2010.
Poesía, reflexión y arte unidos para conmemorar el 7 de octubre de 2023
Liderado por la destacada escritora, periodista y poeta judío-venezolana Raquel Markus – Finckler, este proyecto busca convertirse en un esfuerzo intelectual significativo que permitirá recordar y honrar a las víctimas de los atentados, a sus familias, a todos los afectados directa o indirectamente por este pogromo. La publicación está dedicada al Estado de Israel, a sus habitantes y, en general, a todos los miembros del pueblo judío.
Por medio de la fusión de palabra, voz e imagen, No alcanzan las palabras busca transmitir el dolor, la tristeza y la desesperación que la Nación judía (en Israel y en el mundo) ha cargado desde aquel terrible día, y al mismo tiempo, es un reconocimiento a su unión, a la esperanza, fe y templanza que ha demostrado durante este tiempo. La obra es un reflejo de las sombras y luces de todos sus participantes que promete dejar una huella profunda en todos sus lectores y escuchas.
A propósito de este próximo lanzamiento, Raquel Markus – Finckler expresó: “Tenemos planificado realizar su difusión en todas las comunidades judías hispanoparlantes de América Latina, Estados Unidos, Europa e Israel. Gracias a la colaboración de muchas personas involucradas en este proyecto, incluyendo a todos los artistas que participan, queremos llegar tan lejos como sea posible. Nuestra voz debe ser escuchada por el mundo, el pueblo y el Estado de Israel tienen derecho a la vida y tienen derecho a defender sus vidas. Este libro es un necesaria reivindicación de nuestro honor y de nuestro nombre. Aquí estamos de pie y orgullosos respondiendo a la proclama de Am Israel Jai, el pueblo de Israel vive”.
Son muchos los artistas plásticos que aceptaron colaborar con este proyecto literario y artístico ad honorem y completamente comprometidos con su propósito. En orden de publicación, ellos son: Ricardo Benaim, Edith Shlesinger, Samantha Finckler, Irene Pressner, Monique Mendelovici, Susy Iglicki, Cecilia Hecht, Orlando Campos, Susan Hirschhaut, Lisette Waich, Luis Franco Gutiérrez, Lihie Talmor, Geula Zylberman, Vanessa Baumgartner, Dahlia Dreszer, Vanessa Katz, Leah Reategui Rotker, Pájaro, Maruja Herrera Benzecri, Paola Levy, Raquel Soffer, Simón Weitzman, Lucy Keme, Silvia Cohen, Karla Kantorovich. Todos ubicados entre Venezuela, Estados Unidos e Israel y unidos bajo la consigna de Am Israel Jai (el pueblo de Israel vive).
El prólogo de esta obra está a cargo del reconocido académico Stephen A, Sadow, profesor emérito de Literatura Latinoamericana en la Northeastern University de Boston, autor de varios libros que tratan sobre la literatura y el arte judíos latinoamericano, así como creador de la reconocida página web jewishlatinamerica.com. Sadow dice:
Confrontar directamente una catástrofe requiere gran coraje. Convertir las emociones confusas del momento en literatura y arte requiere gran talento y estabilidad emocional. En su No alcanzan las palabras, la poeta judeo-venezolana Raquel Markus-Finckler –junto a los artistas plásticos que en sus obras reaccionan a los poemas escritos por ella– tiene el coraje y talento requeridos. En este libro se crea una nueva forma de denuncia de una catástrofe judía. He aquí las interacciones entre la poética y el arte. Un grupo de gente talentosa se esfuerza para protestar en contra de los ataques del 7 de octubre sobre los kibutzim Kfar Aza, Be’eri, Ofakim, Sderot, Yad Mordejái, Yated, Kisufim y Urim, el festival musical Nova de Simjat Torá y por los numerosos soldados israelíes caídos, los rehenes tomados y el dolor sentido por el país y la Diáspora. Raquel Markus-Finckler extiende la tradición judía
“En fin, No alcanzan las palabras es una profunda e incisiva respuesta a los horrorosos eventos del 7 de octubre de 2023. Se puede considerar como una reacción de la kehilá de Venezuela a un momento de gran agitación en el país. No alcanzan las palabras está armado por los poemas de Raquel Markus-Finckler y por un conjunto de obras de distintos artistas plásticos. Ellos actúan como representantes de una comunidad judía relativamente pequeña de la Diáspora, la venezolana, que muestra su solidaridad hacia los rehenes y sus familias, y hacia los que murieron y sufrieron el ataque del 7 de octubre”.
En su contexto histórico, la analista internacional Beatriz W. de Rittigstein, expresa:
“Las atrocidades perpetradas por Hamás, la Yihad Islámica Palestina, otros grupúsculos terroristas y miles de civiles gazatíes en el territorio soberano de Israel aquel nefasto 7 de octubre, sin ninguna duda, constituye para el Estado y el pueblo judíos un parteaguas, una línea divisoria de un antes y un después, un suceso que marca que ya nada será igual a lo previo. Va más allá de una guerra de religiones; se trata de una confrontación de civilizaciones entre el islam radical y la cultural judeocristiana, entre el mal y el bien, y, por la ventura de la humanidad, la cultura de la luz deberá prevalecer”.
El epílogo de la obra, a cargo del reconocido periodista, escritor y poeta Néstor Garrido, expresa:
“Conocida es la prolífica pluma de Raquel a la hora de traducir en versos sus pensamientos y sentimientos, como también su habilidad de hallar las palabras sencillas y tropos acertados; lo que sí no sabía era de su capacidad de convencer a un grupo de instituciones, artistas e intelectuales para seguirla en esta meta, habida cuenta de que se trataba de un trabajo ad honórem y por la sola satisfacción de hace No alcanzan las palabras es una creación hecha yad beyad (mano con mano), a la que le sobraron conciencias para concretar una obra colectiva que se ejecutó desde el coraje y la temeridad. Su propósito principal es poder conmemorar, por medio de la poesía, la reflexión yel arte el primer aniversario desde aquel trágico 7 de octubre.
A partir de su lanzamiento oficial, el 6, “No alcanzan las palabras” estará disponible sin costo alguno en formato de ebook, como PDF para ser compartido por medio de correos y chats institucionales, y en veinte video poemas, publicados en la plataforma de YouTube en un canal que lleva por nombre: No alcanzan las palabras.
“Words Are Not Enough” by Raquel Markus – Finckler Poetry, reflection and art united to commemorate October 7, 2023
Led by the prominent Jewish-Venezuelan writer, journalist and poet Raquel Markus – Finckler, this project seeks to become a significant intellectual effort that will allow us to remember and honor the victims of the attacks, their families, all those directly or indirectly affected by this pogrom. The publication is dedicated to the State of Israel, its inhabitants and, in general, to all members of the Jewish people.
Through the fusion of word, voice and image, “Words Are Not Enough” seeks to convey the pain, sadness and despair that the Jewish Nation (in Israel and in the world) has carried since that terrible day, and at the same time, it is a recognition of its union, the hope, faith and temperance that it has shown during this time. The work is a reflection of the shadows and lights of all its participants that promises to leave a deep mark on all its readers and listeners.
Regarding this upcoming release, Raquel Markus-Finckler said: “We plan to distribute it in all Spanish-speaking Jewish communities in Latin America, the United States, Europe and Israel. Thanks to the collaboration of many people involved in this project, including all the participating artists, we want to reach as far as possible. Our voice must be heard by the world, the people and the State of Israel have the right to life and the right to defend their lives. This book is a necessary vindication of our honor and our name. Here we stand proudly responding to the proclamation of Am Israel Jai, the people of Israel live.”
There are many visual artists who agreed to collaborate with this literary and artistic project ad honorem and are completely committed to its purpose. In order of publication, they are: Ricardo Benaim, Edith Shlesinger, Samantha Finckler, Irene Pressner, Monique Mendelovici, Susy Iglicki, Cecilia Hecht, Orlando Campos, Susan Hirschhaut, Lisette Waich, Luis Franco Gutiérrez, Lihie Talmor, Geula Zylberman, Vanessa Baumgartner, Dahlia Dreszer, Vanessa Katz, Leah Reategui Rotker, Pájaro, Maruja Herrera Benzecri, Paola Levy, Raquel Soffer, Simón Weitzman, Lucy Keme, Silvia Cohen, Karla Kantorovich. All live in Venezuela, the United States and Israel and are united under the slogan Am Israel Jai (the people of Israel live).
The prologue to this work is by the renowned academic Stephen A. Sadow, professor emeritus of Latin American Literature at Northeastern University in Boston, author of several books dealing with Latin American Jewish literature and art, as well as creator of the renowned website jewishlatinamerica.com. Sadow says:
To confront a catastrophe directly requires great courage. To convert the confusing emotions of the moment into literature and art requires great talent and emotional stability. In her No alcanzan las palabras, the Jewish-Venezuelan poet Raquel Markus-Finckler –along with the visual artists who in their works react to the poems written by her– has the courage and talent required. In this book, a new form of denunciation of a Jewish catastrophe is created. Here are the interactions between poetics and art. A group of talented people is working hard to protest against the October 7 attacks on the kibbutzim Kfar Aza, Be’eri, Ofakim, Sderot, Yad Mordechai, Yated, Kisufim and Urim, the Nova Simchat Torah music festival and for the numerous fallen Israeli soldiers, the hostages taken and the pain felt by the country and the Diaspora. Raquel Markus-Finckler extends the Jewish tradition
“In short, Words Are Not Enough is a profound and incisive response to the horrific events of October 7, 2023. It can be considered as a reaction of the kehilá of Venezuela to a moment of great turmoil in the country. Words Are Not Enough is put together by the poems of Raquel Markus-Finckler and by a set of works by different visual artists. They act as representatives of a relatively small Jewish community in the Diaspora, the Venezuelan one, which shows its solidarity towards the hostages and their families, and towards those who died and suffered in the attack on October 7.”
In its historical context, the international analyst Beatriz W. de Rittigstein, expresses:
“The atrocities perpetrated by Hamas, the Palestinian Islamic Jihad, other terrorist groups and thousands of Gazan civilians in the sovereign territory of Israel on that fateful October 7, without a doubt, constitute for the Jewish State and people a watershed, a dividing line of a before and after, an event that marks that nothing will be the same as before. It goes beyond a war of religions; it is a confrontation of civilizations between radical Islam and Judeo-Christian culture, between evil and good, and, for the good of humanity, the culture of light must prevail.”
The epilogue of the work, by the renowned journalist, writer and poet Néstor Garrido, states:
“Raquel’s prolific pen is well-known when it comes to translating her thoughts and feelings into verse, as well as her ability to find simple words and successful tropes; what I did not know was her ability to convince a group of institutions, artists and intellectuals to follow her in this goal, given that it was an ad honorem work and for the sole satisfaction of doing it.
No alcanzan las palabras is a creation made yad beyad (hand in hand), which had more than enough conscience to realize a collective work that was executed from courage and recklessness. Its main purpose is to commemorate, through poetry, reflection and art, the first anniversary of that tragic October 7th.
From its official launch, “No alcanzan las palabras” will be available free of charge in ebook format, as a PDF, that can also to be shared through institutional emails and chats, and in twenty video poems, published on the YouTube platform in a channel called: No alcanzan las palabras.
Nací en Argentina en 1952 y emigré a Israel en 1972. Graduada en Literatura Española por la Universidad Hebrea de Jerusalén. Postgrado en Ciencias de la Información de la Universidad de Haifa. M.Ed. en Educación linguística en sociedades multiculturales, del Instituto Levinsky del Profesorado. Mi proyecto de investigacion trata sobre las relaciones entre el ejercito y la sociedad civil en Israel, desde el ciberdiscursoHe iniciado un camino espiritual a traves de una reflexion sobre el proceso creativo y recientemente he iniciado estudios formales de Budismo en el marco de un curso para formacion de maestros de Meditacion budista. Ejerzo como profesora de Lengua y Literatura Española, escritura creativa y arte.Poeta en español y hebreo y traductora. Artista plástica e ilustradora.Publicada, premiada, antologada y traducida al inglés, hebreo, francés, portugués, italiano, alemán , mixteca y sueco. Autora de catorce poemarios que publico en internet, para el acceso de todos los lectores en español: Anfibia, Cuerpo mediterráneo, Monólogo en la arena, Libro de las horas lejanas, Body Art, Revisión de los amores, El abrazo de la diosa , Rios y penumbras, Homenaje a la caligrafia efimera, Zona, Movilizacion, Secuencias, Pausa y Paradero. Asimismo soy autora de dos poemarios en hebreo, inéditos: Orillas y Antes del viaje.En mi escritura reflejo las voces de un mandala interior en busca de armonía y equilibrio como única supervivencia posible en este Medio Oriente excesivo, encandilante y luctuoso.Estudié Arte en la Academia de Bellas Artes de Florencia, Italia y en talleres de notables maestros en Israel como Iosef Hirsh, Dan Kriger y Aharon April. Ahora estoy aprendiendo caligrafia japonesa con el master zen japonés Ishii Katsuo.
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I was born in Argentina in 1952 and emigrated to Israel in 1972. Graduated in Spanish Literature from the Hebrew University of Jerusalem. Postgraduate in Information Sciences from the University of Haifa. M.Ed. in Language Education in Multicultural Societies, from the Levinsky Teachers Institute. My research project is about the relations between the army and civil society in Israel, from cyberdiscourse. I have begun a spiritual path through a reflection on the creative process and I have recently begun formal studies of Buddhism within the framework of a training course. of Buddhist Meditation teachers. I work as a teacher of Spanish Language and Literature, creative writing and art. Poet in Spanish and Hebrew and translator. Visual artist and illustrator. Published, awarded, anthologized and translated into English, Hebrew, French, Portuguese, Italian, German, Mixtec and Swedish. Author of fourteen collections of poems that I publish on the internet, for access to all readers in Spanish: Anfibia, Cuerpo mediterráneo, Monólogo en la arena, Libro de las horas lejanas, Body Art, Revisión de loamores, El abrazo de la diosa , Rios y penumbras, Homenaje a la caligrafia efimera, Zona, Movilizacion, Secuencias, Pausa y Paradero. I am also the author of two unpublished collections of poems in Hebrew: Shores and Before the Journey. In my writing I reflect the voices of an inner mandala in search of harmony and balance as the only possible survival in this excessive, dazzling and mournful Middle East. I studied Art in the Academy of Fine Arts in Florence, Italy and in workshops of notable masters in Israel such as Iosef Hirsh, Dan Kriger and Aharon April. Now I am learning Japanese calligraphy with the Japanese Zen master Ishii Katsuo.
Aída Socolovsky nació en Montevideo. Estudió en la Escuela de Bellas Artes y le Taller Torres García. Se perfeccionó con Guillermo Fernández y Nelson Ramos. Realizó más de un centenar de exposiciones individuales y colectivas en su país y EE.UU. Obtuvo innumerables premios. Poseen su obra colecciones de los EE.UU., El Salvador y Río de Janeiro. Su obra integra los libros Al sur del sur de Susana Negri y 12 pintores uruguayos de Ernesto Heine.
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Aída Socolovsky was born in Montevideo. She studied in the School of Fine Arts and the Torres García Studio. She completed her studies with Guillermo Fernández and Nelson Ramos. She has had more than a hundred individual and group exhibitions in Uruguay and the United States. She won innumerable prizes. Collections in the United States, El Salvador and Rio de Janeiro own her works. She is Included in the books Al sur del sur [To the South of the South] by Susana Negri and 12 pintores uruguayos [12 Uruguayan Painters] by Ernesto Heine.
José Lévy (1978-) es un artista dominicano de ascendencia judía sefardí que ha estado exponiendo la complejidad de la sociedad dominicana a través de su arte. El arte de Lévy cuenta la historia del Caribe y su gente, a menudo ignorada por los principales medios de comunicación. Busca crear una sociedad más inclusiva dando voz a quienes están marginados. Después de graduarse de la escuela secundaria, Lévy dedicó su talento a estudiar en profundidad la cultura dominicana y a conectarla con parte de su historia judía sefardí. Según Lévy, “podría ser fácil para mí explorar las diferentes formas de arte, especialmente las que recibimos de Europa o Estados Unidos. Sin embargo, mi experiencia como judío sefardí dominicano y el sentimiento de pérdida cultural debido al borrado de La historia sefardí nos recuerda que necesitamos crear artes que reflejen nuestra cultura para la generación futura”. Su arte fusiona la historia de los antepasados judíos de Lévy y la sociedad dominicana actual. Su trabajo ha sido exhibido en lugares de todo el Caribe, América Latina y Estados Unidos.
“A través de mis pinturas busco una catarsis como todo artista serio; reflejar cosas que entiendo están mal en la sociedad, como la corrupción, la violencia, el Estado cuasi podrido de la sociedad dominicana, entre otros tipos de cosas.” – El Caribe, 2018
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José Lévy (1978- ) is a Dominican artist of Jewish Sephardic descent who has been exposing the complexity of Dominican society through his art. Lévy’s art tells the story of the Caribbean and its people, often overlooked by mainstream media. He seeks to create a more inclusive society by giving a voice to those who are marginalized. After graduating high school, Lévy dedicated his talents to studying Dominican culture in depth and connecting it to part of his Sephardi Jewish history. According to Lévy, “it could be easy for me to explore the different forms of arts, especially those we receive from Europe or the United States. However, my experience as a Dominican Sephardic Jew and the sense of cultural loss due to the erasure of the Sephardi history reminds us that we need to create arts that reflect our culture for the future generation.” His art merges the history of Lévy’s Jewish ancestors and the present Dominican society. His work has been exhibited in venues throughout the Caribbean, Latin America, and the United States.
“Through my paintings I look for catharsis like every serious artist; reflect things that I understand are bad in society, such as corruption, violence, the quasi-rotten state of Dominican society, among other types of things.” – El Caribe, 2018
La historia de los judíos en Venezuela es de larga data: comenzó muy probablemente a mediados del siglo xvi, cuando habrían llegado varios grupos de judeoconversos en la expedición del conquistador Pedro Malaver de Silva. Algunos creen que la primera sinagoga fue fundada en 1710 y, desde el siglo XIX, el país posee el cementerio judío más antiguo de América. El músico Reynaldo Hahn, la periodista y promotora del arte Sofía Ímber, el escritor Moisés Naím, la cineasta Margot Benacerraf, el dramaturgo Isaac Chocrón, la escritora Elisa Lerner o el médico Baruj Benacerraf, entre tantos otros, han contribuido a la fundamental presencia de la cultura judía en la sociedad venezolana, de la cual forma parte VascoSzinetar (Caracas, 1948), ampliamente conocido por sus ya célebres series fotográficas, CheektoCheek y Frente al espejo, en las que, desde los años ochenta del siglo pasado, se ha fotografiado a sí mismo con personajes de la talla de Jorge Luis Borges, Gabriel García Márquez and Mario Vargas Llosa ejecutando, sotto voce, uno de los pilares de su obra: reconstruir su vida y el mundo con imágenes significativas.
Adaptado de: Centro Sefarad Israel 2023
Esta tradición sigue hasta el presente por la obra de los escritores y artistas venezolanos judíos citados abajo. También, las sinagogas forman parte de la cultura del país. Para ver la obra de ellos, haz clic a sus entradas.
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The history of the Jews in Venezuela is long-standing: it most likely began in the mid-16th century, when several groups of Jewish converts arrived on the expedition of the conquistador Pedro Malaver de Silva. Some believe that the first synagogue was founded in 1710 and, since the 19th century, the country has had the oldest Jewish cemetery in America.The musician Reynaldo Hahn, the journalist and art promoter Sofía Ímber, the writer Moisés Naím, the filmmaker Margot Benacerraf, the playwright Isaac Chocrón, the writer Elisa Lerner or the doctor Baruj Benacerraf, among many others, have contributed to the fundamental presence of Jewish culture in Venezuelan society, of which Vasco Szinetar (Caracas, 1948) is a part, widely known for his now famous photographic series, CheektoCheek and In Frente al espejo, in which, since the eighties of the last century, he has photographed himself with people of the stature of Jorge Luis Borges, Gabriel García Márquez and Mario Vargas Llosa, executing, sottovoce, one of the pillars of his work: reconstructing his life and the world with meaningful images.
Adapted from: Sefarad Israel Center 2023
This tradition continues to the present through the work of the Venezuelan Jewish writers and artists cited below. Also, synagogues are part of the country’s culture. Please click to their blog posts.
Susana Beibe, artista argentina, realizó su formación en pintura y escultura. Trabaja escultura en cemento, piedra, cerámica, metal y elementos no convencionales. Además realiza relieves con técnicas mixtas utilizando todos los derivados del papel.Estudió en la Escuela Nacional de Cerámica y su formación en escultura y dibujo la realizo con los maestros: Leo Tavella, Aurelio Macchi y Leo Vinci. Algunos de sus esculturas monumentales están emplazadas en el Centro Cultural San Martín, Plaza Seca, Buenos Aires, Parque Lenín, La Habana, Cuba. Museo Metropolitano, Buenos Aires. Invitada a dar seminarios sobre creatividad en España y Canada. Realizó el proyecto “Jugando en la Vereda” para la lX Bienal de La Habana, muestra colateral. Ganadora del proyecto del Monumento a la Humanidad por la Argentina a realizar por la Humanitad Foundation, United Kingdom. Susana Beibe integró numerosas exposiciones colectivas en salones nacionales y municipales y realizó muestras individuales en espacios públicos y privados, a nivel nacional e internacional. Sus obras se encuentran en colecciones institucionales y privadas de Argentina y el exterior.
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Serie Cabezas
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Susana Beibe, Argentine artist, completed her training in painting and sculpture. He works sculpture in cement, stone, ceramics, metal and unconventional elements. He also makes reliefs with mixed techniques using all derivatives of paper. He studied at the National School of Ceramics and his training in sculpture and drawing was done with the masters: Leo Tavella, Aurelio Macchi and Leo Vinci. Some of his monumental sculptures are located in the San Martín Cultural Center, Plaza Seca, Buenos Aires, Parque Lenín, Havana, Cuba. Metropolitan Museum, Buenos Aires. Invited to give seminars on creativity in Spain and Canada. He carried out the project “Jugando en la Vereda” for the 10th Havana Biennial, collateral exhibition. Winner of the Monument to Humanity for Argentina project to be carried out by the Humanitad Foundation, United Kingdom. Susana Beibe participated in numerous group exhibitions in national and municipal exhibitions and held individual exhibitions in public and private spaces, nationally and internationally. His works are found in institutional and private collections in Argentina and abroad.
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Durante sus vasta trayectoria como artista plástica y pintora, el arte de Susana habla por su colorido y su aproximación al mercado, siendo a la vez conmovedor y aplicable a todo tipo de espacios.
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Throughout her vast career as a visual artist and painter, Susana’s art speaks for its color and its approach to the market, being both moving and applicable to all types of spaces.
Jacques Sterenberg nació en 1959 en Lima, Perú. Como hijo de madre chilena, su nacimiento fue inscrito en el Consulado de Chile en Lima y a los tres años llegó a vivir a nuestro país. Es Licenciado en Artes Plásticas por la Universidad de Chile. Durante su formación fue invitado a participar en la muestra “Arte & Textos, Provincia Señalada”(1983) realizada Santiago, Chile. En 1994 se trasladó a Israel tras obtener una beca para artistas otorgada por el Jerusalem Post. En ese mismo país, en el cual se radicó, tomó cursos de impresión y pintura industrial, así como también de diseño gráfico computacional. Además, vivió y trabajó en Estados Unidos entre 1998 y 1999, posteriormente volvió a Tel Aviv. Su estadía en el extranjero permitió la internacionalización de su carrera, durante la cual ha exhibido sus obras en Israel, Estados Unidos, Alemania, Francia, Hungría, España y Holanda, destacándose sus exposiciones individuales “To the Moon and Back” (2015-2014) en Menashe Art Gallery, Israel, y “Los dos juntos y cada uno por separado” (2017) en Granot Factories, Israel; además fue parte de “Art Beyond Boundaries” (2016-2017) que transitó por diversas ciudades de Estados Unidos. No obstante, Sterenberg ha mantenido siempre contacto con Chile, esto se refleja en su participación en muestras colectivas de la Galería Artium, los años 2012 y 2015, y en la exposición “Eduardo Torres & Jacques Sterenberg”(2011) en Galería Trece, todas en Santiago. Entre los reconocimientos obtenidos en el desarrollo de su carrera, destaca el primer lugar en el concurso “Postal Card Inter Ministerial Committee For Outstanding Artists “(1996), en Tel Aviv, Israel.
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Jacques Sterenberg was born in 1959 in Lima, Peru. As the son of a Chilean mother, his birth was registered at the Chilean Consulate in Lima and at the age of three he came to live in our country. He has a degree in Plastic Arts from the University of Chile. During his training he was invited to participate in the exhibition Arte & Textos, Provincia Indicada (1983) held in Santiago, Chile. In 1994 he moved to Israel after obtaining an artist scholarship from the Jerusalem Post. In that same country, where he settled, he took courses in industrial printing and painting, as well as computer graphic design. In addition, he lived and worked in the United States between 1998 and 1999, later returning to Tel Aviv. His stay abroad allowed the internationalization of his career, during which he has exhibited his works in Israel, the United States, Germany, France, Hungary, Spain and Holland, highlighting his individual exhibitions “To the Moon and Back”(2015-2014) in Menashe Art Gallery, Israel, and “Both Together and Each Separately” (2017) at Granot Factories, Israel; He was also part of “Art Beyond Boundaries” (2016-2017) that traveled through various cities in the United States. However, Sterenberg has always maintained contact with Chile, this is reflected in his participation in group exhibitions at the Artium Gallery, in 2012 and 2015, and in the exhibition “Eduardo Torres & Jacques Sterenberg” (2011) at Galería Trece, all in Santiago. Among the many recognitions achieved in his career, the first place in the “Postal Card Inter Ministerial Committee For Outstanding Artists” competition (1996) in Tel Aviv, Israel stands out.
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Sterenberg desarrolla sus pinturas utilizando una paleta cromática intensa, en la que predominan los colores primarios, los cuales contrasta entre sí y complementa con el uso de escalas de grises para desarrollar matices “antinaturales” en sus paisajes y retratos. Estos últimos se caracterizan por el minimalismo de los rasgos y expresiones hieráticas de los personajes que protagonizan las obras.
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Sterenberg develops his paintings using an intense color palette, in which primary colors predominate, which he contrasts with each other and complements with the use of gray scales to develop “unnatural” nuances in his landscapes and portraits. The latter are characterized by the minimalism of the hieratic features and expressions of the characters who star in the works.
Adaptado de “Museo de Bellas Artes de Chile“/Adapted from “Museum of Fine Arts of Chile”
Thea Segall (Rumania, 1929 – Caracas, 2009) fue fotógrafa y editora de libros. Se inicia en la práctica fotográfica a la edad de 19 años como reportera gráfica de la Agencia Internacional de Noticias AgerPres, en Bucarest (1949-1957). Llega a Venezuela en 1958, con una solida formación fotográfica que le permite abordar varios géneros fotográficos desde el Studio Thea: fotos carné, primeras comuniones, retratos, eventos familiares, ceremonias de la comunidad judía, fotografía científica en el Instituto Venezolano de Investigaciones Científicas (1964–1970), registros de temas corporativos, actividades mineras, petroquímicas e hidroeléctricas para las industrias básicas del Estado, al sur del territorio venezolano (1980-2007) y representaciones de contenido etnográfico que forma parte y definen su discurso autoral. Particularmente, Segall se detiene en procesos artesanales de elaboración de alimentos (arepa y casabe), medios de transporte (curiara y carpintería de ribera), instrumentos musicales (tambor), proceso de hilado, cestería, alfarería, en áreas rurales de los Andes y en Barlovento (afro-venezuela). Representa también la arquitectura y los trabajos manuales que realizan las mujeres en comunidades indígenas (yekuana, yanomami, piaroa y wayúu). Vertebra sus registros fotográficos en secuencia que poseen un inicio, se desarrollan y finalizan, apuntando a una representación temporal con cualidades de narración visual. Organiza cuerpos de trabajo afines al género fotolibro que denominó “fotosecuencias” en la trilogía: El casabe, La curiara y El tambor (1988). Como editora Segall publicó, además, veinte libros con diferentes tópicos. Sus fotografías ilustran textos antropológicos, entre ellos Religions et magies indiennes d’Amérique du Sud de Alfred Metreaux (Bibliotèque des Sciences Humaines, París, 1967) y Los warao de María Matilde Suérez (IVIC, 1968), entre otros. Bajo su propio sello editorial, “Imagen y Huella”, imprime compendios sobre la vida y obra de científicos y humanistas venezolanos (1981-1988). Su sólida trayectoria no sólo se refleja en temas etnográficos, sino también en una amplia documentación corporativa y en el registro de fotografías para pasaportes, retratos o conmemoraciones. Su vastísima obra está recopilada en el libro Luz de Venezuela (1978).
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Thea Segall (Romania, 1929 – Caracas, 2009) was a photographer and book editor. She began her photography practice at the age of 19 as a photojournalist for the International News Agency AgerPres, in Bucharest (1949-1957). She arrived in Venezuela in 1958, with a solid photographic training that allowed him to approach various photographic genres from the Thea Studio: passport photos, first communions, portraits, family events, ceremonies of the Jewish community, scientific photography at the Venezuelan Institute of Scientific Research ( 1964–1970), records of corporate issues, mining, petrochemical and hydroelectric activities for the basic industries of the State, in the south of Venezuelan territory (1980-2007) and representations of ethnographic content that are part of and define his authorial discourse. Particularly, Segall focuses on artisanal processes of food preparation (arepa and casabe), means of transportation (curiara and riverside carpentry), musical instruments (drum), spinning process, basket weaving, pottery, in rural areas of the Andes and in Barlovento (Afro-venezuela). It also represents the architecture and manual work carried out by women in indigenous communities (Yekuana, Yanomami, Piaroa and Wayúu). She structures his photographic records in sequence that have a beginning, develop and end, pointing to a temporal representation with qualities of visual narration. He organizes bodies of work related to the photo book genre that he called “photosequences” in the trilogy: El casabe, La curiara and El tumba (1988). As editor, Segall also published twenty books with different topics. His photographs illustrate anthropological texts, including Religions et magies indiennes d’Amérique du Sud by Alfred Metreaux (Bibliotèque des Sciences Humaines, Paris, 1967) and Los warao by María Matilde Suérez (IVIC, 1968), among others. Under his own publishing imprint, “Imagen y Huella”, he prints compendiums on the life and work of Venezuelan scientists and humanists (1981-1988). His solid career is not only reflected in ethnographic themes, but also in extensive corporate documentation and in the registration of photographs for passports, portraits or commemorations. His vast work is compiled in the book Luz de Venezuela (1978).
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Exposición de fotos de las sinagogas de Venezuela/Exhibition of Photos of the Synagogues of Venezuela
Eduardo Cohen nació en la Ciudad de México, en 1939. Se formó en la Academia de San Carlos, en el México City College (hoy Universidad de las Américas) y los talleres de dibujo y pintura de los maestros Arnold Belkin, Silva Santamaría, Antonio Rodríguez Luna y Muñoz Medina… Su obra estuvo cargada de pasión, sensualidad, humor, mirada crítica y una reiterada perspectiva irónica que intentaba despojar a los objetos y a los seres de esa pomposa solemnidad tras la que a menudo se esconden otras “realidades” distintas que Cohen se empeñó en descubrir al tiempo que construir. De ahí su inclinación hacia el dibujo expresionista como vía que opta por mostrar la realidad, no tal cual aparece a nuestros sentidos sino como la percibe una mirada intensamente subjetiva que cambia, trastoca y altera nuestras acostumbradas convenciones para expresar una emoción profundamente personal. La búsqueda constante de Cohen dio pie a una insólita versatilidad. Sus referencias eran explícitas: consciente de su admiración a Francis Bacon, Grosz, Góngora, Schielle y Orozco, por citar algunos ejemplos, exploraba esos caminos compartidos con el resultado de que tales referencias eran rebasadas finalmente al imponerse en su obra su sello absolutamente personal.Hacia fines de los años ochenta el dibujo minucioso deja paso a un ímpetu informalista de trazos violentos y simplificados a partir de los cuales su virtuosismo se manifiesta en una nueva y más libre vertiente… El pastel va a ser usado por Cohen cada vez con más frecuencia y ello da pie a que el color ingrese en su mundo plástico como un elemento a la vez enriquecedor y desafiante… En esos mismos años es cuando Cohen recibe la misión de pintar un mural para una sinagoga y realizar poco después dos series de vitrales para bibliotecas de escuelas judías. Estos encargos, además de estimularlo a una ardua labor de investigación en referencia a los temas elegidos –el ritual festivo judío, los profetas bíblicos y la creación del mundo según una libérrima interpretación del texto bíblico– lo vuelcan hacia el descubrimiento de la sensualidad del trabajo en dimensiones espaciales mayores. A su muerte, acaecida el 15 de junio de 1995, guardaba en su estudio cerca de tres mil obras.
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Eduardo Cohen was born in Mexico City, in 1939. He trained at the Academia de San Carlos, at the México City College (today the University of the Americas) and the drawing and painting workshops of the masters Arnold Belkin, Silva Santamaría, Antonio Rodríguez Luna and Muñoz Medina… His work was full of passion, sensuality, humor, a critical gaze and a repeated ironic perspective that attempted to strip objects and beings of that pompous solemnity behind which other different “realities” are often hidden that Cohen insisted on discovering. time to build. Hence his inclination towards expressionist drawing as a way that chooses to show reality, not as it appears to our senses but as it is perceived by an intensely subjective gaze that changes, disrupts and alters our usual conventions to express a deeply personal emotion. Cohen’s constant search gave rise to unusual versatility. His references were explicit: aware of his admiration for Francis Bacon, Grosz, Góngora, Schielle and Orozco, to name a few examples, he explored those shared paths with the result that such references were finally surpassed as his absolutely personal stamp was imposed on his work. Towards the end of the eighties, the meticulous drawing gave way to an informalist impetus of violent and simplified strokes from which his virtuosity manifested itself in a new and freer aspect… Pastel was going to be used by Cohen each time with more frequently and this gives rise to color entering his plastic world as an element that is both enriching and challenging… In those same years is when Cohen receives the mission of painting a mural for a synagogue and shortly after creating two series of stained glass for Jewish school libraries. These assignments, in addition to stimulating him to carry out arduous research work in reference to the chosen topics – the Jewish festive ritual, the biblical prophets and the creation of the world according to a very free interpretation of the biblical text – turned him towards the discovery of the sensuality of work. in larger spatial dimensions. At his death, on June 15, 1995, he kept nearly three thousand works in his studio.
Mónica Goldstein nació en 1953, Trabaja en Buenos Aires. Desde 1976 participa en muestras individuales y colectivas en Argentina y en el extranjero.
“De adolescente me conmovían las pinturas prehistóricas. Pensé que lo que llamamos arte debe ser esencial al ser humano, y decidí dedicarme a él. Me formé en el taller de Eva García. Por aquella época Max Ernst y Paul Klee eran los artistas que más admiraba. Investigué técnicas y materiales. Fuí encontrando aquellos con los que estaba en consonancia. Paralelamente estudié el pensamiento de India en la Universidad del Salvador. A mediados de los 80 comencé a practicar meditación budista y yoga; más adelante me formé como instructora. Me acerqué a los teóricos, artistas y filósofos del arte contemporáneo. Todo esto modificó tanto mi forma de producción como la obra. El uso de técnicas automáticas y la influencia del surrealismo fueron cediendo su lugar, surgió otra actitud. En mi taller entro en íntima relación conmigo misma, en un espacio silencioso, de tiempos pausados. Me interesan la posibilidad de evolución del ser humano, el Tiempo, la Libertad. Mi obra recorre distintas disciplinas: pintura, dibujo, monocopia, relieves, objetos, alguna instalación. Hacia finales de los 80 comencé a producir libros de artista. La mayoría de ellos son ejemplares únicos, si bien he hecho también pequeñas ediciones. Trabajé en diversos formatos: libro-objeto, rollos, libros intervenidos, entre otros”.
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Mónica Goldstein was born 1953 and works in Buenos Aires. Since 1976, she has taken part in numerous solo and group exhibitions, both in Argentina and in the rest of the world.
“As a teenager I was touched by prehistoric paintings. I thought that which we call art had to be essential to humans, and so I decided to dedicate myself to it. I studied with the artist and art teacher Eva García. By that time, Max Ernst and Paul Klee were the artists I admired the most. I researched techniques and materials. I found those I was in tune with. At the same time, I studied Indian thought at Universidad del Salvador. In the mid-eighties, I started practicing Buddhist meditation and yoga, and later I trained as an instructor.I became closer to the theorists, artists and philosophers of contemporary art. All this changed both my way of production and the work itself. The use of automatic techniques and the influence of surrealism gradually lost ground and a different attitude emerged. In my atelier, I establish an intimate relationship with myself, in a quiet space with slower times. I am interested in the potential for evolution of the human being, Time, Freedom. My production runs across different disciplines: painting, drawing, monoprint, reliefs, objects, some installations. Towards the end of the 1980s, I also began to produce artists’ books. Most of my books are unique, but I have also published small editions. I have worked in a variety of formats —book art objects, scrolls, intervention in books, among others.”
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El arte de Mónica Goldstein/Mónica Goldstein’s Art
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Obras de varias técnicas: /Works in various techniques:
Pintura, óleo, fotografía, lápiz graso, monocopia sobre fiselina. Lápiz graso sobre acrílico, dibujo, tinta china/ Painting, oil, photography, grease pencil, monocopy on fiseline. Oily pencil on acrylic, drawing, Chinese ink
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Sonidos de Taa-Ga. 2003. Pintura, óleo y fotografía sobre MDF.1.50 m x 0.90 m.
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El Salar del Silencio, díptico. 2011. Oleo y lápiz graso sobre MDF. 200 cm x 100 cm.
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En medio del camino. Díptico. 2016. Pintura. Acrílico sobre MDF. 164 cm x 42 cm
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En el Salar. 2015. Dibujo. Lápiz graso sobre plancha de acrílico. 45 cm x 160,5 cm x 7 cm.
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Tiempo de quietud. 2013. Monocopia sobre fiselina. Lápiz graso sobre acrílico. 44 cm x 200 cm.
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Como un Eco, díptico. 2018. Dibujo, acrílico y Dibujo.sobre MDF. 200 cm x 100 cm
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Cordillera. 2018. Monocopia. 95 cm x 31 cm.
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Imperturbables II, díptico. 2019. Pintura, acrílico sobre MDF. 85 cm x 82 cm
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Imperturbables III. Monocopia. Oleo y lápiz litográfico sobre papel. 118 x 48 cm.
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El Vigía. 2019. Dibujo. Tinta china, lápices y acrílico sobre MDF.
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Una vez un Lugar. 2022. Pintura, óleo sobre MDF.184 x 70 cm
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Marin County. 2022. Monocopia, óleo sobre papel 190 grs. 112 x 40 cm.
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Libros de artista
“La dificultad de definir qué es un libro de artista me interesa. Cada vez que encuentro una definición al mismo tiempo surge una obra que la desborda. Hay una frase de un gran maestro de Budismo Tibetano, Lama Anagarika Govinda, que dice “La libertad no es indocilidad ni desenfreno, sino la expresión de la ley interior de uno’. Creo que cada libro de artista logrado tiene un orden, una ley interior que lo sostiene.”
Mónica Goldstein, 2014.
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Artist’s Books
“The difficulty of defining what an artist’s book is interests me. Every time I find a definition, at the same time a work emerges that surpasses it. There is a phrase from a great teacher of Tibetan Buddhism, Lama Anagarika Govinda, who says ‘Freedom is not indocility or debauchery, but the expression of one’s inner law.’ I believe that every accomplished artist’s book has an order, an inner law that sustains it.
Mónica Goldstein, 2014.
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Shambala. 2008. Unico ejemplar. Libro modificado, técnica mixta, piedras, impresiones digitales, pintura. 27 cm x 33 cm x 9 cm/ Unique artist’s book. Modified book, mixed technique, stones, digital prints, painting. 27cm x 33cm x 9cm.
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REINOS MITICOS. 2009. Único ejemplar. 7 páginas rígidas sobre una base de madera en la que se encastran en un eje central. Cada hoja está pintada de ambos lados y tiene un dibujo lineal que se continúa al desplegar las 7 páginas en orden para conformar un paisaje total en una cara y con 7 imágenes diferentes en la otra. 58 cm x 14 cm x 10 cm/
2009. Unique artist’s book. 7 rigid pages on a wooden base which they fit into a central axis. Each sheet is painted on both sides and has a linear drawing that continues when unfolding the 7 pages in order to form a total landscape on one side and with 7 different images on the other. 58cm x 14cm x 10cm/
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Mi Principio mi Fin. Único ejemplar. Tinta en papel japonés Macau, Golden Panda, encuadernado en tela. 17,5 cm x 51,5 cm x 1 cm./ Unique artist’s book. Ink on Macau Japanese paper, Golden Panda, cloth bound. 17.5cm x 51.5cm x 1cm.
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SERIE SENDEROS, obras números 3, 5 y 6
Técnicas: Dibujo e Ink jet print en papel ilustración mate 140 grs. Pastel tiza, lápices diversos, grafito, óleo pastel/ Drawing and ink jet print on 140 gr matte illustration paper. pastel chalk, various pencils, grafiti, pastel oil.
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obra n°3. 2021. Dibujo e Ink jet print en papel ilustración mate 140 grs. Pastel tiza, lápices diversos, grafito, óleo pastel. 49,5 x 130 cm
obra n° 5. 2022. Dibujo e Ink jet print en papel ilustración mate 140 grs. Pastel tiza, lápices grasos. 49,5 x 130 cm
Shlomit Baytelman nació en Afula, Israel. Cuando tenía dos años, su familia se trasladó a Santiago, Chile. En pleno período de crisis política en el país y en momentos en que la producción local estaba en paupérrimas condiciones tras el golpe de estado, se convierte inesperadamente en el primer símbolo sexy del cine chileno. Su personaje de la prostituta adolescente de Julio comienza en julio (1984), que inicia sexualmente al joven protagonista, la instala en la imaginería erótica de los chilenos y hasta hoy se recuerdan sus escenas de desnudos, prácticamente inéditas en la his Antes de ese trabajo, su única experiencia cinematográfica era una breve participación en Estado de sitio, de Costa-Gavras (1973), rodada en Chile. En 1971 egresa de la Escuela de Teatro de la Universidad de Chile y hace sus primeras actuaciones en La remolienda y Tres tristes tigres, de Alejandro Sieveking, y El misántropo, de Moliere. Su carrera en la televisión local se ha mantenido por más de treinta años, participando como protagonista o como actriz invitada en diversos series de humor y teleseries; entre estas últimas, sus principales roles son los de Sol Tardío, El secreto de Isabel, Casagrande, La Gran Mentira y El Juego de la Vida. Uno de los trabajos destacados, fuera de las teleseries, es haber integrado el elenco de “La manivela”, prestigiado programa de humor. Como reconocimiento a su labor, en 1981 es elegida mejor actriz del año y en los años 1982 y 1983, es considerada la actriz más popular. A comienzo de los noventa participa activamente en la creación del Movimiento Universal Anti Censura (MUAC), a través del cual los trabajadores del cine chileno dan una batalla para eliminar uno de los residuos dictatoriales en la cultura: la censura previa en el cine, que permitía prohibir la exhibición de filmes nacionales y extranjeros en las salas locales. En 1992 y 1994 publica dos libros de poemas: Escritos para un amor inconcluso y Textos de anticipo.
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hlomit Baytelman was born in Afula, Israel. When he was 2 years old, her family moved to Santiago, Chile. In the midst of a political crisis in the country and at a time when local production was in very poor conditions after the coup d’état, she unexpectedly became the first sex symbol of Chilean cinema. Her character as the teenage prostitute Julio begins in July (1984), which sexually initiates the young protagonist, installs her in the erotic imagery of Chileans and to this day her nude scenes are remembered, practically unpublished in the country’s cinematographic history. In 1971 she graduated from the Theater School of the University of Chile and did performances in La remolienda and Tres tristes tigres, by Alejandro Sieveking, and El misántropo, by Moliere. Her career in local television has continued for more than thirty years, participating as a protagonist or as a guest actress in various comedy series and television series; Among the latter, her main roles are those of Tardío Sol, El secreto Isabel’. Casagrande, La gran mentira and El juego de la vida. One of the notable performances, other than soap operas, was joinin the cast of “La manivela”, a prestigious comedy program on Chilean television. In recognition of her work, in 1981 she was chosen best actress of the year and in 1982 and 1983, she was considered the most popular actress. At the beginning of the nineties, she actively participated in the creation of the Universal Anti-Censorship Movement (MUAC), through which Chilean film workers waged a battle to eliminate the dictatorial residues in culture: prior censorship in cinema, which would allow prohibiting the exhibition of national and foreign films in local theaters. In 1992 and 1994 she published two books of poems: Escritos para un amor inconcluso y Textos de anticipo.
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Me llamo Shlomit
Me llamo Shlomit. Nací en Afula, en la Galilea.
Me contaban que, en el mismo tiempo, en el mismo lugar
nació un niño arabe.
Viví en en Ramoth Meneshe, el kibutz donde mis padres
sacaban piedras todavía.
Me trajeron a la Amèrica del Sur, la tierra
donde ellos habían nacidos de padres extranjeros.
Así la historia vuelve y se va; gira hacia
uno y otro lado, nos lleva sobre aguas torrentosas.
Naufrago anclado en Buenos Aires, para tomar el
interminable tren transandino calado por el frío
del carro de 2a.
Y aquí encuentro en Santiago
explicando este nombre que tiene algo de Biblia y piedra
y calor del aire del desierto y una música.
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My Name is Shlomit
My name is Shlomit. I ws born in Afula, in the Galilee.
I am told that an Arab child
was born in the same time, at the same place.
I lived in Ramoth Menashe, the kibbutz where my parents
are still pulling stones from the ground.
They brought me to South America, the land
where they were born, of foreign parents.
So does history turn and come back, it winds around
one and another side, it carries us over rushing waters.
Shipwreck anchored in Buenos Aires, to catch the
interminable train across the Andes, chilled to the bone
in the second class, coach car.
And I find myself in Santiago
explaining the name that has a lot of the Bible and stone
and the heat of the desert air and music.
Translation by Elizabeth Horan
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Las caras de Shlomit Baytelman/The Faces of Shlomit Baytelman
Gustavo Grisoski nació en Buenos Aires en 1963. Se graduó como Arquitecto de la Universidad de Buenos Aires. Realizó exposiciones en el Centro Cultural Recoleta y otras gallerias en Buenos Aires y el exterior. Fue seccionado para el Premio del Salón Nacional de Artes Visuales 2000 (Palais de Glace, Bs. As.)
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Gustavo Grisoski was born in Buenos Aires in 1963. He is an Architect, having graduated from the University of Buenos Aires. He has had shows in the Recoleta Cultural Center and in other galleries and museums in Buenos Aires. Grisoski was awarded by the National Salon Prize for Visual Arts at the ‘Palais de Glace’ in Buenos Aires.
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Gustavo Grisoski les pinta, con afección y algo de surrealismo, a los judíos devotos/ Gustavo Grisoski paints, with affection an a bit of surrealism, the devote Jews.
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Sin título/No title
Más allá de sí mismos/Beyond themselves
Más allá de sí mismos-2/Beyond themselves-2
Notas místicas/Mystical Notes
Se abre el camino/Opening the Way
Dónde estoy?/Where Am I?
No temas/Don’t fear
Duelo/Grief
Expansiones/Espansions
Between Heaven and Earth/Entre el cielo y la tierra
Paulina Pinsky nasceu em 1948, filha de sobreviventes do Holocausto cujas famílias – cônjuges e filhos, inclusive – foram assassinadas pelos nazistas. Teve uma infância itinerante, mudando-se da Alemanha para Israel, Itália e Bolívia, antes de finalmente se estabelecer no Brasil. Em 1967, Paulina passou um ano no Kibutz Brur Chayil e, após seu casamento (em São Paulo, em 1970) com Moises Pinsky, passou vários anos estudando e lecionando em Israel, antes de retornar ao Brasil, onde vive até hoje. . Em 1988, depois de ter passado muitos anos como professora de inglês e designer de interiores, Paulina voltou-se para a pintura em busca de realização emocional e espiritual. Sem formação, ela começou a pintar cenas simples de uma maneira refrescantemente inocente e infantil, entrando assim no mundo mágico da arte ingênua. Paulina Pinsky – uma artista indelevelmente influenciada por suas origens europeias e tradições judaicas – é a ingênua brasileira como nenhuma outra.
Dan Chill, October 2004, GINA Gallery of International Naïve Art
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Paulina Pinsky was born on 1948 to Holocaust survivors whose families – spouses and children, included – had been murdered by the Nazis. She had a peripatetic childhood, moving from Germany to Israel, Italy and Bolivia, before finally settling in Brazil. ln 1967, Paulina spent a year at Kibbutz Brur Chayil, and, after her marriage (in Sao Paulo in 1970) to Moises Pinsky, spent several years studying and teaching in Israel, before returning to Brazil, where she has been living to this day. In 1988, after having spent many years as an English teacher and an interior designer, Paulina turned to painting for emotional and spiritual fulfillment. Being without training, she began painting simple scenes in a refreshingly innocent, childlike manner, thereby entering the magical world of naïve art ln Paulina Pinsky – an artist indelibly influenced by her European origins and Jewish traditions – is the Brazilian naif like none other.
Dan Chill, October 2004, GINA Gallery of International Naïve Art
Carlos Kravetz (1953-) vivió en Israel y Alemania. Se formó en Avni Institute of Fine Arts, Tel Aviv, en talleres con Emilio Renart y M. Stempelsztejn, y en estudios con diversos teóricos del arte. También estudió Arquitectura en la FADU (UBA) y en el Technion, Haifa. Expone en Argentina desde 1979 y fuera del país desde 1991.
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Carlos Kravetz (1953-) lived in Israel and Germany. He trained at Avni Institute of Fine Arts, Tel Aviv, in workshops with Emilio Renart and M. Stempelsztejn, and in studies with various art theorists. He also studied Architecture at FADU (UBA) and at the Technion, Haifa. He has exhibited in Argentina since 1979 and outside the country since 1991.
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Carlos Kravetz comenta sobre su arte:
Me preocupa mostrar, aunque sea parcialmente, la realidad que me circunda, las cosas que me pasan a mí y a otros… Buenos Aires es un marco de fondo, pero que condiciona: la gente expresa de alguna manera la presión a que la somete la vida en nuestra ciudad. Eso se percibe en cada gesto si observamos con atención. Me preocupa también el paso del tiempo, modificándonos. У exagerando nuestros valores o defectos. Y me preocupan la locura y ese espacio sutil entre ella y aquello considerado normal. Quiero mostrar eso sin ‘lavar’ mi obra, expresando plásticamente toda la belleza contenida en la fealdad, la vejez o la locura, que no es justamente la belleza clásica. Me interesa mostrar una parte de la realidad: dar mi aporte para que el arte esté menos separado de la vida: no me interesa para nada un arte de especulación metafísica, sino de una reflexión sobre lo cotidiano que permita que nos reconozcamos en él; un arte que no se disocie devolviendo imágenes que no nos pertenecen. . .
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Carlos Kravetz comments on his art:
I am concerned about showing, even partially, the reality that surrounds me, the things that happen to me and others… Buenos Aires is a background setting, but one that conditions: people express in some way the pressure to which they are subjected by life in our city. This can be perceived in each gesture if we look carefully. I am also concerned about the passage of time, changing us, exaggerating our values or defects. And I am concerned about madness and that subtle space between it and what is considered normal. I want to show that without ‘washing’ my work, plastically expressing all the beauty contained in ugliness, old age or madness, which is not exactly classical beauty. I am interested in showing a part of reality: giving my contribution so that art is less separated from life: I am not at all interested in an art of metaphysical speculation, but rather a reflection on the everyday that allows us to recognize ourselves in it; an art that does not dissociate itself by returning images that do not belong to us. . .
El carácter de Lilith ha evolucionado a lo largo de los años. Comenzó como un demonio femenino común en muchas culturas del Medio Oriente, apareciendo en el libro de Isaías, el Talmud de Babilonia y cuencos de encantamiento del antiguo Irak e Irán. Se la describe como una amenaza para los aspectos sexuales y reproductivos de la vida, especialmente el parto. Un texto judío medieval llamado Alfabeto de Ben Sira la describe como la primera esposa de Adán que lo desobedeció a él y a Dios y afirmó su igualdad con Adán, dando un origen legendario a su comportamiento demoníaco. Ella también aparece en la Cabalá como un reflejo maligno del aspecto femenino de Dios junto con Samael. Las feministas judías, aprovechando su afirmación de igualdad, han reclamado a Lilith como símbolo de autonomía, independencia y liberación sexual.
Jewish Women’s Encyclopedia
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Lilith’s character has evolved throughout the years. She began as a female demon common to many Middle Eastern cultures, appearing in the book of Isaiah, Babylonian Talmud, and incantation bowls from ancient Iraq and Iran. She is described as threatening the sexual and reproductive aspects of life, especially childbirth. A medieval Jewish text called the Alphabet of Ben Sira describes her as Adam’s first wife who disobeyed him and God and asserted her equality to Adam, giving a legendary origin to her demonic behavior. She also appears in Kabbalah as an evil reflection of the feminine aspect of God along with Samael. Jewish feminists, seizing upon her assertion of equality, have reclaimed Lilith as a symbol of autonomy, independence, and sexual liberation.
Lilith brota cual serpiente, le brotaron alas de muerte en su afán de sellar con un beso de muerte los bostezos de los hijos de Eva, aún con restos de leche en los labios. No hay quien vuele como Lilith, amante de Samael, ángel caído. Nadie trenza su pelo bajo las estrellas, nadie contempla sus ojos al brillo de la luna, sin morir de espanto. Bruja de los cuentos chilla frente a los amuletos que llevan su nombre, su imagen rebelde. Espejo, espejito: ¿quién es la más poderosa? Espejo Espejito: ¿Quién huye de su propio rostro para no perderse en la nada, para no ver morir a los engendros de su vientre? Lilith, madrastra de Blanca Nieves, huye a los espejos: hablan más de la cuenta hay que silenciarlos con la huida o con la muerte.
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Pandora’s Womb
VI
Lilith emerges as a serpent;
the wings of death emerge from her in her eagerness to seal
with a kiss of death
the yawns of the sons of Eve
with the leftovers of milk still on their lips.
There is no one who flies like Lilith,
lover of Samael, fallen angel
No one weaves her braids,
under the stars.
No one looks into her eyes,
by the light of the moon, without dying of terror.
Witch of the fairy tales
shrieks in the presence of the amulets that bear her name,
Her rebellious image.
Mirror, little mirror:
who is the most powerful?
Mirror, Little mirror:
Who flees her own face,
so as not lose herself in nothingness,
to not see die the spawn of her womb?
Lilith, stepmother of Snow White,
flees the mirrors:
they speak more than enough
it’s necessary silence them with fleeing or with death.
Translated by Stephen a Sadow
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Elina Wechsler – Argentina*
Lilith, primera compañera de Adán
Una suerte de fijeza al árbol genealógico, a los muertos, invita en ocasiones a perderse en la Boca de los Siglos. Como un sapo irreverente a la orilla del río, como el imán que me lleva a tu cuerpo y a tu oído. Si Eva no fue la primera qué desorden de la letra, qué traspié en el poder del jeroglífico. Una suerte de fijeza, Gioconda mirando al infinito. Una madre será por todas las madres, Eva robará las tentaciones de Lilith, las suyas, por un pequeño error bíblico.
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Lilith, Adam’s First Partner
A kind of obsession with the family tree, to the dead, an invitation to spiral down the Mouth of the Centuries. Like a disdainful toad on the riverbank, like a magnet leading me to your body, your ear. If Eve wasn’t the first what confusion of the word, what a blunder in the power of the hieroglyph. A kind of fixation, Gioconda peering into infinity. A mother for all mothers, Eve will steal Lilith’s temptations, her own, because of a small biblical error.
Translated by Carlie Hoffman
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*Elina Wechsler es una poeta argentina. Nacida en Buenos Aires, es psicoanalista de profesión. Abandonó Argentina en 1977 como consecuencia de la dictadura militar que desató una extrema represión política y violencia y fijó su residencia en Madrid. Wechsler es autor de cuatro poemarios: El fantasma (1983), La larga marcha (1988), Mitomanías amorosas (1991) y Progresiones en un cierto mes de julio (1995)
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*Elina Wechsler is an Argentinean poet. Born in Buenos Aires, she is a psychoanalyst by profession. She left Argentina in 1977 as a consequence of the military dictatorship that unleashed extreme political repression and violence and took up residence in Madrid. Wechsler is the author of four collections of poetry: El fantasma (1983), La larga marcha (1988), Mitomanías amorosas (1991), and Progresiones en un cierto mes de julio (1995).
La defensa del medio ambiente sustenta el tema pictórico de Orestes Larios Zaak, (1953-) quien por la obra de la vida recibió en esta ciudad el premio “Fidelio Ponce de León”, principal lauro que concede el Consejo Provincial de las Artes Plásticas. Ese autor con 37 años de labor profesional acumula, además, entre otros galardones, el de tres concursos internacionales, incluido uno auspiciado por el Programa Mundial de Alimentos, de la Organización de las Naciones Unidas para la Agricultura y la Alimentación. Plantas y animales son los protagonistas de sus cuadros, con los cuales es el creador camagüeyano en la esfera de las artes con la más voluminosa y sistemática dedicación a defender la naturaleza. Fue el mayor promotor de la existencia de la Galería-Taller Larios, de la que es el director-fundador. Situada en una casona colonial en el sector de esta ciudad declarado Patrimonio Cultural de la Humanidad, la institución desempeña acciones de impacto comunitario, y constituye un foco cultural en vertientes como la plástica y las actuaciones musicales. Larios Zaak ha participado en más de 60 exposiciones, incluidas 15 personales, en Cuba, Italia, Estados Unidos de América y España, entre otros países. (AIN)
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The defense of the environment is the motivating force for Orestes Larios Zaak, (1953-) who for his life’s work received in this city the “Fidelio Ponce de León” prize, the main award awarded by the Provincial Council of the Plastic Arts. This author, with 37 years of professional work, also has other awards international competitions, including one sponsored by the World Food Program of the Food and Agriculture Organization of the United Nations. Plants and animals are the protagonists of his paintings. He is the Camagüey, Cuba-based artist who has the most voluminous and systematic dedication to defending nature. He is the founding director of the Larios Gallery-Workshop, which is located in a colonial mansion in the sector of the city that was declared a part of the Cultural Heritage of Humanity. The institution has community impact and constitutes a cultural focus for art and musical performances. Larios Zaak has participated in more than 60 exhibitions, including 15 personal ones, in Cuba, Italy, the United States of America and Spain, among other countries.(AIN)
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Pinturas inspiradas por la naturaleza/Paintings inspired by nature
Deborah Leipziger (Brasil) é poetisa, autora e consultora de sustentabilidade. Ela atualmente reside em Boston, Estados Unidos. É autora da coleção de poemas Flower Map, publicada pela Finishing Line Press (2013). quatro de seus poemas foram indicados ao prêmio Pushcart. Seus poemas foram publicados no Reino Unido, Estados Unidos, Israel, Canadá e Holanda, e em revistas e jornais como Salamander, Lily Poetry Reviewe POESY. Ela é co-fundadora da Soul-Lit, uma revista online de poesia. E autor de vários livros sobre sustentabilidade e direitos humanos, alguns dos quais traduzidos para chinês, coreano e português. Ela está trabalhando em um projeto sobre “a linguagem da sustentabilidade”, onde combina seu amor pela linguagem e pela natureza.
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Deborah Leipziger (Brasil) es poeta, autora y asesora en Sostenibilidad. En la actualidad, reside en Boston, Estados Unidos. Es autora del poemario Flower Map, publicado por Finishing Line Press (2013). Cuatro de sus poemas han sido nominados al premio Pushcart. Sus poemas se han publicado en el Reino Unido, Estados Unidos, Israel, Canadá y los Países Bajos, y en revistas y periódicos como Salamander,Lily Poetry Review y POESY. Es cofundadora de Soul-Lit, una revista virtual de poesía. Y autora de varios libros sobre sostenibilidad y derechos humanos, algunos de los cuales han sido traducidos al chino, coreano y portugués. Está trabajando en un proyecto sobre “el lenguaje de la sostenibilidad”, donde combina su amor por el lenguaje y la naturaleza.
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Deborah Leipziger (Brazil) is a poet, author and consultant on Sustainability. He currently resides in Boston, United States. She is the author of the Flower Map collection of poems, published by Finishing Line Press (2013). Four of her poems have been nominated for the Pushcart Prize. Her poems have been published in the UK, USA, Israel, Canada and the Netherlands, and in magazines and newspapers such as Salamander,Lily Poetry Review and POESY. She is co-founder of Soul-Lit, an online poetry magazine. And author of several books on sustainability and human rights, some of which have been translated into Chinese, Korean and Portuguese. He is working on a project about “the language of sustainability”, where she combines her love for language and nature.
Lobo
For Paulo Paulino Guajajara, known as “Lobo”, who was a “Guardian of the Amazon”, killed by illegal loggers
I guard the forest
its canopy of reflected stars
the morpho butterflies the blue moons
bromeliads the fish
the roots of trees
drinking in the river
I guard the forest
the children of the tribe
I guard the canopy with its toucans parakeets
emerald
I guard the forest floor with its snakes
I guard the mating jaguars
I knew
they would kill me.
I could not have imagined
that it would be a shot to the
face that my body would be
left in the forest
Now
You guard the forest
its canopy of reflected stars
the morpho butterflies the blue moons
bromeliads the fish
the roots of trees
drinking in the river
You guard the forest
the children of the tribe
You guard the canopy with its toucans parakeets
emerald
You guard the forest floor with its snakes
You guard the mating jaguars
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Lobo
Escrito em homenagem à Paulo Paulinho Guajajara, que era um “Guardião da Amazônia”, morto por madeireiros ilegais
Sou sentinela da floresta
da sua copa de estrelas espelhadas
suas borboletas, das luas azuis
dos piriquitos, das bromélias, dos peixes
das raízes das árvores
bebendo do rio.
Sou sentinela da selva
das crianças gujajara.
Protejo a copa da floresta,
os tucanos, os beija flores.
Protejo a mata, suas cobras.
Sou guarda
dos jaguares se juntando.
Sempre soube
que iriam me matar,
porém nunca imaginaria
que iriam me balear
no rosto,
que deixariam o meu corpo
na selva.
Agora você
serà a sentinela da selva
sua copa de estrelas espelhadas
suas borboletas, das luas azuis
dos piriquitos, das bromelias, dos peixes
das raízes das árvores
bebendo do rio.
Sou sentinela da selva
das crianças guajajara.
Protejo a copa da floresta,
os tucanos, os beija flores.
Protejo a mata, suas cobras.
Sou guarda
dos jaguares se juntando.
Tradução de Deborah Leipziger
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The Green Ravine
In the ravaged city the Green Ravine
cools you
after the heat island.
The dragonflies intertwine their bodies in the shape of infinity.
You hear the heat
lift the cenzontle birds.
You sense the lizards.
You feel the water lifted into air. This is where water is born.
Inspired by a virtual field trip with Lucrecia Masaya, of the Green Ravine in Guatemala City at the Nature of Cities Conference, 2021, during the COVID-19 pandemic.
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A ravina verde
Na cidade devastada a ravina verde
te refresca
depois da ilha de calor
As libélulas se entrelaçam criando o símbolo do infinito.
Escuto o calor
levantando os pássaros centzotles
Você sente a presença das lagartas.
Você sente a água levantando no ar. É aqui que a água nasce.
Inspirado por uma viagem de campo virtual com Lucrecia Masaya, do Green Ravine na Cidade da Guatemala na Nature of Cities Conference, 2021, durante a pandemia de COVID-19.
Tradução de Deborah Leipziger
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Al español:
Written on Skin
In cursive and script your kiss
is indelibly written on skin.
Even now, the cut from your birth
echoing the rain is written on skin.
The numbers from a time of horror
are held written on skin.
Just as the rings record the age of the tree
my ages and phases are written on skin.
The wood from the forest for the violin
its music etched in wood, written on skin.
The umbilical cord coiled around my neck
is still there, pulsating purple, written on skin.
The parchment of history of storied sacrifice
is written on hides, written on skin.
In ink and dust, blood and bruise
my history is written on skin.
The newspaper stories of massacre
collapse and famine are written on skin.
Gems with facets etched by stone
hidden in garments, written on skin.
Your touch on my earlobe, fingerprints on my face
words and deeds unbidden, written on skin.
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Escrito en la piel
En letra cursiva y guion tu beso
está escrito indeleble en la piel
incluso ahora, el corte de su nacimiento
que hace eco de la lluvia está escrito en la piel
Los números de una época de horror
se llevan escritos en la piel
Así como los anillos registran la edad del árbol
mis edades y fases están escritas en la piel
La madera del bosque para el violín
su eco grabada en la madera, escrito en la piel
El cordón umbilical enrolladlo alrededor de mi cuello
sigue ahí, pulsante de color púrpura, escrito en la piel
El pergamino de la historia del sacrificio histórico
está escrito en pieles, escrito en la piel
En tinta y polvo, sangre y magulladura
mi historia está escrita en la piel
Las noticas sobre masacres
el colapso y el hambre están escritos en la piel
Gemas con facetas grabadas por piedra
escondidas en prendas, grabadas en la piel
Tu caricia en mi lóbulo de la oreja, huellas dactilares en mi rostro
las palabras y acciones espontáneas, escritas en la piel
Translated by María Del Castillo Sucerquia
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Sugaring
After Safia Elhillo
i was made of almonds and sugar
of giving and receiving
of coast lines dug deep with departure
and arrival, of boats and boundaries seeking refuge
for my Nonna, all desserts began
with grating almonds and sugar recreating home
with latticework in marizipan
i was born under dictatorship under the light
of the southern cross
tasting of sugar dissolving into coconut and clove tangled
in the umbilical cord
my mother told me no one
would ever love me
like she did. now I know
she was right and wrong
my daughters born of gingerbread
under a coup d’ivorce
hold the light, the dark
of my countries
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Azucarada
Después de Safia Elhillo
Yo estaba hecha de almendras y azúcar
de dar y recibir
de literales excavadas hondas con partida
y llegada de barcos y fronteras en busca de refugio
para mi Nonna, todos los postres ⠀⠀empezaban
con ralladura de almendras y azúcar ⠀⠀ recreando el hogar
con celosías en el mazapán
nací bajo la dictadura bajo la luz
de la cruz del sur
saboreando el azúcar que se disuelve en el coco y el clavo de enredado
en el cordón umbilical
mi madre dijo que nadie
me amaría
como ella lo hizo ahora yo
sé que tenía razón y no
mis hijas nacieron de pan de jengibre
bajo el coup d’ivorce
sostienen la luz, la oscuridad
de mis países
Translation by María Del Castillo Sucerquia
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You as a forest
I listen to the shelter of you
the sweeping canopy
cradling the day and night of me t
he moon rising in your branches
the stars falling into the sweep of your hair.
I see the feet of your forest the fingers,
the limbs the concave and convex of you,
the light that falls around us.
I smell your maple, fern, ivy.
The light serpentine falling through the rings of redwoods
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Tú, un bosque
Escucho el refugio de ti
el amplio toldo que acuna el día
y la noche de mí
la luna asomándose en tus ramas
las estrellas cayendo
en la silueta de tu pelo
veo los pies de tu bosque
los dedos, los muslos
lo cóncavo y convexo de ti
huelo tu aroma de arce
helecho, hiedra
la luz serpentina cayendo
entre los anillos de la roja se secuoya
Translated by María Del Castillo Sucerquia
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Honeycomb
I fell asleep inside the honeycomb
the bees called to me humming, thrumming
I fell asleep inside the honeycomb
the hive alive the singing, the stinging
all night the bees taught me the language
of pollen,
the scent of stamen
the ringing,
the brimming
And the sun rose inside the honeycomb
and I awoke inside the honeycomb the dripping, the sipping
I awoke inside the honeycomb with the stunning, the becoming
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Panal
Me dormí dentro del panal
me llamaron las abejas, tarareando, tamborileando
Me dormí dentro del panal
la colmena viva el canto, el picor
toda la noche las abejas me enseñaron el idioma del polen
el olor del estambre
el zumbido, el rebosante
el sol se levantó dentro del panal
y me desperté dentro del panal el goteo, los sorbos
me desperté dentro del panal con el asombro, el definir
Translated by María Del Castillo Sucerquia
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The Creation of Turquoise
it didn’t happen all at once
the elders would say later
then again, it seldom does
every creation is intentional
even destruction can take its time,
rather it was the inexorable
chipping away of the sky
one kernel at a time
small fragments of
rupture, rapture
and when the sky touched the earth
the impact created
veins in the stone
so each turquoise would tell a story
of sky and earth, colliding
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La creación de la turquesa
no sucedió
dirían los ancianos más tarde
por otra parte, rara vez sucede
toda creación es intencional
incluso la destrucción requiere de tiempo
más bien, fue le inexorable
astillamiento del cielo
un grano a la vez
pequeños fragmentos de ruptura, éxtasis
la caricia del cielo a la tierra
ahora, la turquesa
cuenta la historia del cielo y la tierra, aquel impacto
Translated by María Del Castillo Sucerquia
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Blue FugueWhen you were born, the Room turned Blue.
I became Blue cold veins frozen.
The Blue became a Room.
Both of you Blue whisked Away
I, cut open.
When you were born, the Room turned Blue.
In a Blue gown,
My mouth, unable to form ice words.
The Blue became a Room.
When I was born, I was Blue.
The womb was Blue, the Blue cord around my neck.
When you were born, the Room turned Blue.
Alone, waiting, warming,
Until they brought you back.
The Blue sky becomes a Room.
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La fuga azul
cuando naciste
se tornó Azul la habitación
mis venas se tomaron Azul y álgidas
el Azul se volvió una Habitación
los dos Azules se alejaron pronto
yo, un corte abierto
cuando naciste
se tornó Azul la Habitación
con una bata Azul
mi boca es incapaz de formar
palabras de hielo
el Azul se volvió una Habitación
cuando nací, era Azul
el útero, Azul
un cordón Azul rodeando mi nuca
cuando naciste se tornó Azul la Habitación
sola
esperaba
calentarme
te trajeron de suelto
el Cielo Azul se tornó
el Cielo Azul de Vuelta
Translated by María Del Castillo Sucerquia
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Mi nombre es Fanny Haiat, soy una escultora y pintora mexicana nacida en 1940. Mi carrera artística comenzó en 1980, logrando una destacada exposición nacional e internacional. En 1988 ganó la prestigiosa Bienal de Florencia en Italia. Mis esculturas son un elemento importante para el paisaje urbano de la Ciudad de México; ubicados en áreas que, durante muchos años, han sido parte del núcleo de la ciudad. A nivel internacional y en conjunto con la embajada de México, tengo esculturas monumentales en Sofía, Bulgaria y en Roma, Italia. Un gran número de coleccionistas, museos y galerías tienen mis piezas especiales. Estuve en la exposición de Wynnewood de 2017 durante el festival internacional de las artes. Hasta el momento tengo 28 exposiciones individuales y 15 exposiciones colectivas en la Ciudad de México y otras partes del mundo. En mi opinión, el arte es la forma más pura de comunicación en la que el artista tiene una conexión franca con el espectador. De “UniqLuxury”.
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My name is Fanny Haiat. I am a Mexican sculptor and painter born in 1940. My artistic career began in 1980, achieving outstanding national and international exposure. In 1988 she won the prestigious Florence Biennale in Italy. My sculptures are an important element for the urban landscape of Mexico City; located in areas that, for many years, have been part of the core of the city. Internationally and in conjunction with the Mexican embassy, I have monumental sculptures in Sofia, Bulgaria and in Rome, Italy. A great number of collectors, museums and galleries have my special pieces. I was at the 2017 Wynnewood exhibition during the international arts festival. So far I have 28 solo exhibitions, and 15 group exhibitions in Mexico City and other parts of the world. In my opinion, art is the purest form of communication in which the artist has a frank connection with the viewer. From “UniqLuxury”
Pablo A. Freinkel (Bahía Blanca, Argentina, 1957). Licenciado en Bioquímica. Periodista y escritor. Sus artículos y notas se han dado a conocer en Buenos Aires, New York y Jerusalem; y en medios online nacionales y extranjeros. Es autor de cuatro libros: Diccionario Biográfico Bahiense, el ensayo Metafísica y Holocausto, y las novelas El día que Sigmund Freud asesinó a Moisés y Los destinos sagrados. Escribió el guión del documental Matthias Sindelar: un gol por la vida. Ha dictado conferencias sobre Spinoza, Maimónides y literatura judía argentina actual, en diferentes instituciones del país. Escribió las novelas El lector de Spinoza y La casa de Caín.
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Pablo A. Freinkel (Bahía Blanca, Argentina,) who has a degree in biochemistry. He is a journalist and writer. His articles and notes have been published in Buenos Aires, New York and Jerusalem, in Argentine and international online media. Freinkel is the author of four books: Diccionario Biográfico Bahiense, Metafísica y Holocausto, and the novel El día que Sigmund Freud asesinó a Moisés and Los destinos sagrados. He wrote the script for Matthias Sindelar: un gol por la vida. He has lectured on Spinoza, Maimonides and on contemporary Argentine-Jewish literature throughout Argentina. His recent novels El lector de Spinoza is in press and La casa de Caín.
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“Zinger“
Hallé en el apartado de avisos fúnebres del periódico en línea que leía la siguiente necrológica:
“Con la desaparición física de Marga Dalla Ponte, a causa de una cruel enfermedad, el arte nacional pierde a una de sus más señeras representantes. Como docente ofreció clases magistrales, condujo talleres, promovió a nuevos valores con generosidad y el interés puesto en revalidar títulos para nuestro país en el complejo mundo de las experiencias visuales. Retirada de las aulas y las exposiciones desde hacía años, fue escasa la cantidad de gente que se convocó a despedir sus restos. Descanse en paz, maestra y amiga”.
A continuación, se leía el siguiente texto:
“Zelda Inger participa el fallecimiento de su dilecta amiga, puntal indeclinable en épocas de triste memoria, y ruega una oración a su amada memoria”.
Tenía pendiente una visita a Eugenia de Pritzker para comunicarle, entre otros puntos, que me disponía a dar por concluida la tarea de ordenar los archivos de don David, ya que en las nuevas condiciones me resultaba poco menos que imposible atender esta contingencia. Asimismo, me proponía exponerle algunos asuntos que la involucraban de manera directa. … La encontré, como era habitual, sentada en la cocina, apenas distraída su concentración en el televisor encendido.
-Me alegra que el cuadro te haya sido útil y remunerativo- dijo con cierto toque rencoroso no bien me vio entrar.
-Se equivoca. La idea no fue venderlo, todo lo contrario. Nos pareció una manera de honrarlo a tantos años de su primera y única exhibición. Sin contar la carga trágica que transmite, es muy bello. Habla muy bien de su creador, de sus habilidades… Por otra parte, es suyo y puedo restituírselo cuando lo desee.
No contestó, se limitó a entregarme una larga mirada no exenta de atención.
-¿Me permite contarle una historia que no por breve no deja de ser dramática?- Hizo un ademán con la mano como si el asunto careciera de importancia-. Habla de una joven llamada Zelda que deseaba dedicar su vida al arte pero encontró la férrea oposición de su padre, quien tenía otros planes no sólo para ella sino también para el resto de sus hijos. Sin embargo, al principio toleró sus aspiraciones de convertirse en una artista, seguramente con el convencimiento de que cuando creciera abandonaría esos disparates y retornaría al buen camino. Fue todo en vano.
-Ignoro a quién te referís –esbozó como protesta-. Nunca conocí a esas personas.
Continué sin reparar en su interrupción:
-Esta diferencia alcanzó su desenlace cuando estalló la Guerra de los Seis Días entre el joven Estado de Israel contra poderosos ejércitos de los países vecinos. Las primeras jornadas estuvieron marcadas por la incertidumbre, la angustia… Revivieron los fantasmas que apenas treinta años antes condujeron a los campos de concentración, al exterminio de nuestros hermanos, a la horrible visión de contemplar a los judíos arrojados al mar, como azuzaban los enemigos. Seguramente en el alma sensible de Zelda se desató una tormenta de sentimientos. Desesperación, temor extremo, congoja… Entonces recurrió a la única herramienta de que disponía, que le permitía expresarse con entera libertad. Encerrada en su cuarto, en veinticuatro horas de trabajo intenso, febril, surgió la mujer del retrato, esa mujer que personificaba el horror vivido por nuestro pueblo a lo largo del siglo XX. Me imagino que el título emergió como una epifania y, es cierto, tuvo toda la intención de provocar, incitar una respuesta emocional: “Nuestra Señora de Auschwitz”.
El rostro de Eugenia se ensombrecía cada vez más. Ya no reflejaba ironía o desprecio, sino una combinación de ira y pesar.
-Fue entonces cuando Zelda dijo: “Media Humanidad se apiada por la crucifixión de un judío y muy pocos por la masacre de tantos millones”.
Sus ojos se abrieron desmesuradamente por la sorpresa. No obstante, se obstinaba en mantenerse callada. Empecé a dudar de la certeza de mis argumentos. Un punto de exasperación tiñó el rostro de la mujer; un instante después descargó su rencor.
-No entiendo por qué me contás esta fábula, me resulta por completo extraña –dijo con acritud e intentando minimizar su impacto.
-Por favor, Eugenia, déjeme terminar y después le explico. La respuesta fue un silencio beligerante que no significaba aceptación sino condescendencia.
-A pesar de la realización de la obra –proseguí-, el objetivo de manifestar su mensaje no se hubiese cumplido sin haber logrado exponerla al público. Es entonces cuando aparece Reina Benazar, la prima de la madre de Zelda, propietaria de una galería de arte. Sin consultar con nadie, tomó la decisión de llevarle una fotografía del retrato -imagen que pude contemplar- y esperar su juicio. Supongo que la pintura la conmovió y aceptó de inmediato ponerla a la consideración del público. Presentó una única objeción: el título. Probablemente evaluó que era mejor no provocar y si bien Israel había logrado imponerse en la guerra, subsistían sentimientos negativos. Reina fue quien propuso “La dama de la Shoá”. Para una artista novel que tenía ante sí la magnífica oportunidad de mostrar un trabajo de su autoría, tal sugerencia no generó ningún litigio. Estaba obnubilada con la posibilidad de efectuar su primera muestra, por lo tanto no deseaba arruinar la oferta. Estoy convencido de que ella hoy se plantaría y lucharía por imponer sus principios. Entonces, medio siglo atrás, joven e inexperta acató la determinación que le imponían con el fin de no perder una ocasión propicia.
-Al enterarse de la propuesta de Reina y, peor todavía, la respuesta positiva que recibió, la declaración de guerra quedó ratificada. El doctor Ingerbrock no aceptó ni una ni la otra y prohibió a su hija todo movimiento tendiente a ese fin. En pocas palabras, Zelda se sintió inflamada por el viento de la rebeldía y dejó atrás el hogar familiar. Se impuso un ostracismo feroz con el propósito de castigar la intransigencia de la que era víctima, aunque con este proceder castigaba con el mismo golpe a su madre y hermanos.
De esta manera, sola en el mundo, lejos de sus vínculos más cercanos, se hizo presente la imperiosa necesidad de un techo que la cobijara y, por qué no, de un cálido abrazo que la contuviera. La réplica a esta inquietud me la proporcionó la participación necrológica que Zelda Inger publicó con motivo del fallecimiento de Magda Dalla Ponte donde califica a su amiga de, trataré de mencionar la cita textual, “puntal indeclinable en épocas de triste memoria”. Me pregunté cuál podría ser esa desgraciada circunstancia y cuál el lazo que vinculara a dos mujeres tan diferentes que de hecho ni siquiera tenían contacto en la actualidad. La respuesta, entonces, debía estar en el pasado de ambas y en lo que una vez compartieron. La pintura, el arte, la insatisfacción por los códigos patriarcales… Marga entonces fue más que la maestra, la consejera. Fue quien la recibió cuando abandonó la casa paterna. ..
-Resta ahora considerar la llegada de un nuevo personaje: David Pritzker. –Eugenia me miró fijamente, anhelante por saber con qué testimonio avalaría mis deducciones-. David y Cecilia se conocieron por intermedio de los hermanos de ella. Aunque era mayor, David, estudiante de abogacía, sentía una afinidad ideológica con los otros dos debido al sionismo, el socialismo, el nuevo Estado judío. Eran comunes las discusiones pero al final la sangre no llegaba al río, como se dice. Ella se mantenía al margen de esas cuestiones terrenales imbuida en sus afanes artísticos. Sin embargo, entre ambos comenzó a crecer una afectividad que trascendía la política, el afán de arreglar el mundo.
“David se enteró de la novedad por Israel y Moisés, devastados por la ausencia de su hermana. Supongo que hasta se ofreció a mediar entre padre e hija para considerar su regreso. Sin embargo, ninguno de los dos estuvo dispuesto a resignar sus posiciones. No tengo dudas que el enamorado futuro abogado movió cielo y tierra hasta que finalmente obtuvo el dato, ignoro quién se lo proveyó si bien puedo suponer que el soplo vino de alguien muy próximo a ellos, que la dueña de sus suspiros se hospedaba en casa de Marga. A pesar de sus reiterados pedidos para que la jovencita desistiera de su actitud, no se rindió. Así, las visitas se hicieron habituales, siempre bajo la supervisión de la inquisitiva y desconfiada chaperona, y la exigencia de discreción absoluta si él deseaba continuar con ellas.
Por primera vez en mi ya extenso monólogo advertí una distensión en los apretados rasgos del rostro de la anciana. Había tocado una fibra muy íntima; supongo que los recuerdos habrán caído en cascada sobre su atribulado espíritu.
-Hay ocasiones en que actuamos de manera impulsiva y entonces resulta muy difícil volver atrás –dijo en voz baja, casi como un pensamiento hacia su interior. Era la resquebrajadura que esperaba en la coraza, una concesión que abría nuevos e inesperados caminos.
Aguardé a que ese nuevo estado se consolidara, una evolución que se desplegara en forma natural. La mujer me miró desde una nueva perspectiva, casi diría liberada de una prisión que ella misma había tejido alrededor suyo, representada por una nueva luz en sus ojos, más diáfana.
-¿Cómo supiste el gesto de Marga? –Toda traza de rencor había desaparecido; ahora había serenidad en su voz, como si se hubiese desprendido de un peso cargado desde siempre.
-Por el texto de la necrológica de su fallecimiento. Confió en que ocultando su verdadera identidad tras nombres que no son los usuales en usted esquivaría la atención de los indiscretos que nunca faltan. El tiempo oculta todo, pero los detalles siempre están allí y cuando menos se los espera, regresan.
-No tuve en cuenta la fina percepción de Marcos Opatoshu. –No hubo cinismo ni malicia en esas palabras, fue un aserto pronunciado al pasar.
-Por fin, David recibió su título y fue entonces cuando le propuso matrimonio. Frente a esta realidad se disipaba cualquier otra consideración. Si no aceptaba, su vida transcurriría siempre oculta y quizá sin ninguna otra posibilidad de constituir una familia; la otra, volver a casa y rogar el perdón del padre vaya a saber a qué precio. De esta manera, el pretendiente obtuvo el consentimiento con una condición de hierro. La ceremonia sería discreta, restringida a unos pocos invitados de su familia. Seguramente, el novio pensó que se presentaba una excelente ocasión para limar todas las asperezas e iniciar su vida en común sin deudas. A pesar de los requerimientos planteados, aceptó. Sin dudas, no era la boda que ninguno de los esperaban celebrar algún día, pero, como se dice, era lo que había.
Una breve pausa dio pábulo a que ella se hiciera cargo del curso del relato.
-Nos casamos en un shill pequeño de la periferia, con una jupá[1] encima nuestro y el número exacto de hombres para conformar un minián[2]. Estoy segura de que David aleccionó a su familia para que no pregunten nada acerca de la ausencia de la mía, cosa que siempre le agradecí si bien él jamás me hizo comentario alguno. Al terminar la ceremonia, nos dirigimos a una sala pequeña donde hicimos un lejaim[3]. “Un par de días antes nos casamos por civil y otra vez David se encargó de los detalles. Y ahí terminó todo.
-¿Cuándo decidió cambiarse el nombre Cecilia o Zelda por Eugenia?
-En el momento de redactar la ketubah[4]. Fue una especie de homenaje a una tía postiza que siempre apoyó mi vocación. Murió antes del comienzo de este desastre.
-En ese documento deben asentarse los nombres de los padres del novio y de la novia, así como los testigos.
-No sé. De los detalles se encargó David. Creo que habló con un rabino amigo. Por otra parte, mi padrino fue un gran amigo suyo. Segismundo, el librero.
-También es mi amigo.
–Ahora comprendí su reticencia a abundar en detalles sobre la cuestión.
-Lo sé. Siempre le agradecí su discreción. Es una buena persona.
Un descanso marcó el final de ese capítulo que debió haber sido muy amargo en su vida. Fue un silencio breve, cargado de emotividad, sin resentimientos. Se la veía agitada, intranquila, quizá ansiosa por llegar al final de estas memorias.
-¿Se siente bien, Cecilia? ¿Quiere que dejemos acá? –A propósito la llamé por su nombre real. Ella se dio cuenta y sentí que me lo agradecía con sus ojos húmedos por la emoción. Finalmente había marcado el límite con ese pasado inpiadoso.
-No, querido. Sigamos. Tal vez esta confesión ejerza un efecto sanador, después de todo. Por favor, alcanzame un vaso de agua. Realicé su pedido. Bebió a pequeños sorbos, como degustando la frescura y el sabor del líquido.
-¿Cómo siguieron adelante? –dije una vez que me aseguré de que había recuperado sus condiciones.
-Alquilamos un pequeño departamento alejado del centro. Yo permanecía encerrada la mayor parte del día por temor a que alguien me reconociera. David empezó a trabajar como apoderado de una cooperativa de créditos y también en La Voz Israelita en una vacante temporal, ad honorem. Era lo que más le gustaba. Tiempo después, la vacante se hizo permanente y reforzó nuestra economía. Pudimos mudarnos aquí con la esperanza de recibir a los hijos que vendrían en un lugar propio. Sin embargo, nunca llegaron. Luego de tantos años, sigo creyendo que fue el castigo a mi soberbia. Pero en ese momento estaba como ciega. Supe del fallecimiento de mi padre y le negué mi último homenaje; también partió mi mamá, a la que siempre reproché su pasividad, su desinterés en defender mi causa, insignificante causa egoísta.
-Creo que ya debe dejar de responsabilizarse por todo, perdonarse. –La interrumpí para evitar la cadena de pesados eslabones de la propia recriminación.
-Fue tan difícil, Marcos. Y el pobre David a mi lado, soportando los embates de mis enojos. No dudo que te habrá llamado la atención la dureza con que te conté pormenores de la relación de David con Zelda.
–Cierto, así fue-. Nunca existió nada de eso. Fue un recurso tonto para poner distancia una vez más entre ese diabólico personaje que una vez fui y yo como soy en la actualidad. Pero, como dicen, el personaje se comió a la persona. ..
-Voy a pensarlo –concluyó con una nota de duda en el tono. .. Finalmente había marcado el límite con ese pasado impiadoso.
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[1]Hebreo: abarcante. Palio nupcial bajo el cual se colocan los novios y sus padrinos. Representa la divina presencia que está sobre ellos para convertirlos en uno. [2]Hebreo: cifra, número. Es un número mínimo de diez varones judíos mayores de 13 años, requerido para la realización de ciertos rituales, el cumplimiento de preceptos, o la lectura de oraciones. Representa el número de personas que Abraham quería salvar como última opción, cuando Dios le reveló que destruiría Sodoma y Gomorra.[3]Hebreo: por la vida. Nombre que se le da al brindis judío. [4]Hebreo: escrito. Es el acta o contrato matrimonial en el que se declara que el matrimonio se ha celebrado de común acuerdo y se detallan los derechos y obligaciones de la pareja. Figuran los nombres de los novios y de sus padres, en hebreo y en español, de los testigos de boda y la fecha de la ceremonia (en el calendario hebreo y, en algunos casos, en ambos calendarios).
I found in the funeral notices section of the online newspaper that it read the following obituary:
“With the physical disappearance of Marga Dalla Ponte, due to a cruel illness, national art loses one of its most distinguished representatives. As a teacher, he offered master classes, conducted workshops, and promoted new values with generosity and interest in revalidating titles for our country in the complex world of visual experiences. Withdrawn from classrooms and exhibitions for years, the number of people who were summoned to say goodbye to his remains was scarce. Rest in peace, teacher and friend.
The following text was then read: “Zelda Inger participates in the death of her dear friend, an indeclinable mainstay in times of sad memory, and asks a prayer to her beloved memory.” —-
I had a visit to Eugenia de Pritzker pending to inform her, among other things, that I was about to conclude the task of ordering Don David’s files, since in the new conditions it was almost impossible for me to deal with this contingency. Likewise, I proposed to present to her some issues that directly involved her. …
I found her, as usual, sitting in the kitchen, her concentration barely distracted by the television on. “I’m glad that the painting has been useful and remunerative for you,” he said with a certain spiteful touch as soon as he saw me enter.
-You are wrong. The idea was not to sell it, quite the opposite. We thought it was a way to honor him so many years after his first and only exhibition. Without counting the tragic charge that it transmits, it is very beautiful. It speaks highly of its creator, of his skills… On the other hand, it’s yours and I can return it to you whenever you want. She didn’t answer, shr just gave me a long look, not without attention.
-Allow me to tell you a story that, not because it is brief, is still dramatic?- She made a gesture with his hand as if the matter were unimportant-. It tells of a young woman named Zelda who wanted to dedicate her life to art but met with fierce opposition from her father, who had other plans not only for her but also for the rest of his children. However, at first he tolerated her aspirations to become an artist, surely in the belief that when she grew up she would abandon such nonsense and return to the right path. It was all in vain. “I don’t know who you’re referring to,” he outlined in protest. I never met those people. I continued without noticing his interruption:
-This difference reached its outcome when the Six Day War broke out between the young State of Israel against powerful armies from neighboring countries. The first days were marked by uncertainty, anguish… The ghosts that barely thirty years before had led to the concentration camps, to the extermination of our brothers, to the horrible vision of contemplating the Jews thrown into the sea, as the enemies urged on, revived. Surely in Zelda’s sensitive soul a storm of feelings was unleashed. Despair, extreme fear, anguish… Then he resorted to the only tool at his disposal, which allowed him to express himself with complete freedom. Locked in her room, in twenty-four hours of intense, feverish work, the woman in the portrait emerged, that woman who personified the horror experienced by our people throughout the 20th century. I imagine that the title emerged as an epiphany and, it is true, it was fully intended to provoke, to incite an emotional response: “Our Lady of Auschwitz”. Eugenia’s face darkened more and more. It no longer reflected irony or contempt, but a combination of anger and regret. -It was then that Zelda said: “Half Humanity takes pity for the crucifixion of a Jew and very few for the massacre of so many millions.” His eyes widened in surprise. However, she persisted in keeping quiet. I began to doubt the accuracy of my arguments.
A point of exasperation suffused the woman’s face; an instant later she vented her grudge. “I don’t understand why you are telling me this fable, it seems completely strange to me,” she said bitterly, trying to minimize its impact.
-Please, Eugenia, let me finish and I’ll explain later. The answer was a belligerent silence that did not signify acceptance but condescension. -Despite the realization of the work –I continued-, the objective of expressing its message would not have been fulfilled without having managed to expose it to the public. It is then that Reina Benazar, the cousin of Zelda’s mother, who owns an art gallery, appears. Without consulting anyone, she made the decision to take him a photograph of the portrait – an image that I was able to see – and await its trial. I guess the painting moved her and she immediately agreed to put it up for public consideration. She raised only one objection: the title. She probably assessed that it was better not to be provocative, and although Israel had managed to prevail in the war, negative sentiments persisted. Reina was the one who proposed “The Lady of the Shoah”. For a new artist, who had before her the magnificent opportunity to show a work of her own, such a suggestion did not generate any dispute. She was obsessed with the possibility of having her first showing, so she didn’t want to ruin the offer. I am convinced that she would stand up today and fight to impose her principles. Then, half a century ago, young and inexperienced, she complied with the restriction imposed on her in order to not to miss a propitious opportunity.
Upon learning of Reina’s proposal and, even worse, the positive response she received, the declaration of war was ratified. Dr. Ingerbrock did not accept either one or the other and forbade his daughter any movement towards that end. In short, Zelda felt inflamed by the winds of rebellion and left the family home behind. A fierce ostracism was imposed with the purpose of punishing her intransigence. She was a victim, but although with this action, she punished her mother and brothers with the same blow. In this way, alone in the world, far from her closest ties, the urgent need for a roof that sheltered her and, why not, a warm hug that contained her, became present. The reply to this concern was provided to me by the obituary article that Zelda Inger published on the occasion of the death of Magda Dalla Ponte where she described her friend as, I will try to mention the direct quote, “an indeclinable mainstay in times of sad memory.”
I wondered what this unfortunate circumstance could be and what was the bond that linked two women so different who, in fact, weren’t even have contact at that moment. The answer, then, must lie in their past and in what they once shared. Painting, art, dissatisfaction with patriarchal codes…
Marga then was more than the teacher, the counselor. She was the one who received her when she left the parental home. ..
-Now it remains to consider the arrival of a new character: David Pritzker. Eugenia looked at me fixedly, anxious to know what testimony she would use to support my deductions. David and Cecilia met through her brothers. Although he was older, David, a law student, felt an ideological affinity with the other two because of Zionism, socialism, the new Jewish state. Arguments were common but in the end the blood did not reach the river, as they say. She stayed away from those earthly issues, and was imbued with artistic pursuits.
However, between the two began to grow an affectivity that transcended politics, the desire to fix the world. “David learned of the news from Israel and Moses, devastated by the absence of their sister. I suppose he even offered to mediate between father and daughter to consider his return. However, neither of them was willing to resign their positions.
I have no doubt that the enamored future lawyer moved heaven and earth until he finally obtained the information, I do not know who provided it to him, although I can assume that the tip came from someone very close to them, that the owner of his sighs was staying at Marga’s house. Despite his repeated requests for the young woman to give up her attitude, she did not give up. Thus, the visits became habitual, always under the supervision of the inquisitive and distrustful chaperone, and the requirement of absolute discretion if he wished to continue with them. For the first time in my already lengthy monologue I noticed a relaxation in the tight features of the old woman’s face. It had struck a very intimate chord; I suppose the memories must have cascaded over his troubled spirit.the woman persisted in keeping unaffected.
Eugenia looked at me fixedly, anxious to know what testimony she would use to support my deductions. David and Cecilia met through her brothers. Although he was older, David, a law student, felt an ideological affinity with the other two because of Zionism, socialism, the new Jewish state. Arguments were common but in the end the blood did not reach the river, as they say. She stayed away from those earthly issues imbued with her artistic pursuits. However, between the two began to grow an affectivity that transcended politics, the desire to fix the world. David learned of the news from Israel and Moses, devastated by the absence of their sister. I suppose he even offered to mediate between father and daughter to consider his return. However, neither of them was willing to resign their positions. I have no doubt that the enamored future lawyer moved heaven and earth until he finally obtained the information, I do not know who provided it to him, although I can assume that the tip came from someone very close to them, that the owner of his sighs was staying at Marga’s house. Despite his repeated requests for the young woman to change her attitude, she did not give up. Thus, the visits became habitual, always under the supervision of the inquisitive and distrustful chaperone, and the requirement of absolute discretion if he wished to continue with them.
For the first time in my already lengthy monologue I noticed a relaxation in the tight features of the old woman’s face. It had struck a very intimate chord. I suppose that the memories had come down in a cascade over her troubled spirit.
-There are times when we act impulsively and then it’s very difficult to go back,” she said quietly, almost like an inward thought.
It was the crack tin the armor that I was waiting for, a concession that opened new and unexpected paths.
I waited for this new state to consolidate, an evolution that unfolded naturally. The woman looked at me from a new perspective, I would almost say released from a prison that she herself had woven around her, represented by a new, more diaphanous light in her eyes.
-How did you know about Marga’s gesture? –All trace of rancor had disappeared; now there was serenity in his voice, as if a weight that had always been loaded down had been shed.
-From the text of the obituary of her death. She trusted that by hiding your true identity behind names that are not your usual ones, you would avoid the attention of the indiscreet people who are never absent. Time hides everything, but the details are always there and when you least expect them, they come back.
-I did not take into account the fine perception of Marcos Opatoshu. –There was no cynicism or malice in those words, it was an assertion pronounced in passing
-Finally, David received his title and that’s when he proposed to her. Faced with this reality, any other consideration dissipated. If she did not accept, her life would always be spent in hiding and perhaps without any other possibility of starting a family; the other, to go home and beg the father’s forgiveness at who knows what price. In this way, the suitor obtained consent with an iron condition. The ceremony would be low-key, restricted to a few of her family guests. Surely, the groom thought that this was an excellent opportunity to iron out all the rough edges and start their life together debt-free. Despite the requirements raised, he accepted. Undoubtedly, it was not the wedding that any of them expected to celebrate one day, but, as they say, it was what it was.
A brief pause prompted her to take charge of the course of the story.
-We got married in a small shill on the outskirts, with a chuppah (1) above us and the exact number of men to make up a minyan (2). I am sure that David taught his family not to ask anything about my absence, which I always thanked him for, although he never made any comment to me. At the end of the ceremony, we went to a small room where we made a lechaim. (3)
-A couple of days before, we had gotten married civilly and once again David took care of the details. And there it all ended.
-When did you decide to change your name Cecilia or Zelda to Eugenia?
-At the time of writing the ketubah.(4) It was a kind of tribute to a false aunt who always supported my vocation. He died before the start of this disaster. -This document must include the names of the parents of the groom and the bride, as well as the witnesses. -I don’t know. David took care of the details. I think he spoke to a friendly rabbi. On the other hand, my godfather was a great friend of his, Segismundo, the bookseller.
-He is also my friend. I now understand your reluctance to go into detail on the matter.
-I know. I always appreciated his discretion. He is a good person.
This was a break marked the end of that chapter that must have been very bitter in her life. It was a brief silence, charged with emotion, without resentment. She looked agitated, restless, perhaps anxious to get to the end of these memories.
-Are you feeling well, Cecilia? Do you want us to stop here? I purposely called her by her real name. She noticed that, and I felt her thank me with her eyes moist with emotion. ..She had finally drawn the line with that unforgiving past. ..
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[1]Hebrew: encompassing. Bridal canopy under which the bride and groom and their godparents are placed. It represents the divine presence that is over them to make them one. [2]Hebrew: figure, number. It is a minimum number of ten Jewish men over the age of 13, required for the performance of certain rituals, the fulfillment of precepts, or the reading of prayers. It represents the number of people that Abraham wanted to save as a last option, when God revealed to him that he would destroy Sodom and Gomorrah.[3]Hebrew: for life. Name given to the Jewish toast. [4]Hebrew: written. It is the marriage certificate or contract in which it is declared that the marriage has been celebrated by mutual agreement and the rights and obligations of the couple are detailed. The names of the bride and groom and their parents, in Hebrew and Spanish, of the wedding witnesses and the date of the ceremony (in the Hebrew calendar and, in some cases, in both calendars) appear.
El artista judío nacido en Chile, Mauricio Avayu,(1968- ) dijo: “Al principio quería hacer toda la Torá, pero cuando comencé a estudiar para el proyecto me di cuenta de que sería imposible”, aunque comenzó el proyecto a fines de 2013 y solo completó la sección del mural para Génesis. Cada libro de la Torá se representará a través de ocho pinturas; incluirá 40 pinturas que representarán secuencialmente los eventos de la Torá. Avayu se refiere constantemente a la Torá antes de continuar con su trabajo. Su proceso consiste en leer la Torá , Midrash y Rashi varias veces; solo entonces las imágenes comienzan a venir a su cabeza, dice: “La parte difícil en comparación con lo que he hecho antes es que aquí no soy totalmente libre”, dice Avayu. “Con otros proyectos, tendría la inspiración y las herramientas y comenzaría a pintar. Con este proyecto, no puedo hacer eso. Tengo que comenzar a estudiar, y solo después de eso puedo comenzar mi trabajo”. Comenzó a asistir a la escuela judía en Ecuador a los 10 años y realizó dibujos de personajes y eventos de la Biblia para el anuario escolar. Hasta el momento, la obra solo se ha exhibido en Chile y EE. UU. Fue inaugurada la primera noche de Hanukkah en diciembre de 2013 en la casa del presidente de Chile.
Chilean-born Jewish artist Mauricio Avayu (1968- ) said, “At first I wanted to do the whole Torah, but when I started studying for the project I realized it would be impossible,” though he started the project in late 2013 and only completed the mural section for Genesis. Each book of the Torah will be represented through eight paintings; It will include 40 paintings that will sequentially represent the events of the Torah. Avayu constantly refers to the Torah before continuing his work. His process involves reading the Torah, Midrash, and Rashi multiple times; only then do the images start to come to her head, she says, “The hard part compared to what I’ve done before is that I’m not totally free here,” says Avayu. “With other projects, I would have the inspiration and the tools and start painting, “says Avayu. “With other projects, I would have the inspiration and the tools and start painting. With this project, I can’t do that. I have to start studying, and only after that can I start my work.” He began attending a Jewish school in Ecuador at the age of 10 and drew pictures of characters and events from the Bible for the school yearbook. So far, the work has only been exhibited in Chile and the United States. It was inaugurated on the first night of Hanukkah in December 2013 in the house of the President of Chile.
Pedro Friedeberg, aunque se nació en Italia, es un artista y diseñador mexicano conocido por su obra surrealista llena de líneas, colores y símbolos antiguos y religiosos. Su pieza más conocida es la “Hand-Chair”, una escultura/silla diseñada para que las personas se sienten en la palma de la mano, usando los dedos como respaldo y reposabrazos. Friedeberg comenzó a estudiar arquitectura pero no completó sus estudios ya que comenzó a dibujar diseños contra las formas convencionales de la década de 1950. Su trabajo llamó la atención del artista Mathias Goeritz, quien lo animó a continuar como artista. Friedeberg se convirtió en parte de un grupo de artistas surrealistas en México que incluía a Leonora Carrington y Alice Rahon, quienes produjeron obras de arte altamente provocativas, rechazando las formas de arte social y político que eran dominantes en ese momento. Desde sus primeras exposiciones individuales a fines de la década de 1950, Friedeberg se ha convertido en uno de los artistas más reconocidos de México, con sus obras de arte surrealistas que se encuentran en las colecciones de prestigiosas galerías y museos de todo el mundo. Frecuentemente conocido como el último gran excéntrico, Friedeberg crea obras absurdas e irreverentes que desafían las convenciones y superan los límites de lo imposible. Friedeberg ha tenido una reputación de por vida de ser excéntrico y afirma que “el arte está muerto porque no se produce nada nuevo”.
Adaptado from Todd Merrill Studio
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Pedro Friedeberg, although born in Italy, is a Mexican artist and designer known for his surrealist work filled with lines colors and ancient and religious symbols. His best known piece is the “Hand-Chair” a sculpture/chair designed for people to sit on the palm, using the fingers as back and arm rests. Friedeberg began studying as an architect but did not complete his studies as he began to draw designs against the conventional forms of the 1950s. His work caught the attention of artist Mathias Goeritz, who encouraged him to continue as an artist. Friedeberg became part of a group of surrealist artists in Mexico which included Leonora Carrington and Alice Rahon, who produced highly provocative art works, rejecting the social and political art forms that were dominant at the time. Since his first solo exhibitions in the late 1950s, Friedeberg has become one of Mexico’s most recognized artists, with his surreal artworks found in the collections of prestigious galleries and museums around the world. Often referred to as the last great eccentric, Friedeberg creates absurd and irreverent works that challenge convention and push the limits of the impossible. Friedeberg has had a lifelong reputation for being eccentric, and states that “art is dead because nothing new is being produced.”
Ricardo Lapin es un artista plástico, escritor y conferencista radicado en Israel. Nació en Buenos Aires, Argentina, 1961. A los 16 años partió a Israel en tiempos de la Junta Militar. Comenzó a estudiar pintura al óleo a los 10 años, y esta disciplina se convirtió en una forma de vida: también creando y también enseñando. Estudió 4 años en el Taller “Río de la Plata” en Buenos Aires (de tendencia constructivista-JoaquínTorres-García) y en la Academia Bezalel de Jerusalén (B.F.A., 1988).
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Ricardo Lapin is an artist, writer and lecturer based in Israel. He was born in Buenos Aires, Argentina, 1961. At the age of 16, he left for Israel during the time of the Military Junta. He began studying oil painting at the age of 10, and this discipline became a way of life: also creating and also teaching. He studied for 4 years at the “Río de la Plata” Workshop in Buenos Aires (constructivist-Joaquín Torres-García) and at the Bezalel Academy in Jerusalem (B.F.A., 1988).
Creo que el artista debe reflejar el “Zeitgeist” del período en el que trabaja. Mis propias luchas y dilemas, la cultura y el entorno en el que vivo están presentes en cada obra. La pintura para mí es mi lugar más protegido y estable, como un refugio invaluable. Siempre presente, desde mi más tierna infancia, a pesar de las situaciones y realidades cambiantes. Un territorio que se puede construir y cambiar sin cesar, un lugar de encuentro de recuerdos, miedos, deseos. Dentro del proceso creativo todo tiene existencia, sin nombre ni definición; un lugar donde todo es posible y reparable. .. Junto a la expresión estética, mis obras buscan examinar los límites de la justicia y la libertad, el significado de la vida y la muerte en un período de pérdida espiritual, depresión y continua devaluación de la vida humana .. Las imágenes me vienen a mí. Como despertando de un sueño, los atrapo dibujándolos, dibujándolos antes de que se escapen; luego las articulo y encuentro nuevas imágenes relacionadas, en un proceso asociativo. Puedo percibir que muchas imágenes tienen un aroma a relatos orales, recuerdos, leyendas familiares, traumas secretos. A veces llegan del misterio y se quedan ahí, incluso cuando ya están pintadas. El trabajo final es a veces una especie de oración inconclusa, para ser completada por el público, de muchas maneras sorprendentes, a veces muy lejos de mis asociaciones e ideas durante el proceso creativo. Siempre es mágico y veraz para mí darme cuenta de las múltiples formas de leer mi obra.
I believe that the artist should reflect the “Zeitgeist” of the period in which he works. My own struggles and dilemmas, the culture and the environment in which I live are present in each work. Painting for me is my most protected and stable place, like an invaluable refuge. Always present, from my earliest childhood, despite changing situations and realities. A territory that can be built and changed endlessly, a meeting place for memories, fears, desires. Within the creative process everything has existence, without name or definition; a place where everything is possible and fixable. .. Along with aesthetic expression, my works seek to examine the limits of justice and freedom, the meaning of life and death in a period of spiritual loss, depression and continuous devaluation of human life .. The images come to me me. As if waking up from a dream, I catch them drawing them, drawing them before they escape; then I articulate them and find new related images, in an associative process. I can perceive that many images have an aroma of oral stories, memories, family legends, secret traumas. Sometimes they come from the mystery and stay there, even when they are already painted. The final work is sometimes a kind of unfinished sentence, to be completed by the public, in many surprising ways, sometimes far removed from my associations and ideas during the creative process. It is always magical and truthful for me to realize the multiple ways of reading my work.
The Amphoraex22s Dream II, 2009, oil on canvas, 1 X 1,20 m
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Amplificación de la entrada por la guerra en Gaza/Enlargement of the blogpost because of the War in Gaza
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Fabriano 2023
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De: Ricardo Lapin, 16 de octubre 2023
Colgando de clavos ardientes
No me olvido, como podría/ El viernes segunda fiesta de Sucot, yendo a almorzar a lo de mi hijo mayor, se cumplió medio siglo/ Seis de octubre, a las 14 horas, volvieron las grabaciones de la catástrofe/ como un presagio maligno, “Sir basar, Sir basar” (olla de carne)-“Jamsim kaved, jamsim kaved” (Siroco pesado), los códigos para unidades de combate, presentarse de inmediato/ Fiesta, viernes, encuentro ameno y rica comida/ Por la noche el encuentro de los primos Lapines en Modiin, el tradicional encuentro de pizzas en la Sucá/ con hijos y nietos, ya unas 20 personas/ alguien me recordó que yo fui el primero en llegar de los 5 primos, y Lara con pasaje para venir en 2 semanas, luego de recibirse de arquitecta/ Brindamos por otra prima entre nosotros, en el país/ Y me fui temprano porque quedamos con amigos para el sábado en casa: empanadas caseras, chorizos y un buen vino tinto./ El sábado llegó con sirenas por la mañana/ correr a las escaleras, la vecina rusa cerrando su batón mientras trata de controlar el stress que las sirenas le producen. Charla coloquial, que carajos es esto de despertarnos en sábado de Simjá Torá/ Buscar información en noticieros, mucho caos, mucho pánico: ataque en el sur por la franja de Gaza/ Cientos de terroristas entraron-¿cómo mierda?-atacan los kibutzim, las ciudades de Sderot, de Ofaquim/ No puede ser, es una pesadilla, ¿dónde está la fuerza aérea, los tanques, las divisiones de infantería?/Llamar a mi suegra Mati en el kibutz Najal Oz: pidieron que se encierren en los cuartos blindados, todo en orden/ Adrián desde Mefalsim nos escribe que están encerrados sin electricidad, y que terroristas entraron en su kibutz, se oyen tiros, bombazos y gritos/ ¡Qué es esta pesadilla maldita, que se termine de una vez!/ Creemos que es una segunda guerra de Yom Kippur, quedamos aferrados al televisor, pero a medida que llegan informaciones y noticias, esto toma olor distinto: nos están conquistando aldeas y ciudades/ El ánimo baja a cero del mazazo, llegan informaciones confusas, todas catastróficas: jóvenes de un festival masacrados, capturan rehenes, degüellan familias maniatadas, bebés y niños, torturados, vejados y ejecutados/ No, no es 1973, yo reconozco ese tufillo infame: es el Holocausto, es mi madre huyendo de niña en la nieve, perseguida por perros y Waffen SS, por cazas Messerschmitt ametrallando caravanas de refugiados y fugitivos, escondida en sótanos o con mi abuela acostada sobre ella y su hermana Zlate, en medio de un bombardeo aéreo/ es ella adulta confesando en el filo de la demencia, que pasó abuso sexual/ Comienzan a circular fotos y vídeos de los secuestros, de las vejaciones y torturas, de los rehenes abusados/ ¡Fuimos traicionados…fueron traicionados y abandonados! / Mati sigue encerrada y bien; varias horas después, combatientes reservistas con armas en sus casas se organizan en grupos de camaradas y bajan al sur a combatir, a ayudar, a salvar civiles, ya que la nación no existe, ciega, sorda y muda/ Angustia atroz, paralizante, como un veneno que avanza por el cuerpo espeso e implacable/ que deja paso al odio feroz, a un enojo volcánico, y horas después ya comienzan las iniciativas personales y civiles frente a un gobierno inoperante: somos nación nacida a la sombra del Holocausto, somos un ADN de traumas y postraumas constantes, hilvanados como una red de cicatrices/ Operativo tras operativo, guerra tras guerra, atentado tras atentado/ muertos civiles y militares/ y allí lejos, como humo que el viento esfuma, unos intentos de paz, de convivencia, de ingenuidad/ Faivush el lituano me lo dijo “Ricardo, no se puede hacer una guerra con estos enemigos pensando que estamos luchando contra escandinavos”/ No me olvido de Subji del campamento de refugiados de Jabalya y de su compadre Rafik del campamento de Shati en Gaza, que vivían durante la semana en el kibutz, y volvían a sus casas cada weekend/ no olvido que nos construían las casas y eran casi miembros: preparaban falafel para todo el kibutz, recibían donaciones de los miembros cuando sus casas eran afectadas por el conflicto/ Recuerdo comprar mi primer mueble ya liberado del servicio en la ciudad de Gaza, unas estanterías de bambú y mimbre en la avenida Al-Nasser/ y no olvido los lupines en agua salada de Beit Lahía, o el mejor ful medames de toda Gaza a la vuelta del edificio de la Gobernación militar/ y no olvido esas playas bellísimas, de blanca arena y pescadores remendando sus redes/ y no olvido que volvimos con 5 muertos del servicio de reservas en plenas tratativas de paz en 1994 en Netzarim/ o aquel yihadista que nos comenzó a charlar en español a Caniche y a mí, confesandonos que habría atentados proximamente en España por sus desfachatez de haber convertido mezquitas en iglesias hace 500 años, en pleno zoco de Jabalya/ y mataron a Rabin y el sueño comenzó a morir con él.
Mis hijos recibieron llamados de emergencia, el siempre temido Tzav 8. También yo lo recibíen el kibutz, en 1982/ Entonces fue el Líbano, ahora Gaza, maldito lugar / Luego de una semana de comer vidrios molidos y aferrarnos a clavos ardientes, se tiene una dimensión del desastre/ el gobierno, sarta de impotentes e inoperantes, brilla por su ausencia. Mi suegra fue recatada tras 20 horas de encierro y mucha suerte / Una heroína en sus 83 años, quien lo hubiera pensado. Vecinas y vecinos de sus edades similares no tuvieron su suerte / Viajamos al sur a pedido de Michael, que anuncia que están a punto de tomar posiciones alrededor de la Franja, llevando ropa limpia, torta y alfajores, y algunas herramientas que en toda guerra hacen las cosas más llevaderas y seguras / la ruta 6 es un hervidero de camiones y semi-trailers con tanques y semiorugas, de camionetas con equipo y gente furiosa con deseos de entrar a Gaza/ En Beit Qamá la estación de servicio es un hervidero de gentes: uniformados, civiles / religiosos que ofrecen tefilim y fotos del Rebe de Lubavich / Llegamos al fin a la base que es un ordenado caos de gente, soldados, familiares y novias, reservistas, autos con banderas drusas, israelíes, de Jabad, perros y gente que reparte agua, gaseosas, shakshuka / Encontramos a Michael que recibe un par de horas para charlar y despedirse. Su primera guerra, carajo. Hace dos meses se liberó de servicio. / Te deseo lo mejor, la protección, la suerte, la supervivencia/ Recuerdo en 1982 que cada uno se aferraba, en la diabólica incertidumbre, a algún amuleto, a rezar salmos, a escribir el nombre de la novia en un brazo, a poner una foto querida en el bolsillo izquierdo de la camisa, junto al corazón/ Participé con mi suegra en su Birkat Hagomel pero no pido cosas a Dios, es como pedirlas al gobierno/ Confío en ti y en tus compañeros: vayan en paz y regresen sanos y salvos. / Es la hora del heroísmo y los milagros.
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Follow me!!!
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BY: Ricardo Lapin, October 16, 2023
Hanging on burning nails
I don’t forget, as I might have/ On Friday the second holiday of Sukkot, going to lunch at my eldest son’s, half a century before/ October 6, at 2 p.m., the sounds of the catastrophe returned/ like an evil omen, “Sir basar, Sir basar” (meat pot)-“Jamsim kaved, jamsim kaved” (Heavy Sirocco), the codes for combat units, report immediately/ Party, Friday, pleasant meeting and delicious food/ At night the meeting of the Lapines cousins in Modiin, the traditional pizza meeting in the Sukkah/ with children and grandchildren, and about 20 people/ someone reminded me that I was the first to arrive of the 5 cousins, and Lara with a ticket to come in 2 weeks, after graduating as an architect/ We toasted another cousin among us, in the country/ And I left early because we were meeting friends for Saturday at home: homemade empanadas, chorizos and a good red wine./ Saturday arrived with sirens during the morning/running to the stairs, the Russian neighbor closing her dressing gown while trying to control the stress that the sirens cause her. Colloquial talk, what the hell is this about waking up on the Sabbath of Simcha Torah/ Search for information in , a lot of chaos, a lot of panic: attack in the south through the Gaza Strip / Hundreds of terrorists entered – how the hell? – they attack the kibbutzim, the cities of Sderot, Ofaquim / It can’t be, it’s a nightmare, where is the air force, the tanks, the infantry divisions? / Call my mother-in-law Mati at the Najal Oz kibbutz: they asked to lock themselves in the armored rooms, everything in order / Adrián from Mefalsim writes to us that they are locked up without electricity, and that terrorists entered their kibbutz, shots, bombs and screams are heard/ What is this cursed nightmare, let it end once and for all!/ We believe it is a second Yom Kippur war, we remain clinging to the television, but as information arrives and news, this takes on a different smell: they are conquering our villages and cities/ The spirit drops to zero from the sledgehammer, confusing information arrives, all catastrophic: young people from a festival massacred, hostages captured, tied families, babies and children, tortured, humiliated, slaughtered and executed/ No, it is not 1973, I recognize that infamous whiff: it is the Holocaust, it is my mother fleeing as a child in the snow, pursued by dogs and Waffen SS, by Messerschmitt fighters machine-gunning caravans of refugees and fugitives, hidden in basements or with my grandmother lying on top of her and her sister Zlate, in the middle of an aerial bombardment/ she is an adult confessing, on the verge of dementia, that she suffered sexual abuse/ Photos and videos of the kidnappings, humiliation and torture begin to circulate, of the abused hostages/ We were betrayed…they were betrayed and abandoned! / Mati is still locked up and doing well; several hours and good so far. Several hours later, reservist combatants with weapons in their homes organize themselves into groups of comrades and go down to the south to fight, to help, to save civilians, since the nation does not exist, blind, deaf and mute/ Atrocious, paralyzing anguish, as a poison that advances through the thick and implacable body / that gives way to fierce hatred, to volcanic anger, and hours later personal and civil initiatives begin in the face of an inoperative government: we are a nation born in the shadow of the Holocaust, we are a DNA of constant traumas and post-traumas, woven together like a network of scars/ Operation after operation, war after war, attack after attack/ civilian and military deaths/ and there far away, like smoke that the wind dissipates, some attempts at peace, at coexistence, of naivety/ Faivush, the Lithuanian told me “Ricardo, you cannot wage war with these enemies thinking that we are fighting against Scandinavians”/ I have not forgotten Subji from the Jabalya refugee camp and his compadre Rafik from the Shati camp in Gaza, who lived during the week in the kibbutz, and returned to their homes every weekend/ I do not forget that they built our houses and were almost members: they prepared falafel for the entire kibbutz, they received donations from the members when their houses were affected by the conflict/ I remember buying my first piece of furniture already released from service in Gaza City, some bamboo and wicker shelves on Al-Nasser Avenue/ and I do not forget the lupines in salt water from Beit Lahia, or the best ful medames in all of Gaza the return of the military Government building/ and I do not forget those beautiful beaches, with white sand and fishermen mending their nets/ and I do not forget that we returned with 5 dead from the reserve service in the middle of peace negotiations in 1994 in Netzarim/ or that jihadist who began to chat in Spanish to Caniche and me, confessing that there would be attacks soon in Spain for his audacity of having converted mosques into churches 500 years ago, in the middle of the Jabalya souk/ and they killed Rabin and the dream began to die with him .
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My children received emergency calls, the always feared Tzav 8. I also received it in the kibbutz, in 1982/ Then it was Lebanon, now Gaza, damned place/ After a week of eating ground glass and clinging to burning nails, it was It has a dimension of disaster/ the government, packed with impotent and ineffective people, is conspicuous by its absence. My mother-in-law was modest after 20 hours of confinement and a lot of luck / A heroine in her 83 years, who would have thought it. Neighbors of similar ages did not have their luck / We travel south at the request of Michael, who announces that they are about to take positions around the Strip, carrying clean clothes, cake and alfajores, and some tools that in every war they make the most bearable and safe things / Route 6 is a hive of trucks and semi-trailers with tanks and half-tracks, of vans with equipment and angry people wanting to enter Gaza / In Beit Qamá the service station is a hive of people : uniformed, civilians / religious offering tefilim and photos of the Lubavich Rebbe / We finally arrive at the base which is an orderly chaos of people, soldiers, family members and girlfriends, reservists, cars with Druze, Israeli, Chabad flags, dogs and people handing out water, soda, shakshuka / We find Michael who gets a couple of hours to chat and say goodbye. His first war, damn it. Two months ago he was released from service. / I wish you the best, protection, luck, survival / I remember in 1982 that each one clung, in diabolical uncertainty, to some amulet, to pray psalms, to write the name of the bride on one’s arm, to put a beloved photo in the left pocket of the shirt, next to the heart/ I participated with my mother-in-law in her Birkat Hagomel but I don’t ask for things from God, it’s like asking the government/ I trust in you and your companions: go in peace and return healthy and saved. / It is the hour of heroism and miracles.
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PENTAEX Image
Eine kleine Nachtpatrol
Balada para la novia viuda/Ballad for the Bride-Widow
La pintora, grabadora y educadora influyente Olga Blinder nació en 1921 en Asunción, Paraguay en el seno de una familia judía. Recibió su educación formal en ingeniería y luego en educación (en la Universidad Nacional de Asunción). Su formación artística provino de la instrucción privada en Argentina y Brasil con Lívio Abramo (1902-1992), Ofelia Echagüe (1904-1987) y João Rossi. (1923–1999.) En 1954, Blinder co-fundó el grupo Arte Nuevo con Plá, Lilí del Mónico (n. 1910) y José Laterza Parodi (1915–1981), juntos organizaron la Primera Semana de Arte Moderna, que tenía como objetivo desafiar los paradigmas artísticos existentes.
The painter, printmaker, and influential educator Olga Blinder was born in 1921 in Asunción, Paraguay to a Jewish family. She received her formal education in engineering and later in education (at the Universidad Nacional de Asunción. Her art training came from private instruction in Argentina and Brazil with Lívio Abramo (1902–1992), Ofelia Echagüe (1904–1987), and João Rossi (1923–1999.) In 1954, Blinder cofounded the group Arte Nuevo with Plá, Lilí del Mónico (b. 1910), and José Laterza Parodi (1915–1981). Together they organized Primera Semana de Arte Moderna, which aimed to challenge existing artistic paradigms. Blinder’s work was groundbreaking, and her impact on the artistic milieu of her country was fundamental.
Saúl Kaminer nace en la Ciudad de México en 1952. Entre 1970-75 estudia en la Escuela Nacional de Arquitectura de la UNAM. Obtiene su titulo de Arquitecto con una tesis sobre la fundación de las ciudades prehispánicas Teotihuacán, Tula y Tenochtitlán. En 1976 se instala en Paris, donde permanece durante 22 años guardando un fuerte contacto con México. Realiza estudios de doctorado en el Instituto de Urbanismo de Paris. Actualmente comparte su tiempo entre Francia y México.Ubicado en Paris, en 1982 se hizo miembro fundador del grupo MAGIA-IMAGEN integrado por ocho artistas latinoamericanos, el cual fue disuelto en 1992, este grupo tuvo una intensa relación con el pintor Roberto Matta. Desde 1973 ha realizado 70 exposiciones individuales desde 1978 al 2020, ha participado en más de 170 exposiciones colectivas en galerías y museos de México y Paises como Francia, E. U., Nicaragua, Italia, España, Inglaterra, Argentina, Chile, Alemania, República Dominicana, Suiza, Perú, Puerto Rico y Cuba.
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Saúl Kaminer was born in Mexico City in 1952. Between 1970-75 he studied at the National School of Architecture at UNAM. He obtained his title of Architect with a thesis on the foundation of the pre-Hispanic cities Teotihuacán, Tula and Tenochtitlán. In 1976 he settled in Paris, where he stayed for 22 years keeping a strong contact with Mexico. He is doing doctoral studies at the Institute of Urbanism in Paris. He currently shares his time between France and Mexico. Located in Paris, in 1982 he became a founding member of the MAGIA-IMAGEN group made up of eight Latin American artists, which was dissolved in 1992. This group had an intense relationship with the painter Roberto Matta. Since 1973 he has had 70 individual exhibitions; From 1978 to 2020, he has participated in more than 170 collective exhibitions in galleries and museums in Mexico and countries such as France, the United States, Nicaragua, Italy, Spain, England, Argentina, Chile, Germany, the Dominican Republic, Switzerland, Peru, Puerto Rico and Cuba.
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Variaciones en el arte de Saúl Kaminer/Variations in the Art of Saúl Kaminer
Ein Sof 1963 imprint on styrene on stone and wood baseSize:62.5 x 26 x 23 cm. (24.6 x 10.2 x 9.1 in.)
Lugar del desierto
Amor lejano, Signed and dated París 94, Lithograph 37/ 150, 63 x 47 cm / 24.8 x 18.5 inches.
Las voces del cielo (The Voices in the Sky), 2018. Oil on canvas. 47 1⁄4 in. (120 cm) diameter.
The Mountain and the Seed, 2015. Glass, Wood and steel. 22 x 15 x 2 in. (56 x 38 x 5 cm.).
The Photographer
Portrait de l’Oiseau-Qui-N’Existe-Pas, 2005. Mixed media on paper laid down on canvas, 38 x 28 cm.
Le Souffle de la Terre, Oil on canvas, diameter 120 cm. 2015
La Peluquera (The Hairdresser), Oil on Canvas 65 × 45 1/2 in | 165.1 × 115.6 cm 2019
Ancêtre, Oil on canvas, 15 2/5 × 11 2/5 in | 39 × 29 cm, 2019
Tour, Metal and ceramic 10 × 9 1/10 × 7 9/10 in | 25.5 × 23 × 20 cm, 2020
Coeur du Nord, Oil on canvas, 17 7/10 × 13 4/5 in | 45 × 35 cm, 2021
Géo-écriture, Oil on wood16 1/10 × 10 3/5 in | 41 × 27 cm, 2019
“Oestrus”, óleo sobre tela, 195 x 260 cm, 2016
La boda. Engraving 30 x 27 cm 2004
Verticalité, commencement et semence, Arches cardboard 640 gr on paper, 13 1/5 × 9 3/10 in | 33.5 × 23.5 cm, 2021
Patricia Israel (1939-2011) nació en Temuco, Chile, y realizó sus primeros estudios en la Academia de Escultura de Tótila Albert para luego cursar pintura y grabado en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile. Vivió en Argentina y Venezuela. fue pintora y grabadora de origen judío adscrita a la corriente del Neo-expresionismo. Entre los ejes temáticos de su trabajo están las diversas situaciones que simbolizan la relación del humano con el mundo, desarrollando temas específicos, como el del holocausto judío, pero que traspasado al ámbito del arte, representa dolores y horrores universales. Esa unión se presenta siempre bajo un pulcro tratamiento formal que permite vislumbrar al dibujo como soporte de su imaginario, utilizando tanto el color como la tela misma, como soporte de la composición. Ese modus operandi, que ha sido la punta de lanza de su producción desde el inicio, le permitió en sus trabajos más recientes abordar con más fuerza temas americanistas. Partiendo su investigación en textos literarios, rescataba imágenes iconográficas como el conquistador y los dominados, representando la aún utópica liberación sudamericana.Israel fue la primera mujer en ganar la Bienal Internacional de Arte de Valparaíso (1991) algo muy significativo para ella, ya que desde muy el comienzo de su carrera asumió y defendió su postura como mujer, chilena y latina en defensa de la injusticia de género como analogía del sufrimiento de los oprimidos. De ahí que su pintura “Mujer” del mismo año sea un homenaje a esta lucha.Su obra ha sido exhibida internacionalmente destacando su participación en la Bienal de Venecia en 1974 y el Premio Altazor a las Artes Nacionales recibido el año después de su muerte, en 2012.
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Patricia Israel (1939-2011) was born in Temuco, Chile and studied at the Tótila Albert Sculpture Academy, before studying at the School of Fine Arts of the University of Chile. She lived in Argentina and Venezuela. She was a painter and engraver of Jewish origin attached to Neo-expressionism. Among the thematic axes of her work are the various situations that symbolize the human relationship with the world, developing specific themes, such as the Jewish Holocaust, but which, transferred to the field of art, represents universal pain and horror. This union is always presented under a neat formal treatment that allows us to glimpse the drawing as a support for his imaginary, using both color and the fabric itself, as a support for the composition.That modus operandi, which has been the spearhead of his production from the beginning, allowed her to address Americanist themes more forcefully in his most recent works. Starting her research in literary texts, she rescued iconographic images such as the conqueror and the dominated, representing the still utopian South American liberation. Israel was the first woman to win the Valparaíso International Art Biennial (1991), something very significant for her, since from the very beginning of her career she assumed and defended her position as a woman, Chilean and Latina in defense of gender injustice, as an analogy for the suffering of the oppressed. Hence, his painting “Woman” from the same year is a tribute to this fight. Her work has been exhibited internationally, highlighting his participation in the Venice Biennale in 1974 and the Altazor Award for National Arts received the year after her death in 2012.
Lihie Talmor nació en 1944 en Tel-Aviv, Israel. Recibe un B.Sc. en Arquitectura y Planificación Urbana de Technion, Haifa, Israel. Completa su B.A. en Poética y Literatura Comparada en la Universidad de Tel-Aviv en 1971 donde enseña hasta 1974. Estudió pintura en el estudio de Pinchas Abramovitz en Tel-Aviv. En 1980 se traslada a Caracas, Venezuela, y allí ingresa al Centro de Estudios de Artes Gráficas (CEGRA) de 1981 a 1983, y estudia pintura en el estudio de Walter Margulis. Desde 1984 ha trabajado en proyectos de arte, impartido y participado en cursos en centros culturales y talleres en Italia, Bélgica, Estados Unidos, Israel, Colombia y Venezuela. Trabaja en los campos del grabado, la escultura y la instalación. Talmor vive y trabaja en Israel y Venezuela.
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Lihie Talmor was born in 1944 in Tel-Aviv, Israel. Receives a B.Sc .in Architecture and Urban Planning from the Technion, Haifa, Israel. She completed her B.A. in Poetics and Comparative Literature at the University of Tel-Aviv in 1971 where she taught until 1974. Studied painting at Pinchas Abramovitz’ studio in Tel-Aviv. In 1980, moves to Caracas, Venezuela, and there enrolled at the Center of Studies for the Graphic Arts (CEGRA) from 1981 to 1983, and studied painting at Walter Margulis’ studio. Since 1984 she has worked on art projects, taught and participated in courses in cultural centers and workshops in Italy, Belgium, the United States, Israel, Colombia and Venezuela. Works in the fields of printmaking, sculptures and installations. Talmor ives and works in Israel and Venezuela.
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Lihie Talmor:
“”Mi intención no es una aproximación histórica ni periodística, ni un testimonio ni una ilustración de los conflictos. Por el contrario, los espacios que (re)creo en mi obra son más simbólicos que geográficos. En un camino serpenteante entre la fotografía, el grabado, la pintura y otras técnicas, creo ficción”.
“My intention is neither a historical nor a journalistic approach, neither testimony nor illustration of conflicts. On the contrary, the spaces I (re)create in my work are symbolic rather than geographical. On a meandering path between photography, etching, painting, and other techniques, I create fiction.”
Silvio Fischbein, 1949, artista visual y director de cine, vive y trabaja en Buenos Aires. Recibió los títulos de Arquitecto, año 1974 y Urbanista, año 1980, de la Universidad de Buenos Aires. Es Profesor Consultor de la Universidad de Buenos Aires. Participó en la creación y dirigió las Escuelas Audiovisuales de ORT, Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo de la Universidad de Buenos Aires, Facultad de Arte de la Universidad Nacional del Centro. Como guionista y director, realizó 30 cortometrajes, 5 largometrajes y 2 videoarte. Obtuvo el Premio George Meliès del Gobierno de Francia en 1984. Desde 1965, en las artes visuales, ha realizado 40 exposiciones individuales en el país y en el exterior, y ha participado en salones y exposiciones colectivas. Fue becado en varias ocasiones por los Gobiernos de Canadá y Francia. Entre otras distinciones, obtuvo la Beca Pollock – Krasner Foundation, 2015 y 2018. En 2021 obtuvo el 1er. Premio en la 26 Bienal de Arte Textil, Argentina. Presidió en repetidas ocasiones la Asociación Iberoamericana de Escuelas Audiovisuales y perteneció al comité ejecutivo de la Asociación Internacional de Escuelas de Cine y TV, CILECT. Actualmente preside AAVRA, Asociación de Artistas Visuales de la República Argentina.
Silvio Fischbein, 1949, visual artist and film director, lives and works in Buenos Aires. He received the titles of Architect, year 1974 and Urban Planner, year 1980, from the University of Buenos Aires. He is Consulting Professor at the University of Buenos Aires. He participated in the creation and directed the Audiovisual Schools of ORT, Faculty of Architecture, Design and Urbanism of the University of Buenos Aires, Faculty of Art of the National University of the Center. As a screenwriter and director, he made 30 short films, 5 feature films and 2 video art. He obtained the George Meliès Prize from the Government of France in 1984. Since 1965, in the visual arts, he has held 40 individual exhibitions in the country and abroad, and has participated in salons and collective exhibitions. He was awarded scholarships on several occasions by the Governments of Canada and France. Among other distinctions, he obtained the Pollock – Krasner Foundation Scholarship, 2015 and 2018. In 2021 he obtained the 1st. Award at the 26th Biennial of Textile Art, Argentina. He repeatedly presided over the Ibero-American Association of Audiovisual Schools and belonged to the executive committee of the International Association of Film and TV Schools, CILECT. He currently chairs AAVRA, Association of Visual Artists of the Argentine Republic.
Baruj Salinas (La Habana, 1935) pintor, escultor, grabador y ceramistacubano de origen judío, nació en La Habana, Cuba en 1935. La carrera de Salinas se inició en el campo de la arquitectura. Se graduó de la Universidad de Ohio con un título de arquitecto y emigró de Cuba a Miamia, Fla. de forma permanente en 1959. Salinas estableció en Miami y más tarde se trasladó a Barcelona, donde estudió junto a artistas Joan Miró y Antoni Tàpies. Aunque la arquitectura informó a sus primeros trabajos, poco a poco se trasladó hacia una expresión puramente abstracta. Su obra se asemeja a cuadros de espacio, donde el color es más importante que la forma y la misma se convierte en un tema principal. Hay rastros, también, de las tradiciones judías, pero haber nacido en Cuba ha hecho su impacto. Para él, Cuba es el trópico y la caña de azúcar, también es el sol y la luz. Él nunca dejará de ser cubano. Las pinturas de Salina se puede ver en las colecciones importantes de todo el mundo, como la Fundación Joan Miró, de Barcelona, el Museo Nacional de Catalunya, Barcelona, el Instituto Nacional de Bellas Artes, México DF, el Uri Museo Beit, Israel, el Museo de Fort Lauderdale de las Artes, Florida, el Museo de Bellas Artes, Budapest, el Instituto de Arte de Chicago y el Museo de Arte de Phoenix, Arizona.
Baruj Salinas (Havana, 1935) Cuban painter, sculptor, engraver and ceramicist of Jewish origin, was born in Havana, Cuba in 1935. Salinas’s career began in the field of architecture. He graduated from Ohio University with an architecture degree and immigrated from Cuba to Miami, Fla. permanently in 1959. Salinas settled in Miami and later moved to Barcelona, where he studied alongside artists Joan Miró and Antoni Tàpies. Although architecture informed his early work, he gradually moved towards a purely abstract expression. His work resembles paintings of space, where color is more important than form and form becomes a main theme. There are traces, too, of Jewish traditions, but being born in Cuba has made its impact. For him, Cuba is the tropics and the sugar cane, it is also the sun and the light. He will never stop being Cuban. Salina’s paintings can be seen in important collections around the world, such as the Joan Miró Foundation, Barcelona, the National Museum of Catalonia, Barcelona, the National Institute of Fine Arts, Mexico City, the Uri Beit Museum, Israel, the Fort Lauderdale Museum of the Arts, Florida, the Museum of Fine Arts, Budapest, the Art Institute of Chicago, and the Phoenix Art Museum, Arizona.
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El proyecto de la Torah/The Torah Project
El Proyecto Torá Humash contiene los cinco libros de Moisés en hebreo, which is the original language. The Hebrew text is accompanied by commentaries, from recognized personalities in the arts and biblical studies, written in four languages. English, Spanish, Italian and German.There are 27 unique paintings from the Jewish Cuban artist – Master Baruj Salinas, which were beautifully reproduced in the technique of litho-seriagraphy from the original paintings by the printing house Santa Chiara in the City of Urbino, Italy. This special Torah Project Humash has been printed on 100% cotton paper in 160 gr. which was supplied by the Magnani House, an Italian paper mill in Pescia, Italy. There are 126 editions of the Torah Project Humash and each one has a wooden cover (called the Jerusalem Book Cover), made by La Casa Gentili, in the small town of Fossombrone, Italy. All the books are numbered from 1 to 126 and signed by the artist Baruj Salinas and the publishing house ACC Arte Scritta, this aims to identify each book as authentic
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The Torah Project Humash has 372 pages and it contains all of the five books of Moses in Hebrew, which is the original language.The Hebrew text is accompanied by commentaries, from recognized personalities in the arts and biblical studies, written in four languages. English, Spanish, Italian and German.There are 27 unique paintings from the Jewish Cuban artist – Master Baruj Salinas, which were beautifully reproduced in the technique of litho-seriagraphy from the original paintings by the printing house Santa Chiara in the City of Urbino, Italy. This special Torah Project Humash has been printed on 100% cotton paper in 160 gr. which was supplied by the Magnani House, an Italian paper mill in Pescia, Italy.There are 126 editions of the Torah Project Humash and each one has a wooden cover (called the Jerusalem Book Cover), made by La Casa Gentili, in the small town of Fossombrone, Italy.All the books are numbered from 1 to 126 and signed by the artist Baruj Salinas and the publishing house ACC Arte Scritta, this aims to identify each book as authentic.
Roberto Burle Marx fue paisagista, arquiteto, desenhista, pintor, gravador, litógrafo, escultor,tapeceiro, ceramista, designer de jóias, decorador. Durante a infância vive no Rio de Janeiro. Vai com a família para a Alemanha, em 1928. Em Berlim, estuda canto e se integra à vida cultural da cidade, freqüenta teatros, óperas, museus e galerias de arte. Entra em contato com as obras de Vincent van Gogh (1853-1890), Pablo Picasso (1881-1973) e Paul Klee (1879-1940). Em 1929, freqüenta o ateliê de pintura de Degner Klemn. Nos jardins e museus botânicos de Dahlen, em Berlim, entusiasma-se ao encontrar exemplares da flora brasileira. De volta ao Brasil, faz curso de pintura e arquitetura na Escola Nacional de Belas Artes de Rio de Janeiro, entre 1930 e 1934.onde é aluno. Em 1932, realiza seu primeiro projeto de jardim para a residência da família Schwartz, no Rio de Janeiro. Entre 1934 e 1937, ocupa o cargo de diretor de parques e jardins do Recife, Pernambuco, onde passa a residir. Nesse período, vai com freqüência ao Rio de Janeiro e tem aulas com Candido Portinari (1903-1962) e com o escritor Mário de Andrade (1893-1945), no Instituto de Arte da Universidade do Distrito Federal. Em 1937, retorna ao Rio de Janeiro. O final da década de 1930 arca a integração de sua obra paisagística à arquitetura moderna, época em que o artista experimenta formas orgânicas e sinuosas na elaboração de seus projetos. Sua paixão por plantas remonta à juventude, quando se interessa por botânica e jardinagem, mas é em 1949 que Roberto Burle Marx organiza uma grande coleção, quando adquire um sítio de 800.000 m², em Campo Grande, Rio de Janeiro. Em companhia de botânicos, realiza inúmeras viagens por diversas regiões do país, para coletar e catalogar exemplares de plantas, reproduzindo em sua obra a diversidade fitogeográfica brasileira. Adaptado de https://www.guiadasartes.com.br/roberto-burle-marx/biografia
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Roberto Burle Marx was a Landscaper, architect, draughtsman, painter, engraver, lithographer, sculptor, upholsterer, potter, jewelry designer, decorator. During his childhood he lived in Rio de Janeiro. He went with his family to Germany in 1928. In Berlin, he studied singing and became part of the city’s cultural life, frequenting theaters, operas, museums and art galleries. He came into contact with the works of Vincent van Gogh (1853-1890), Pablo Picasso (1881-1973) and Paul Klee (1879-1940). In 1929, he attended the painting studio of Degner Klemn. In the gardens and botanical museums of Dahlen, in Berlin, he is excited to find specimens of Brazilian flora. Back in Brazil, he studied painting and architecture at the Escola Nacional de Belas Artes (Enba), Rio de Janeiro, between 1930 and 1934. In 1932, he carried out his first garden project for the Schwartz family’s residence in Rio de Janeiro. Between 1934 and 1937, he held the position of director of parks and gardens in Recife, Pernambuco, where he took up residence. During this period, he went frequently to Rio de Janeiro and took classes with Candido Portinari (1903-1962) and with the writer Mário de Andrade (1893-1945), at the Art Institute of the University of the Federal District. In 1937, he returned to Rio de Janeiro. The end of the 1930s saw the integration of his landscape work into modern architecture, a time when the artist experimented with organic and sinuous forms in the elaboration of his projects. His passion for plants dates back to his youth, when he became interested in botany and gardening, but it was in 1949 that Roberto Burle Marx organized a large collection, when he acquired an 800,000 m² site in Campo Grande, Rio de Janeiro. In the company of botanists, he made numerous trips to different regions of the country to collect and catalog plant specimens, reproducing the Brazilian phytogeographic diversity in his work. Adapted from: https://www.guiadasartes.com.br/roberto-burle-marx/biografia
Feliza Bursztyn, la escultora colombiana, nació en Bogotá en 1933 de inmigrantes judíos polacos. Bursztyn estudió, primero en Bogotá, luego en la Art Students League de Nueva York y finalmente en la Académie de la Grande Chaumière de París. Tomó una decisión temprana de trabajar con chatarra y otras piezas de material desechado. Cuando Bursztyn presentó la primera de once chatarras (esculturas hechas con chatarra) en 1961, recibió duras críticas. En 1964, con motivo de su segunda exposición individual, los críticos de arte habían reconsiderado las posibilidades de la chatarra como medio artístico. en 1967, un nuevo cuerpo de obra, realizado en acero inoxidable y con un componente cinético, se titula Las histéricas. Estas esculturas motorizadas se presentaban ocasionalmente en entornos inmersivos que incluían no solo un fuerte sonido mecánico, sino también un cortometraje titulado Hoy Feliza. Las camas, 1974 y El baile mecánica, 1979— abrazaron por completo las posibilidades del arte cinético en un entorno multimedia. Creó figuras que “bailaban” al ritmo de la música con una iluminación dramática para completar la presentación escénica. Algunos vieron estos trabajos como comentarios políticos contra el estado y la iglesia. En 1981, luego de dos viajes a Cuba, fue detenida e interrogada por militares. Pidió asilo político en México y luego se instaló en París, donde en 1982 murió de un infarto a la edad de cuarenta y nueve años. Su obra ha sido coleccionada de forma privada y también por instituciones públicas, como el Museo de Arte Moderno, el Museo Nacional de Colombia y el Banco de la República, todos en Bogotá, y la Tate Modern, Londres.
Adaptada de Marcela Guerrera, Hammer Galleries
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Feliza Bursztyn, the Colombian sculptor, was born in Bogotá in 1933 to Polish Jewish immigrants. Bursztyn study, first in Bogotá, then at the Art Students League in New York, and lastly at the Académie de la Grande Chaumière in Paris. She made an early decision to work with scrap metal and other pieces of discarded material.. When Bursztyn presented her first of eleven chatarras (sculptures made from scrap) in 1961, she received a harsh reviews. By 1964, on the occasion of her second solo show, art critics had reconsidered the possibilities of junk as an art medium. in 1967, a new body of work, made of stainless steel and with a kinetic component, was entitled Las histéricas (The hysterical ones). These motorized sculptures were occasionally presented in immersive environments that included not only a loud mechanical sound but also a short film titled Hoy Feliza (Today Feliza.) Las camas (The beds, 1974) and La baila mecánica (The mechanical dance, 1979)—fully embraced the possibilities of kinetic art in a multimedia setting. She created figures that would “dance” to music with dramatic lighting to complete the stagelike presentation. Some saw these works as political commentaries against the state and the church. In 1981, after two trips to Cuba, she was detained and questioned by the military. She sought political asylum in Mexico and then settled in Paris, where in 1982 she died of a heart attack at the age of forty-nine. Her work has been collected privately and also by public institutions, such as the Museo de Arte Moderno, Museo Nacional de Colombia, and Banco de la República, all in Bogotá, and Tate Modern, London.
adapted from de Marcela Guerrero, Hammer Galleries
Moico Yaker nació en Arequipa, Perú in 1949. Estudió Arquitectura en la University of Miami (EEUU), También estudió literatura, filosofía e historia en la Universidad Hebrea de Jerusalem, Israel. Asistió a la Escuela de Dibujo y Pintura Byam Shaw, Londres, Inglaterra y a la Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts, París, Francia. En 1982 vuelve a Perú con treinta y tres años de edad y un largo y accidentado periplo por Estados Unidos, Europa, Israel y Venezuela. Empieza entonces a definirse como «una curiosa mezcla», un artífice «sudamericano-oriental-arequipeño y judío», en busca siempre de «ese enganche astral entre los Andes y Jerusalén». Cuenta en su haber numerosas exposiciones individuales y colectivas, tanto en el Perú como en México, Brasil, Argentina, USA. Ha participado en las bienales de La Habana, Cuenca, Lima, Panamá, Sao Paulo y Venecia. Moico Yaker vive y trabaja en Lima. Adaptado de https:/cosas.pe
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Moico Yaker was born in Arequipa, Peru in 1949. He studied Architecture at the University of Miami (USA), He also studied literature, philosophy and history at the Hebrew University of Jerusalem, Israel. He attended the Byam Shaw School of Drawing and Painting, London, England and the Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts, Paris, France. In 1982 he returned to Peru at the age of thirty-three and after a long and eventful journey through the United States, Europe, Israel and Venezuela. Then he begins to define himself as “a curious mix”, a “South American-Eastern-Arequipa and Jewish” architect, always looking for “that astral connection between the Andes and Jerusalem.” Account to his credit numerous individual and collective exhibitions, both in Peru and in Mexico, Brazil, Argentina, USA. He has participated in the biennials of Havana, Cuenca, Lima, Panama, Sao Paulo and Venice. Moico Yaker lives and works in Lima. Adapted from de https:/cosas.pe
Moico Yaker busca <<Ese enganche entre los Andes y Jerusalén>>
Moico Yaker searches for “That union between the Andes and Jerusalem.”
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Pinturas/Paintings
Judaica
Judíos/Jews
Se trata del “árbol sefirótico”, considerado el principal símbolo metafísico de los cabalistas./The “Tree of life” with the ten Sefirot and the 22 Hebrew letters de los cabalistas
Detalle de Santiago Matamoros con escudo cabalita/Detail of Santiago Matamoros with a Kabbalist shield (St. James)
Santiago Matamoros a lo judío/A Jewish Version of Santiago (St. James)
Archángel Miguel/Archangel Michael
Peruano/Peruvian
Algo muere como historia pero renace como mito en estos cuadros.
Inkas y Conquistadores
Yaker le prodiga al pelo y a sus peinados.
Aborígenes/Aborigines
Fetiches/Fetishes
Moico Yaker habla en un español que es fácil entender/Moico Yaker speaks in a Spanish that is easy to follow.
Costa Rica es el hogar de aproximadamente 4000 judíos, la mayoría de ellos descendientes de los más de 300 inmigrantes de Zelechow, Polonia, que llegaron a principios de la década de 1930 en busca de oportunidades económicas y huyendo de las primeras señales de advertencia del gobierno nazi. El Museo de la Comunidad Judía de Costa Rica de San José presenta la historia de esa inmigración, así como los primeros años de los hombres como vendedores de puerta en puerta, cuando se ganaron el apodo yiddish de “clappers” por el sonido que hacían tocando puertas—se desarrolla a través de una serie de fotografías de archivo, paneles informativos y artefactos rituales. Valiosos shofars, tallits e instrumentos de brit milah atestiguan la adhesión de los primeros pobladores a la vida religiosa. El museo es parte del Centro Israelita Sionista de Costa Rica, un extenso campus inaugurado en 2004. Con 2.500 miembros, esta es la dirección principal ortodoxo para gran parte de lo judío en el país: servicios de adoración diarios, certificación de kashrut, mikvehs, educación escolar diurna, programas para personas mayores y sociedad funeraria. Hay una sinagoga reformista. Los judíos ocupan un lugar elevado y enrarecido en la sociedad costarricense. Operadores turísticos usan misma palabra: “elegante”, utilizada con reverencia en lugar de como un insulto—cuando lucha en inglés para describir a los judíos locales, muchos de los cuales son dueños de importantes concesionarios de automóviles, franquicias de comida rápida y otros negocios exitosos.
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Costa Rica is home to approximately 4,000 Jews, most of them descendants of the 300-plus immigrants from Zelechow, Poland, who arrived in the early 1930s looking for economic opportunity and fleeing the early warning signs of Nazi rule. In San José’s Museo de la Comunidad Judía de Costa Rica, the story of that immigration as well as the men’s early years as door-to-door salesmen—when they earned the Yiddish sobriquet “klappers” for the sound they made knocking on doors—unfolds through a series of archival photographs, informational panels and ritual artifacts. Treasured shofars, tallits and brit milah instruments testify to the earliest settlers’ adherence to religious life. The museum is housed in the Centro Israelita Sionista de Costa Rica, a sprawling multi-acre campus opened in 2004. With 2,500 members, this is the main address for most things Jewish in the country—daily Orthodox worship services, kashrut certification, mikvehs, day school education, senior programs and burial society. There is one Reform congregation. Jews inhabit a lofty, rarified place in Costa Rican society. Tour leaders use the word “fancy,” with reverence rather than as a slur—when struggling in English to describe local Jews, many of whom own prominent car dealerships, fast-food franchises and other successful businesses.
“Paz y amor” celebra no solamente la sobrevivencia de Sarita y su familia, sino la recepción que recibieron de los judío costarricenses y la solidaridad de esa comunidad. Trata de la adaptación de Sarita a su vida nueva en Costa Rica. También, es una historia de amor entre Samuel Rovinski que llegará a ser un escritor importante y su querida Sarita.
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“The Mountain of Saw Dust”
“Peace and Love’”celebrates not only the survival of Sarita and her family, but also the reception they received by the Costa Rican Jews and the solidarity of that community. It deals with Sarita’s adaptation to her new life en Costa Rica. Also, it is adolescent love story between Samuel Rovinski, who would become an important writer, and his beloved Sarita.
Parque de la Vida – en honor de los 190 sobrevivientes del Holocausto que hicieron sus vida en Costa Rica/ Life Park – in honor of the 190 Holocaust survivors who made their lives in Costa Rica — Velma Faingerziedt, directora
Noé Katz nació en la Ciudad de México en 1953 de padres judíos. Se inició como diseñador gráfico luego de estudiar en la escuela del INBA, en la Ciudadela, y continuó su formación en la academia de Bellas Artes de Florencia, con una beca de la embajada de Italia en México y de la Secretaría de Relaciones Exteriores.Ha incursionado en el dibujo, la pintura, la escultura y la obra mural, además de dedicarse al diseño editorial. Su obra forma parte de las colecciones del museo de arte moderno de México y otros museos del extranjero.Entre sus premios se puede mencionar el premio en el Museo Carillo Gil con el tema “Sobre el humor”. El premio de la Cámara Nacional de las Artes Gráficas en México, el premio de la revista Escala de Aeroméxico a la mejor portada con motivo del Mundial Francia ’98, el premio de la Cámara de Artes Gráficas de Brasil por su obra “El Ángel”, y quizá uno de los más representativos: El premio por su timbre postal conmemorativo a los 100 años de presencia judía en México. Adaptado de Enlace Judío de México
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Noé Katz was born in Mexico City in 1953 to Jewish parents. He began as a graphic designer after studying at the INBA school, in the Ciudadela, and continued his training at the Academy of Fine Arts in Florence, with a scholarship from the Italian embassy. in Mexico and the Ministry of Foreign Affairs. He has ventured into drawing, painting, sculpture and mural work, in addition to dedicating himself to editorial design. His work is part of the collections of the Museum of Modern Art in Mexico and other museums abroad. Among his awards we can mention the award at the Carillo Gil Museum with the theme “On humor”. The award from the National Chamber of Graphic Arts in Mexico, the award from Aeroméxico’s Escala magazine for the best cover on the occasion of the France ’98 World Cup, the award from the Brazilian Chamber of Graphic Arts for his work “El Ángel” , and perhaps one of the most representative: The award for its commemorative postage stamp for 100 years of Jewish presence in Mexico. Adapted from Enlace Judío de México
“My imagination leads me to design three-dimensional ideas. Sometimes I create on a smaller scale, imagining them being built in a much larger scale such as public spaces. Besides sculpture, I’m a full time painter who loves to let my imagination flow and I take pride in my technique as well. I enjoy the use of colors and smooth surfaces. I think that a person who wants to feel alive has to read, travel, love, and let himself be loved.” Noé Katz
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“Mi imaginación me lleva a diseñar ideas tridimensionales. A veces creo en una escala más pequeña, imaginando que se construyen en una escala mucho mayor, como los espacios públicos. Además de la escultura, soy un pintor a tiempo completo al que le encanta dejar fluir mi imaginación y también me enorgullezco de mi técnica. Disfruto el uso de colores y superficies lisas. Creo que una persona que quiere sentirse viva tiene que leer, viajar, amar y dejarse amar”. Noé Katz
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El premio por su timbre postal conmemorativo a los cien años de presencia judía en México/The prize for its commemorative postage stamp for one hundred years of Jewish presence in México
Kurt Levy nació en Alemania en 1911, pero pasó la mayor parte de su carrera pictórica en Colombia. Es célebre por sus paisajes en acuarela del campo colombiano. “Encontré la luz del Caribe como una ocasión espléndida para la gran aventura de la pintura”, dijo Levy en una exposición en Bogotá en 1959. El pintor judío huyó de Europa en 1935 y se estableció en Colombia, donde apoyó sus actividades artísticas trabajando como litógrafo. La carrera pictórica de Levy despegó en 1947 con su primera exposición individual en la Biblioteca Nacional de Bogotá. Aceptó un puesto para trabajar como profesor de dibujo y acuarela en la Universidad de Barranquilla, en el norte de Colombia, en 1956. El artista también vivió en Medellín durante varios años, trabajando como instructor de pintura y dibujo en el Centro Colombo Americano. Los paisajes colombianos de Levy, que describió como concisos y nada sentimentales, se han exhibido en todo el país.
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Kurt Levy was born in Germany in 1911, but spent most of his painting career in Colombia. He is celebrated for his watercolor landscapes of the Colombian countryside.“I found the light of the Caribbean a splendid occasion for the great adventure of painting,” Levy said at an exhibition in Bogotá in 1959. The Jewish painter fled Europe in 1935 and settled in Colombia, where he supported his artistic pursuits by working as a lithographer. Levy’s painting career took off in 1947 with his first solo exhibition at the Biblioteca Nacional de Bogotá. He accepted a position to work as a professor of drawing and watercolor painting at the University of Barranquilla, in northern Colombia, in 1956. The artist also lived in Medellin for several years, working as a painting and drawing instructor at Centro Colombo Americano. Levy’s Colombian landscapes, which he described as concise and unsentimental, have been exhibited all over the country.
Su obra ha sido un intento por encontrar su lugar en el mundo. Si bien Esther Vainstein nació en Lima en 1947, sus orígenes están en Polonia y Rumania, de donde vinieron sus padres antes de estallar la Segunda Guerra Mundial. Eso los salvó del exterminio nazi. Sin embargo, la mayoría de su familia judía en Europa pereció en loscampos de concentración. Actualmente, ella tiene una hermana y dos hijas que viven desde hace buen tiempo en Estados Unidos. Por eso, dice: “Soy la primera y la última generación de mi familia en el Perú”.Esto la llevó a buscar sus raíces a través de sus proyectos artísticos, y decidió adoptar el desierto costeño como su patria. “Yo no conozco Polonia ni Rumania y tampoco tengo ganas de ir porque no quiero visitar los campos de concentración. Esto es como una búsqueda de raíces en un país que no es el mío, como tampoco lo son Polonia ni Rumania. Yo estudié cine y trabajé nueve años en la BBC de Londres haciendo documentales sobre el Perú, viajé mucho y descubrí el desierto que para mí resulta fantástico. Es un tema recurrente en mi obra desde hace 40 años”, dice.Y el desierto costeño está conectado con lo precolombino, con culturas como Chancay, Paracas y Nazca, temas que Esther Vainstein ha desarrollado en pinturas e instalaciones como la realizada en 2007, en el ICPNA, titulada Ofrendas de Barro y Viento / Cadencia y variaciones, una exposición antológica de su obra, donde construyó una huaca enorme en la sala miraflorina. “Ese año ocurrió el terremoto en Pisco —cuenta— y se derrumbó una casa hecha de adobes en Chorrillos. Uno de los obreros que estaba trabajando conmigo me avisó del hecho y esa noche mandamos un camión a recoger esos adobes y con ellos construí la instalación de la huaca. La hice con arena negra como símbolo de la muerte causada por el terremoto. . . Fue toda una experiencia”.Lo que a ella le interesa contar es eso que se esconde y revela en la aparente inercia del desierto. “El desierto está vivo —dice— las arenas se mueven constantemente, tapan y destapan las cosas. En Paracas, en Nazca, en Palpa, por ejemplo, los vientos cambian mucho, y existen cosas que recién se han ido descubriendo, como las líneas Paracas, porque antes estaban ocultas”. Se queda en silencio y segundos después, agrega: “Hace más de 40 años, vivo frente al mar y creo que este es equivalente al desierto. Las mareas cambian, nunca nada es igual, todos los días el mar es distinto, lo mismo sucede con el desierto, por eso cada persona tiene una visión distinta de él”.
El Comercio, Lima
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His work has been an attempt to find his place in the world. Although Esther Vainstein was born in Lima in 1947, her origins are in Poland and Romania, where her parents came from before the outbreak of World War II. That saved them from Nazi extermination. However, most of his Jewish family in Europe perished in the concentration camps. Currently, she has a sister and two daughters who have long lived in the United States. For this reason, she says: “I am the first and the last generation of my family in Peru.” This led her to seek her roots through her artistic projects, and she decided to adopt the coastal desert as her homeland. “I don’t know Poland or Romania and I don’t feel like going because I don’t want to visit the concentration camps. This is like a search for roots in a country that is not mine, and neither are Poland or Romania. I studied film and worked for the BBC in London for nine years making documentaries about Peru, I traveled a lot and discovered the desert, which for me is fantastic. It has been a recurring theme in my work for 40 years ”, he says. And the coastal desert is connected with the pre-Columbian, with cultures such as Chancay, Paracas and Nazca, themes that Esther Vainstein has developed in paintings and installations such as the one carried out in 2007, at the ICPNA, entitled Offerings of Clay and Wind / Cadence and Variations, an anthological exhibition of her work, where she built a Huge huaca in the Miraflorina room. “That year the earthquake occurred in Pisco,” he says, “and a house made of adobes collapsed in Chorrillos. One of the workers who was working with me told me of the fact and that night we sent a truck to collect those adobes and with them I built the installation of the huaca. I made it with black sand as a symbol of death caused by the earthquake. . . It was quite an experience. ”What she is interested in telling is what is hidden and revealed in the apparent inertia of the desert. “The desert is alive,” he says, “the sands are constantly moving, covering and uncovering things. In Paracas, in Nazca, in Palpa, for example, the winds change a lot, and there are things that have only recently been discovered, such as the Paracas lines, because before they were hidden ”. He remains silent and seconds later, he adds: “For more than 40 years, I have lived in front of the sea and I think it is equivalent to the desert. The tides change, nothing is ever the same, every day the sea is different, the same happens with the desert, that is why each person has a different vision of it ”.
Gertrud Herta Sojková Baum nació en 1909 en Berlín de padres judíos checos. Su padre, Rudolf Sojka, era ingeniero y tenía tratos comerciales con el presidente ecuatoriano Eloy Alfaro relacionados con el sistema ferroviario ecuatoriano. Pronto la familia se mudó a Praga, Checoslovaquia. Se matriculó en la Academia de las Artes de Prusia en Berlín. Su talento como pintora la llevó a exponer en Berlín; Con el ascenso al poder de Hitler y la invasión de Checoslovaquia por el Tercer Reich, la familia judía de Sojka se vio amenazada. En 1938, Sojka se casó con Dezider Schwartz. En 1942, la pareja fue transportada al campo de concentración de Majdanek, luego al campo de trabajo de Sered y luego, en 1944, al campo de concentración de Auschwitz. Trude es trasladado al campo de concentración de Gross-Rosen, liberado por los rusos. Nunca volvería a encontrar a Dezider Schwartz. Pero encontró en la Cruz Roja un periódico de su hermano mayor, Waltre, que buscaba a su familia. Vivía en Ecuador desde 1938. Waltre había sido invitado a Ecuador para dar conferencias de química en la Universidad Central del Ecuador y, decidió quedarse allí. Trude decidió unirse a ellos. “Cuando llegué al puerto de Guayaquil , mi hermano me esperaba con los brazos abiertos.” “Solo que cuando salí del barco, fui corriendo directo a abrazar un racimo de plátanos”, solía bromear Sojka. Sojka estaba fascinado por la cultura, los pueblos indígenas y el paisaje. Ella descubre es el arte autóctono y aborigen , que comienza a estudiar cuanto antes: una fuente de inspiración para sus propias obras. Sojka comienza a trabajar para su hermano y su esposa, tanto en su fábrica como en su tienda de artesanías, llamada AKIOS, (Sojka escrito al revés), en el Centro Histórico de Quito. Cuando Sojka llegó a Guayaquil, conoció a un buen amigo de su hermano Hans Steinitz, también sobreviviente del Holocausto, quien logró huir del campo de concentración de Sachsenhausen. Se casaron. Luego, la artista se dedica casi por completo a su arte. Por estos tiempos conoce a grandes artistas ecuatorianos como Gilberto Almeida, Víctor Mideros, Manuel Rendón o, durante los 90, o Pilar Bustos. Incluso llega a enseñar escultura a Oswaldo Guayasamín. Sus primeras pinturas en Ecuador, creadas en 1950, representan sus experiencias en Auschwitz. También trabajó mucho en torno al significado de su apellido: Sojka, un pájaro que deambula por los bosques del este de Europa. Posteriormente, volvió a estudiar, pero esta vez profundamente, el arte precolombino, especialmente el arte indígena tradicional ecuatoriano y sus diferentes divinidades. Por eso, introdujo a muchas de sus figuras en su forma de pintar expresionista europea, que es única. Mientras tanto, sus pinturas se volvieron más alegres: la naturaleza, el universo, las oraciones, los recuerdos nostálgicos de su amada Checoslovaquia se convirtieron en sus temas principales. A finales del siglo XX pintó muchas más figuras tiernas. Las obras de Trude Sojka también se consideran muy especiales debido a su técnica. La artista utilizó cemento, un material muy duro y de secado rápido, para realizar sus pinturas, al igual que haría sus esculturas, dando una segunda dimensión a la superficie generalmente plana. Se le ocurrió la idea porque le encantaba trabajar con arcilla, pero el cemento era más barato y desafiante. Para fijar el cemento a la superficie de madera o cartón, utilizó un pegamento que su hermano Walter Sojka, un químico, inventó solo para ella. Además, fue pionera en Ecuador, y probablemente también en América Latina, en utilizar materiales reciclados dentro de sus obras de arte, como vidrios rotos, piezas de metal, estructuras de ruedas, tejas, tapas de cubos de basura. Con motivo del 90 cumpleaños de Sojka, la Casa de la Cultura Ecuatoriana ” Benjamín Carrión ” le rindió homenaje, nombrándola “Artista emérita” y se realizó una exposición retrospectiva de sus obras. En 2001, Sojka sufrió un derrame cerebral. Logró superarlo con un mínimo de pérdida de memoria. Continuó haciendo pinturas y esculturas pesadas con cemento y materiales reciclados hasta los noventa y cinco años. Cuando sus manos se volvieron demasiado frágiles, dejó de trabajar con cemento. Sin embargo, nunca dejó de pintar y dibujar. Se murió en 2007.
Gertrud Herta Sojková Baum was born in 1909 in Berlin to Czech Jewish parents. His father, Rudolf Sojka, was an engineer and had business dealings with Ecuadorian President Eloy Alfaro related to the Ecuadorian rail system. Soon the family moved to Prague, Czechoslovakia. He enrolled at the Prussian Academy of Arts in Berlin. Her talent as a painter led her to exhibit in Berlin; With Hitler’s rise to power and the Third Reich’s invasion of Czechoslovakia, Sojka’s Jewish family was threatened. In 1938, Sojka married Dezider Schwartz. In 1942, the couple were transported to the Majdanek concentration camp, then to the Sered labor camp, and then, in 1944, to the Auschwitz concentration camp. Trude is transferred to the Gross-Rosen concentration camp, liberated by the Russians. She would never see Dezider Schwartz again. But he found in the Red Cross a newspaper of his older brother, Waltre, who was looking for his family. He had lived in Ecuador since 1938. Walter had been invited to Ecuador to give chemistry lectures at the Central University of Ecuador and decided to stay there. Trude decided to join them. “When I arrived at the port of Guayaquil, my brother was waiting for me with open arms.” “Only when I got off the boat, I ran straight to hug a bunch of bananas,” Sojka used to joke. Sojka was fascinated by culture, indigenous peoples and the landscape. She discovers indigenous and aboriginal art, which she begins to study as soon as possible: a source of inspiration for his own works. Sojka begins to work for his brother and his wife, both in their factory and in their handicraft store, called AKIOS, (Sojka written backwards), in the Historic Center of Quito When Sojka arrived in Guayaquil, she met a good friend of her brother Hans Steinitz, also a Holocaust survivor, who managed to escape from the Sachsenhausen concentration camp. They married. Later, the artist devotes herself almost entirely to her art. During these times he met great Ecuadorian artists such as Gilberto Almeida, Víctor Mideros, Manuel Rendón or, during the 90s, or Pilar Bustos. He even taught sculpture to Oswaldo Guayasamín. His first paintings in Ecuador, created in 1950, depict his experiences at Auschwitz. He also worked hard around the meaning of his last name: Sojka, a bird that roams the forests of eastern Europe. Later, he returned to study, but this time deeply, pre-Columbian art, especially Ecuadorian traditional indigenous art and its different divinities. For this reason, he introduced many of his figures in his European Expressionist way of painting, which is unique. Meanwhile, his paintings became more joyful: nature, the universe, prayers, nostalgic memories of his beloved Czechoslovakia became his main themes. At the end of the 20th century he painted many more cute figures. Trude Sojka’s works are also considered very special due to their technique. The artist used cement, a very hard and fast drying material, to make her paintings, as she would her sculptures, giving a second dimension to the generally flat surface. She came up with the idea because he loved working with clay, but cement was cheaper and more challenging. To fix the cement to the wooden or cardboard surface, she used a glue that her brother Walter Sojka, a chemist, invented just for her. In addition, it was a pioneer in Ecuador, and probably also in Latin America, in using recycled materials within its works of art, such as broken glass, metal pieces, wheel frames, roof tiles, and garbage can lids. On the occasion of Sojka’s 90th birthday, the Ecuadorian House of Culture “Benjamín Carrión” paid tribute to her, naming her “Emeritus Artist” and a retrospective exhibition of her works was held. In 2001, Sojka suffered a stroke. She managed to get through it with minimal memory loss. She continued to make heavy paintings and sculptures with cement and recycled materials until he was ninety-five years old. When his hands became too fragile, she stopped working with cement. However, he never stopped painting and drawing. He died in 2007.
Fotos de Lene Schneider-Keiner como actriz, pintora,fotógrafa y viajera/ Photos of Lene Schneider-Keiner as a actrice, painter, photographer and traveler
Lene Schneider-Keiner nació en 1885, en Viena, Austria, en una familia judía. Estudió pintura en Viena y en Munich. La suya es la historia de una mujer judía creativa, independiente y rompedora de fronteras que se adelantó a su tiempo. Lene Schneider-Keiner fue una pintora y diseñadora de moda en Berlín en la década de 1920 que navegó por el escándalo, se vistió de hombre para dedicarse a su arte, se divorció de su marido y viajó por partes poco visitadas de Asia y Oriente Medio en el camino de Marco Polo. De 1926 a 1928, participó en una expedición a Asia, que la llevó a ella y al autor Bernhard Kellermann a Irán, Ladakh (Klein-Tibet), India, Tailandia y China. Luego se trasladó a Berlín, donde fue apoyada por la Academia de Bellas Artes de Prusia y la Villa Másimo en Roma. Tras una estancia en España en la década de 1930, se instaló en Nueva York y más tarde en Berlín. Ella escapó y se mantuvo unos pasos por delante de los nazis, y finalmente se dirigió a la ciudad de Nueva York, luego a Cochabamba, Bolivia, donde en 1954 se había mudado para encontrarse con familiares que se establecieron allí después de huir de los nazis. En Cochabamba, Bolivia, donde se hizo conocida como Elena Eleska, murió en 1971. ___________________________________________________
Lene Schneider-Keiner was born in 1885, in Vienna, Austria, to a Jewish family. She studied painting in Vienna and Munich. Her’s is the story of a creative, independent and border-breaking Jewish woman who was ahead of her time. Lene Schneider-Kainer was a painter and fashion designer in Berlin in the 1920s who navigated scandal, dressed as a man to pursue her art, divorced her husband, and traveled through little-visited parts of Asia and the Middle East. on the road to Marco Polo. From 1926 to 1928, she participated in an expedition to Asia, which took her and author Bernhard Kellermann to Iran, Ladakh (Klein-Tibet), India, Thailand, and China. She then moved to Berlin, where she was supported by the Prussian Academy of Fine Arts and the Villa Másimo in Rome. After a stay in Spain in the 1930s, she settled in New York and later in Berlin. She escaped and stayed a few steps ahead of the Nazis, eventually making her way to New York City, then Cochabamba, Bolivia, where in 1954, she moved to meet relatives who settled there after fleeing the Nazis. In Cochabamba, Bolivia, where she became known as Elena Eleska, she died in 1971.
Pinturas de sus viajes inmensos sobre la ruta de Marco Polo y más visitas del mundo/Paintings from her enormous journeys following the Route of Marco Polo and other visits around the world
Una mujer ladok de la Himalayas/A Laddock woman from the Himalayas
Un lama de las Himalayas/A lama from the Himalayas
Mujer china con bebé/Chinese Woman with Baby
Una mujer del Golfo de Persia/A Woman of the Persian Gulf
Attork
Bailarina de Siam/Siamese Dancing Girl
Una madre jóven de Persia/A Young Mother from Persia
Una mendiga en Persio/A Woman Beggar in Persia
Dos hombres de la India con frutas/Two men from India with fruit __________________________
El mercado de Peking/The Pekin market
Pueblo en las montañas Altas de Moroco/A Village in the Atlas Mountains of Morocco
Franz Weissman (1911-2005) Escultor, desenhista, pintor e professor. Veio para o Brasil em 1921. No Rio de Janeiro, entre 1939 e 1941, frequenta cursos de arquitetura, escultura, pintura e desenho na Escola Nacional de Belas Artes (Enba). De 1942 a 1944, estudou desenho, escultura, modelagem e fundição com August Zamoyski (1893-1970). Em 1945, muda-se para Belo Horizonte, onde dá aulas particulares de desenho e escultura. Três anos depois, Guignard (1896-1962) o convida a lecionar escultura na Escola do Parque, que mais tarde recebe o nome de Escola Guignard. Inicialmente, desenvolve um trabalho baseado no figurativismo. A partir da década de 1950, vai elaborando gradativamente uma obra de cunho construtivista, valorizando as formas geométricas, submetendo-as a cortes e dobras, utilizando chapas de ferro, fios de aço, alumínio em dintel ou chapa. Ingressou no Grupo Frente, em 1955. No ano seguinte, voltou ao Rio de Janeiro e participou da Mostra Nacional de Arte Concreta, em 1957. Foi um dos fundadores do Grupo Neoconcreto, em 1959. Nesse ano, viajou para a Europa e Extremo Oriente, retornando ao Brasil em 1965. Na década de 1960, expôs a série Amassados, feita na Europa com chapas de zinco ou alumínio trabalhadas com martelo, clava e instrumentos de ponta, aliando-se temporariamente ao informalismo. Depois, volta aos aspectos construtivos. Na década de 1970, recebeu o prêmio de melhor escultor pela Associação Paulista de Críticos de Arte (APCA), participou da Bienal Internacional de Escultura ao Ar Livre, em Antuérpia, na Bélgica, e da Bienal de Veneza. Realiza esculturas monumentais para espaços públicos de várias cidades brasileiras, como a Praça da Sé, em São Paulo, o Parque da Catacumba, no Rio de Janeiro e o Palácio das Artes, em Belo Horizonte.
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Franz Weissmann (1911-2005) Escultor, dibujante, pintor y maestro, llegó a Brasil en 1921. En Río de Janeiro, entre 1939 y 1941, asistió a cursos de arquitectura, escultura, pintura y dibujo en la Escuela Nacional de Bellas Artes ( En BA). De 1942 a 1944 estudió dibujo, escultura, modelado y fundición con August Zamoyski (1893-1970). En 1945 se trasladó a Belo Horizonte, donde impartió clases particulares de dibujo y escultura. Tres años más tarde, Guignard (1896-1962) lo invitó a enseñar escultura en la Escola do Parque, que más tarde recibió el nombre de Escola Guignard. Inicialmente he desarrollado un trabajo basado en el figurativismo. A partir de la década de 1950, poco a poco elaboró una obra de carácter constructivista, valorando las formas geométricas sometiéndolas a cortes y pliegues, utilizando planchas de hierro, alambres de acero, aluminio en dintel o chapa. Ingresó al Grupo Frente, en 1955. Al año siguiente, regresó a Río de Janeiro y participó en la Exposición Nacional de Arte Concreto, en 1957. Fue uno de los fundadores del Grupo Neoconcreto, en 1959. En ese año, viajó a Europa y Extremo Oriente, regresando a Brasil en 1965. En la década de 1960 expone la serie Amassados, realizada en Europa con láminas de zinc o aluminio trabajadas con martillo, maza e instrumentos afilados, alineándose temporalmente con el informalismo. Más tarde, volví al estilo constructivo. En la década de 1970, recibí el premio por mejor escultor de la Asociación de Críticos de Arte de São Paulo (APCA), participó en la Bienal Internacional de Escultura al Aire Libre, en Amberes, Bélgica, y la Bienal de Venecia. Creó esculturas monumentales para espacios públicos en varias ciudades brasileñas, como Praça da Sé, en São Paulo, Parque da Catacumba, en Río de Janeiro y Palácio das Artes, en Belo Horizonte.
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Franz Weissmann (1911-2005) Sculptor, draughtsman, painter and teacher, came to Brazil in 1921. In Rio de Janeiro, between 1939 and 1941, he attended courses in architecture, sculpture, painting and drawing at the National School of Fine Arts (Enba). From 1942 to 1944, he studied drawing, sculpture, modeling and casting with August Zamoyski (1893-1970). In 1945, he moved to Belo Horizonte, where he taught private lessons in drawing and sculpture. Three years later, Guignard (1896-1962) invited him to teach sculpture at Escola do Parque, which later received the name Escola Guignard. Initially, he developed work based on figurativism. From the 1950s onwards, he gradually elaborated a work of a constructivist nature, valuing geometric shapes, submitting them to cuts and folds, using iron plates, steel wires, aluminum in lintel or sheet. He joined Grupo Frente, in 1955. The following year, he returned to Rio de Janeiro and participated in the National Exhibition of Concrete Art, in 1957. He was one of the founders of Grupo Neoconcreto, in 1959. In that year, he traveled to Europe and the Far East, returning to Brazil in 1965. In the 1960s, he exhibited the Amassados series, made in Europe with zinc or aluminum sheets worked with a hammer, club and sharp instruments, temporarily aligning himself with informalism. Later, he came back to the constructive style. In the 1970s, he received the award for best sculptor from the São Paulo Association of Art Critics (APCA), participated in the International Biennial of Outdoor Sculpture, in Antwerp, Belgium, and the Venice Biennale. He created monumental sculptures for public spaces in several Brazilian cities, such as Praça da Sé, in São Paulo, Parque da Catacumba, in Rio de Janeiro and Palácio das Artes, in Belo Horizonte.
“O vazio sempre foi uma grande obsessão minha, o vazio ativo e não o vazio morto. O vazio está activo em relação ao conjunto de elementos de que dispõe [ao conjunto de elementos que ele tem]. Sempre tive a obsessão de não fechar portas, de abrir as janelas para ver, através delas, o mundo. Mesmo nas minhas figuras já trabalhei com o vazio, perfurei as figuras em argila e papel.”
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“El vacío fue siempre una gran obsesión mía, el vacío activo y no el vacío muerto. El vacío es activo en relación con el conjunto de elementos que tiene [ao conjunto de elementos que ele tem]. Siempre tuve la obsesión de no cerrar puertas, de abrir las ventanas para ver, a través de ellas, el mundo. Incluso en mis figuras ya trabajé con el vacío, perforé las figuras en arcilla y papel.“
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“The void was always a great obsession of mine, the active void and not the dead void. The void is active in relation to the set of elements that it has [ao conjunto de elementos que ele tem]. I always had the obsession of not closing doors, of opening the windows to see, through them, the world. Even in my figures I already worked with the void, I pierced the figures in clay and paper.”
Franz Weismann
Renato Rodrigues da Silva (2021) The (neo)concrete sculptures of Franz Weissmann: between heaven and earth, World Art, 11:1, 41-70, DOI: 10.1080/21500894.2020.1737213
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Escultura exterior/Escultura de afuera/Outdoors Sculpture
Harry Abend. Arquitecto, escultor y orfebre judío-polaco-venezolano. Su obra, se expuso en Caracas, Valencia, Brasil, Londres y Nueva York. Y en ella usó bronce, madera, cemento y otros.Nacido en Yaroslau, Polonia en 1937, llegó a Venezuela a los 11 años de edad. Comenzó a trabajar como escultor a partir de 1958, cuando estudiaba en la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad Central de Venezuela. Abend inició su actividad expositiva en 1961 y, en 1963, obtuvo el Premio Nacional de Escultura con la obra “Forma”. Un año después trabajó en Caracas junto con el escultor inglés Kenneth Armitage y artistas jóvenes venezolanos. En 1967 egresó de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la UCV. A finales de esta década realizó relieves que fueron integrados a la arquitectura de varios edificios caraqueños, entre ellos la Sinagoga de la Unión Israelita (1969) y el Hotel Caracas Hilton, hoy Hotel Alba Caracas (1969). También la Sala Plenaria de Parque Central (1974) y la Sinagoga de la Asociación Beth-El (1974-1975). Pero fundamentalmente destacado su trabajo en el Teatro Teresa Carreño (1980-1982). Luego, en 1976, el artista se mudó a Londres donde continuó desarrollando sus trabajos en madera y metal. Allí expuso en galerías como la Roundhouse Gallery y la Hayward Gallery. Pero en la capital británica vivió hasta 1982, cuando volvió a Venezuela. En los últimos años Harry Abend continuó trabajando y exponiendo. En 2019, como parte de la exhibición “Harry Abend: lo inesperado”, de la Sala Mendoza, lanzó un libro retrospectivo de su obra .
Harry Abend. Polish Venezuelan Jewish architect, sculptor and goldsmith. His work was exhibited in Caracas, Valencia, Brazil, London and New York. And in it he used bronze, wood, cement and others.Born in Yaroslau, Poland in 1937, he came to Venezuela at the age of 11. He began working as a sculptor in 1958, when he was studying at the Faculty of Architecture and Urbanism of the Central University of Venezuela. Abend began his exhibition activity in 1961 and, in 1963, he won the National Sculpture Prize with his work”Forma.” A year later he worked in Caracas together with the English sculptor Kenneth Armitage and young Venezuelan artists. In 1967 he graduated from the UCV Faculty of Architecture and Urbanism. At the end of this decade he made reliefs that were integrated into the architecture of several Caracas buildings, among them the Synagogue of the Israelite Union (1969) and the Hotel Caracas Hilton, today Hotel Alba Caracas (1969). Also the Central Park Plenary Hall (1974) and the Beth-El Association Synagogue (1974-1975). But his work at the Teresa Carreño Theater (1980-1982) was outstanding. Then, in 1976, the artist moved to London where he continued to develop his works in wood and metal. There he exhibited in galleries such as the Roundhouse Gallery and the Hayward Gallery. But he lived in the British capital until 1982. In recent years, Harry Abend continued working and exhibiting. In 2019, as part of the exhibition “Harry Abend: the unexpected” by Sala Mendoza, he launched a retrospective book of his work.
,Livio Abramo foi um desenhista, gravador e aquarelista paraguaio nascido no Brasil. Abramo nasceu em Araraquara, Brasil, filho de pais ítalo-judeus de origem sefardita. Ele descreveu seu pai como um liberal e seu avô paterno como um anarquista. Apesar de ter nascido no Brasil, adotou o Paraguai como nação e foi neste país que produziu grande parte de suas obras. Ele é considerado “um jogador-chave no desenvolvimento da arte moderna paraguaia”. Em seu livro Estágios de um itinerário: grabados, dibujos, acuarelas de Livio Abramo Abramo, Abramo afirmava que suas habilidades artísticas eram totalmente autodidáticas e que muitas de suas criações eram inspiradas em suas visões políticas. Os estudiosos consideram-no influenciado por Oswaldo Goeldi e por expressionistas alemães como Käthe Kollwitz.
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Livio Abramo fue un grabador y acuarelista paraguayo, nacido en Brasil. Abramo nació en Araraquara, Brasil, hijo de judíos italiano de origen sefardí. Describió a su padre como liberal y a su abuelo paterno como anarquista. A pesar de haber nacido no Brasil, adoptó a Paraguay, como nación y en este país produjo gran parte de sus obras. Es considerado “un jugador clave en el desarrollo del arte moderno paraguayo”. En su libro Etapas de un itinerario: grabados, dibujos, acuarelas de Livio Abramo, él afirmó que sus dotes artísticas fueron completamente autodidactas y que muchas de sus creaciones se inspiraron en sus opiniones políticas. Los estudiosos consideran que fue influenciado por Oswaldo Goeldi y por expresionistas alemanes como Käthe Kollwitz.
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Livio Abramo was a Brazilian-born Paraguayan sketcher, engraver, and aquarellist. Abramo was born in, 1903, in Araraquara, Brazil to Italian-Jewish parents of Sephardic background. He described his father as a liberal and his paternal grandfather as an anarchist. Although born in Brazil, he adopted Paraguay as his nation and it was in this country that he produced much of his work. He is considered to be “a key player in this development of Paraguayan modern art.” In his bookEtapas de un itinerario: grabados, dibujos, acuarelas de Livio Abramo ,Abramo claimed that his artistic skills were entirely autodidactic, and that many of his creations were inspired by his political views. Scholars consider him to be influenced by Oswaldo Goeldi and by German expressionists such as Käthe Kollwitz.
Stella Sidinació en Sofía, Bulgaria, junto a sus padres iniciaron un éxodo por la persecución nazi, un largo viaje hasta Buenos Aires. Argentina, donde tenían parientes.
Allí se establecieron. Através de un cuaderno, bitácora de viaje de su mamá se generó una gran muestra sobre la epopeya familiar, en Argentina y en Bulgaria, auspiciada por la Vice-presidente de su país de nacimiento (2016/2019)
Estudió en las Escuelas Nacionales de Bellas ARTES obteniendo el título de profesora. Completó sus estudios con diferentes seminarios. Coordina su estudio de enseñanza artística desde el año 1983. Participó en numerosas Ferias Nacionales e Internacionales. Concursó en gran cantidad de Salones Nacionales e Internacionales, también por Internet. Integró muchas muestras colectivas en el país y el exterior. Obtuvo 20 Premios. Columnista de Artes Plásticas desde 1995. A partir de 1999 dirige y produce su propio programa dedicado a las Artes Visuales. Actualmente en www.conexionabierta.com.ar, sábados de 4 a 5 pm hora argentina.
Stella Sidi was born in Sofia, Bulgaria, together with her family, made an exodus from Nazi persecution and a long voyage to Buenos Aires. Argentina, where they had relatives.
They settled there. Through a notebook, the travel diary of her mother, a great exhibition was created about the family epic, in Argentina and in Bulgaria, sponsored by the vice president of his country of birth (2016/2019)
She studied at the National Schools of Fine Arts obtaining the title of teacher. She completed her studies with different seminars. Since 1983, She has coordinated her workshop for art study since 1983. She participated in numerous National and International Art Fairs. She participated in a large number of National and International Salons and also online.She joined many group exhibitions in the country and abroad. She obtained 20 Awards.Stella Sidi has been an Arts Columnist since 1995. Since 1999 he directs and produces her own program dedicated to the Visual Arts. Currently at www.conexionabierta.com.ar , Saturdays from 4 to 5 pm Argentine time.
Con motivo del 90 aniversario del establecimiento de relaciones diplomáticas entre Bulgaria y Argentina por invitación del Instituto Estatal de Cultura al Ministro de Relaciones Exteriores Fondo Nacional de Endowion “13 Siglos Bulgaria” presenta la exposición “Tour del Mundo por 270 Días” de Stella Sidi en el Ministerio de Relaciones Exteriores. La exposición forma parte de la colección de NDF “13 Siglos Bulgaria”. Se presenta por primera vez en 2019 bajo el patrocinio de la Sra. Iliana Yotova, Vicepresidenta de la República de Bulgaria, en el Salón “Prof. Dr.Sc.(Econ.) Vasil Gerov” del Fondo.
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On the occasion of the 90th anniversary of the establishment of diplomatic relations between Bulgaria and Argentina at the invitation of the State Institute of Culture to the Minister of Foreign Affairs National Endowion Fund “13 Centuries Bulgaria” presents the exhibition “World Tour for 270 Days” by Stella Sidi in the Ministry of Foreign Relations. The exhibition is part of the NDF collection “13 Centuries Bulgaria”. It is presented for the first time in 2019 under the patronage of Ms Iliana Yotova, Vice President of the Republic of Bulgaria, in the “Prof. Dr.Sc. (Econ.) Vasil Gerov” Hall of the Fund.
La vuelta al mundo en 270 días/Around the World in 270 Days — Libro de artista/Artist’s Book
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Proyecto de valorización de la memoria vivida y recreada con el presente en forma cinematográfica, mixturando soportes,técnicas, hechos y palabras no lineales. Un cuaderno, bitácora de viaje escrito en francés, del viaje de 9 meses de Sofía (Bulgaria) a Buenos Aires que realicé junto a mis padres en época de crisis causada por la guerra mundial, es el disparador. bordamos países como Turquía, Irán, Irak, India, China Japón, Hawaii, Estados Unidos. Atravesamos desiertos, mares, en barcos colmados de soldados, transcurriendo días en distintos puertos hasta conseguir nuevos destinos, sin pasajes definitivos. El viaje fué concebido a través del océano Pacífico y no del Atlántico. . . Una aventura emprendida con ansias de arribar a un destino seguro y esperanzador. Un reconocimiento al país cobijador,Argentina, y sobre todo revalorizar una epopeya moderna desde un objetivo simple como vivir en paz.
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A project of that valued the lived and recreated memory and with the present in cinematographic form, mixing supports, techniques, words and words in linear format. A notebook, a travel booklet written in French, of a 9-month trip from Sofia, Bulgaria to Buenos Aires, held together by my parents during the crisis caused by the World War, is the trigger. We touch on countries like Turkey, Iran, Irak, India, China Japan, Hawaii, United States. We cross deserts, seas, in the thatched boats of soldiers, spending days in different ports until we reach new destinations, without definitive passages. The journey was conceived across the Pacific Ocean, and not in the Atlantic. . . An adventure undertaken with the desire to arrive at a safe and hopeful destiny. A recognition of the coveted country, Argentina, and above all, giving new value to a modern epic from a simple objective like living in peace.
GRACIELA SHVARTZMAN (TOVA) es Licenciada en Sociología por la Universidad de Buenos Aires y Licenciada en Historia Judía por el Instituto de Ciencias Judías de Buenos Aires. Ha sido profesora universitaria en Psicoanálisis en la Universidad de Buenos Aires, y otras Universidades, Ha ocupado cargos de dirección en la comunidad judía en Argentina, así como en programas nacionales y de Naciones Unidas (PNUD). Ha colaborado activamente en el tratamiento de las víctimas del atentado a la Embajada de Israel en Argentina, y de las víctimas del atentado de Amia en Buenos Aires y ha formado parte de la Comisión de Investigación de la DAIA sobre los judíos desaparecidos durante la dictadura. Ha impartido conferencias en Madrid, Jerusalén, Tel Aviv, etc. y ha escrito artículos sobre cultura y mitos judíos. Ha publicado “De Grietas y Entretantos” (libro de poesía). Ha realizado libros de artista (“En cualquier aquí”, “Evanescencia”) y aún investiga este campo. Ha sido parte de LABA BA desde el principio, enseñando fuentes judías.
GRACIELA SHVARTZMAN (TOVA) has a degree in Sociology from the University of Buenos Aires, and a degree in Jewish History from the Institute of Jewish Sciences of Buenos Aires. She has been a university teacher in Psychoanalysis in the University of Buenos Aires, and others Universities, She has held positions of direction in the Jewish community in Argentina, as well as in national programs and the United Nations (UNDP). She has actively collaborated in the treatment of the victims of the attack on the Israeli Embassy in Argentina, and of the victims of the Amia attack in Buenos Aires and has been part of the DAIA Commission of Investigation on the disappeared Jews during the dictatorship. She has given conferences in Madrid, Jerusalem, Tel Aviv, etc. and has written articles on Jewish culture and myths. She has published “De Grietas y Entretantos” (poetry book). She has made artist´s books (“En cualquier aquí”, “Evanescencia”) and still investigates this field. She has been part of LABA BA from the beginning, teaching Jewish sources.
Perla Bajder es licenciada en las artes visuales y es especialista en la administración cultural. Estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes y la Universidad de Barcelona. Exhibió su obra y dio clases en Córdoba, Mendoza, Río Negro (Argentina), Barcelona, Biesko Biala, Krackow and Torun (Polonia), Boston, Washington, D.C. (USA), Cappadocia (Turquía), Edinborough, Essex (Reino Unido), Florencia, Urbino (Itaia), Kazakhstan México D.F., La Havana, Quito, Santiago Transylvania (Romania), Y Vilnius (Lituania). Museos en muchos es esos lugares guardan sus obras. En 2018 fue invitada para dar seminario con producción en el instituto de Bellas Artes y una exhibición en la galería Meiki Meghara de Tetuán y presentar mi libro Un país de maravillas en la Universidad de Tetuán en el marco del XIII Encuentro Internacional de escritoras homenaje a Fatima Mernisi. Ese libro fue presentado en el mismo año en el Museo del Libro y de la Lengua por las escritoras Susana Cella Silvia Martinez de Delucchi y el académico Dr Emilio José Burucua.2019 invitada a exhibir “The Other, The Same” en el Museo Grebocin de la ciudad Medieval de Torun, Polonia,Estaba programada la muestra en la galería de la Universidad de Poznan.En 2020 fue seleccionada mi serie “Familia de Bacterias Eróticas Americanas para participar de la exhibición art week organizada por la Universidad de POZNAN y la Universidad de GRANADA. En 2021 envié pequeños trabajos sobre Diversity; y el Small Graphic Bienal para Interart Foundation, Aiud, Rumania. Participaré con ellos en el programa artista en residence August 2021.
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Perla Bajder earned a degree in visual arts and is a specialist in cultural administration. She studied at the National Schools of Fine Arts and at theUniversity of Barcelona. She exhibited her work and gave classes in Córdoba, Mendoza, Río Negro (Argentina), Barcelona, Biesko Biala, Krackow and Torun (Poland), Boston, Washington, D.C. (USA), Cappadocia (Turkey), Edinborough, Essex (United Kingdom), Florencia, Urbino (Italy), Kazakhstan México City., Havana, Quito, Santiago (Chile), Transylvania (Romania), Y Vilnius (Lithuania). Museums in many of these places show her Works .In2018 she was invited to give a seminar with production at the Institute of Fine Arts and an exhibition at the Meiki Meghara Gallery in Tetuan and present my book A country of wonders at the University of Tetuan in the framework of the XIII International Meeting of Writers homage to Fatima Mernisi. That book was presented in the same year at the Museum of the Book and Language by the writers Susana Cella Silvia Martinez de Delucchi and the academic Dr Emilio José Burucua. 2019 invited to exhibit “The Other, The Same” at the Grebocin Museum of the Medieval city of Torun, Poland, The exhibition was scheduled in the gallery of the University of Poznan. In 2020 my series “Family of American Erotic Bacteria was selected to participate in the art week exhibition organized by the University of POZNAN and the University of GRANADA.In 2021 I sent small papers on Diversity; and the Small Graphic Biennial for Interart Foundation, Aiud, Romania. I will participate with them in the artist program in residence August 2021.
La Torá dice: El hombre es un árbol del campo. Como el árbol arraigado a la tierra, son las emociones las que expresan nuestra profundidad . Asegurar al igual que los árboles nuestro arraigo en el sustento espiritual depende de nuestra conexión profunda con nuestra esencia. Al igual que el árbol, tenemos raíces, tronco y frutos. Las raices no son visibles y están profundamente enterradas, son las que dan vida al arbol.
Tenemos una parte invisible: la fe, es la que nos sostiene y le da sustento a nuestra vida. El tronco y las ramas son visibles, asi como los frutos que contienen la semillas a través de las cuales el árbol se propaga. El tronco es el intelecto y las emociones y los frutos el producto de nuesra existencia que se propaga después de nuestra desaparición física. Las ramas son ideas y raíces en acción. El que tiene mas sabiduría que acción es como un árbol frondoso que tiene pocas raíces, cualquier viento lo voltea. El que tiene acciones mas que sabiduría es capaz de resistir todos los vientos- Rabino Shemtov Shoftim
El tiempo suspendido, en que la incertidumbre y la ansiedad nos envuelven, los valores del espíritu son los que pueden darme respuesta. Mi cuerpo pierde material en la comunicación virtual y me alejo del corazón de las cosas simples . Se me están cerrando los sentidos . Me siento como un golem ciego a las huellas, como las piedritas que dejaban Hansel y Gretel con la esperanza de ser rescatados en el bosque.
Aunque parezca que miro de lejos el sentimiento de orfandad que sintieron Hansel y Gretel me recuerda el tiempo de las noches de verano, cuando la luna iluminaba los fragmentos de mi memoria confundidos al sonido del follaje que respiraban las hojas, los olores frescos , la manzana que caía para unirse al suelo, entonces escuchaba la voz de mi madre …no lejos cae lamanzana del árbol. Ahora en la necesidad de volver a conectarme con lo que he dejado allí fabrico paisajes de mar de tinta para poder estar. En esa necesidad de encontrar las huellas mi relación con el árbol se vueve emocional Contemplarlo, buscar cobija,inundarme de su esencia para descubrir seres y cosas y volver a las huellas.
Prof. Perla Bajder/ Lic. en Artes Visuales/ Universidad Nacional de las Artes/ Buenos Aires/Argentina
The Torah says: Man is a tree of the field. Like the tree rooted in the ground, it is our emotions that express our depth. Ensuring like trees our roots in spiritual sustenance depends on our deep connection with our essence. Like the tree, we have roots, trunk and fruits. The roots. They are not visible and are deeply buried, they are what give life to the tree.
We have an invisible part: faith, It is what sustains us and gives sustenance to our life. The trunk and branches are visible, as well as the fruits that contain the seeds through which the tree propagates. The trunk is the intellect and the emotions and the fruits the product of our existence that spreads after our physical disappearance. Branches are ideas and roots in action. He who has more wisdom than action is like a leafy tree that has few roots, any wind will turn it over. He who has actions more than wisdom is able to resist all winds- Rabbi Shemtov Shoftim
The suspended time, in which uncertainty and anxiety surround us, the values of the spirit are the ones who can give me answer. My body loses material in virtual communication and I get away from the heart of the simple things. My senses are closing. I feel like a golem blind to footprints, like the pebbles left by Hansel and Gretel hoping to be rescued in the forest.Although it seems that I look from afar the feeling of orphan that Hansel and Gretel felt reminds me of the time of summer nights, when the moon illuminated the fragments of my memory confused by the sound of the foliage that the leaves breathed, the fresh smells, the apple fell to join the ground, then listened the voice of mother … not far falls theapple from the tree. Now in need; to reconnect with what I have left there, I make landscapes of sea of ink to be able to be. In that need to find the traces, my relationship with the tree becomes emotional Contemplating it, seek shelter, flood myself with its essence to discover beings and things and go back to the tracks.
Prof. Perla Bajder / Graduate in Visual Arts / National University of the Arts / Buenos Aires / Argentina
DIBUJOS DE TINTA SOBRE PAPEL/ PEN AND INK DRAWINGS
Y mañana serán árboles/And Tomorrow They Will Be Trees
La imagen de mis padres casándose y navegando en un pequeño bote hacia la Argentina/The picture of my parents getting married and travelling in a small boat toward Argentina
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La rebelión de los árboles/The Rebellion of the Trees
Patricia Indij nació en Buenos Aires, Argentina en 1961. Arquitecta, Universidad de Buenos Aires. Su formación artística fue adquirida en talleres de pintura de los maestros Heriberto Zorrilla, Helena Distéfano y clínica de obra con Marino Santamaría.
Estudió teoría del arte, materias de posgrado de Especialización en curaduría en arte. Trabaja en sus producciones de curaduría, realiza curadurías de arte en instituciones y dicta clases de pintura en su taller en Buenos Aires.
Muestras individuales en Argentina: Colegio Pestalozzi 2019; Universidad UNLam, 2018, Teatro Nacional Cervantes 2016, Multiespacio de arte, Gral Pico, La Pampa 2015, Bolsa de Comercio de Bs As, 2015; Museo del Holocausto 2014, Consejo profesional de Ciencias Económicas 2014, Centro Cultural Borges 2012, Honorable Senado de la Nación 2009, Museo de la mujer 2009, Museo Manzana de las Luces “La noche de los Museos“2009, Museo Municipal de Bellas Artes de Luján 2008, Galería Bonenkamp Revale 2008, Espacio arte Aeropuertos internacional Jorge Newbery, Buenos Aires, Mendoza, Jujuy y Resistencia
Muestras colectivas: Museo Marítimo de Ushuaia 2012, Museo Metropolitano 2010, Bolsa de comercio de Buenos aires 2015, Crucero MS Bs. As, Punta del Este, Río de Janeiro 2009/2010.Galerías de Arte en Buenos Aires, y Uruguay, ferias de arte Eggo 2015, Expotrastiendas 2006/2007/2010.
En el exterior, Muestras individuales: La Maison de l`Amerique Latine 2013, Embajada Argentina en Berlín 2012, Casa Argentina en París Ciudad Internacional Universitaria.
Patricia Indij was born in Buenos Aires, Argentina in 1961. Architect, Universidad de Buenos Aires. Her artistic training was acquired in the painting workshops of the masters Heriberto Zorrilla, Helena Distéfano and work clinic with Marino Santamaría.
She studied art theory, postgraduate courses of Specialization in curatorship in art. She works on her curaturial productions, conducts art curatorships in institutions and teaches painting classes in her workshop in Buenos Aires.
Individual Exhibitions in Argentina : Colegio Pestalozzi 2019; UNLam University, 2018, National Cervantes Theater 2016, Multiespacio de arte, Gral Pico, La Pampa 2015, Buenos Aires Stock Exchange, 2015; Holocaust Museum 2014, Professional Council of Economic Sciences 2014, Borges Cultural Center 2012, Honorable Senate of the Nation 2009, Museum of Women 2009, Manzana de las Luces Museum “The Night of Museums” 2009, Municipal Museum of Fine Arts of Luján 2008, Bonenkamp Revale Gallery 2008, Jorge Newbery International Airports Art Space, Buenos Aires, Mendoza, Jujuy and Resistencia
Collective exhibitions : Maritime Museum of Ushuaia 2012, Metropolitan Museum 2010, Buenos Aires Stock Exchange 2015, Cruise ship MS Bs. As, Punta del Este, Rio de Janeiro 2009/2010. Galleries of Art in Buenos Aires, and Uruguay, Eggo art fairs 2015, Expotrastiendas 2006/2007/2010.
Abroad, individual exhibitions : La Maison de l`Amerique Latine 2013, Argentine Embassy in Berlin 2012, Argentine House in Paris International University City.
Una experiencia desbordante/An Exuberant Experience
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Obras de tinta sobre papel/Works of Ink on paper
Tinta 01/Tinta 01
Tinta 09/Ink 09
Tinta 05/Ink 05
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“INOCENCIA EN FUGA…BERLIN Y SUS FANTASMAS” (selecciones de una exhibición sobre Berlín y el Holocausto)
“una sucesión de imágenes que en cámara lenta hablan de destrucción, de guerra, de una ciudad inmersa en el humo y los escombros, en donde se vislumbran siluetas solitarias, oscuras, quemadas, perdidas, caminando bajo el ensordecedor ruido de aviones rasantes o el crujir de estructuras de rascacielos a punto de caer”.
Irene Jaievsky. ex-curadora Museo del Holocausto.
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“INNOCENCE ON THE RUN … BERLIN AND ITS GHOSTS” (selections from an exhibition on Berlin and the Holocaust)
“A succession of images that in slow motion speak of destruction, of war, of a city immersed in smoke and debris, where lonely, dark, burned, lost silhouettes are glimpsed, walking under the deafening noise of low planes or the creak of skyscraper structures about to fall ”.
Irene Jaievsky, Former Curator of the Holocaust Museum, Buenos Aires
Prófugos de la esperanza/ Fugitives of Hope
El aliento de los inocentes/The Breath of the Innocents
Leonor Coifman, ha cursado estudios en las Escuelas Nacionales de Arte Manuel Belgrano y Prilidiano Pueyrredón, estudió Historia del Arte con Córdova Iturburu, Crítica Plástica con Moraña y perfeccionamiento plástico con Juan Muñeza, habiendo realizado labor docente en escuelas de la Municipalidad de la Ciudad de Buenos Aires y en su taller de Libre Expresión para niños.
Ha realizado numerosas exposiciones colectivas e individuales en conocidas instituciones tales como el Fondo Nacional de las Artes, el salón Isidoro Steimberg, Universidad de Belgrano, Ateneo Popular de la Boca, Sociedad de artistas Plásticos, Círculo Hebreo Argentino, Teatro Municipal General San Martín, Manzana de las Luces, Planetario Galileo Galilei, etc.Ha expuesto en las ciudades más importantes del Perú, en la Ciudad española de Vigo, en México (Primera Bienal Iberoamericana de Pintura).
Leonor Coifman, has studied at the Manuel Belgrano and Prilidiano Pueyrredón National Art Schools, studied Art History with Córdova Iturburu, Art Criticism with Moraña and advanced art with Juan Muñeza, having done teaching work in schools of the Municipality of the City of Buenos Aires and in its Free Expression workshop for children.
He has made numerous collective and individual exhibitions in well-known institutions such as the National Arts Fund, the Isidoro Steimberg room, the University of Belgrano, Ateneo Popular de la Boca, the Society of Plastic Artists, the Argentine Hebrew Circle, the General San Martín Municipal Theater, Manzana. de las Luces, Planetarium Galileo Galilei, etc. He has exhibited in the most important cities of Peru, in the Spanish City of Vigo, in Mexico (First Ibero-American Biennial of Painting.)
Libro Artista: Tema de Luz/ Artist’s Book: Theme of Light
The candle burns in my window/I, Leonor Coifman, about to turn/eighty-one follow it’s dance, hoping that it with/ it’s light dissipate my shadows and illuminate my world/ and the whole world. /And while the story comes to my memory of the Rabbi and his teaching in “While the Candle Burns” life/ there is still time to repair, to reinvent one’s self, to begin again, to return to make mistakes again and/ to get up again, despite the/shadows that accompany us,/While a candle burns in my window, the light shines, I have life. — Leonor CoifmanOn Shabbat, Genie lights the additional/candles, in honor of the many grandmothers, that she found to be Jewish/but had never/been able to light the Sabbath candles./On lighting these candles/Genie imagines them/standing at her side/sharing that/sacred moment. — After centuries,/her Jewish condition. — GenieWhat appears to be an act of faith/to light the candles to welcome Shabbat/ to thank life, is a gift to the soul./while two doves wait to take off,/ carrying a message of light. — Martha WolffWhat signs are there in the sky,/I can’t decipher from them/what mystery is hidden in my being/that I can’t decipher (find.) I walk in my soul/move blindly looking for signs./figuring out day by day/what I live (or what I dream)/Knowing that the first road/ is for the inside and that later/I will be able fly off through the world. — Leonor CoifmanA candle, lit, chalice of fire,/between the sky that says goodbye to the day,/its clarity dying in order to give itself/ to the penumbra of the night. small among the immensity that surrounds it/is for Shabbat, the little universe./that prays thanking the Divine Light. — Martha WolffBits of Time Lived — Life is not delivered with/an expiration date, and when that date/approaches us, with serenity and fear,/ we look at ita course and like a puzzle, we begin to put together the times live/with pressure and with love. — Leonor CoifmanQuestions and Answers — November 19, 2014,/at nightfall, whenever we have the courage/to ask our being what it needs,/dawn will break and on our pillow/will be the answer./Our life cannon be lived by others, life has to be lived with a passion/so intense, that it hurts./To know that it was fought for/cried over, laughed over and that/is the only way that I know about, to know/that I am here, doing it. Deserving of being Alive.Two candles brighten, two doves/ pairing with the believer and with the Creator/ creating an invisible union of love/ and celebration. — Martha WolffBuilding Dreams — History speaks of our wisdom/ among the nations and it is necessary ro remind then/ again. Everyone of us, will be a/ bastion with a common front against/ discrimination, hatred and ignorance./ Let us be the dignified transmitters of our legacy/ for future generations, so the Miracle of Light is not lost. – Leonor CoifmanI am fertile earth, which has been seeded/ since a time without history, Seeds of Faith./ My soul conserves deep roots from/ immemorial time, of epopeyas/of vast passages which tenuous threads unite/ with infinite skies, whirlwinds of light and darkness,/that populate the spiralled trip/ in lapsus of life and death. — Leonor Coifman
Identidad y diversidad: Libro de Artista , cada uno de los catorce artistas visuales judíos latinoamericanos reacciona a través del arte a un poema de cada uno de los catorce poemas de un poeta judío latinoamericano. Ninguno de los artistas simplemente ilustró el poema, sino que utilizó pintura, dibujo, grabado y fotografía para expresar su comprensión de la poesía. Por lo tanto, la poesía y el arte, conectados, crean una sinergia que expande enormemente el poder de ambos. Luego se agregaron las traducciones de los poemas al inglés para que una audiencia más amplia pudiera apreciar el efecto acumulativo de la interacción de la poesía y el arte. Como la de los poetas, la obra de los artistas incorpora los valores judíos con la cultura de su país de nacimiento de adopción: Argentina, Uruguay, México, Brasil, Costa Rica, Cuba, Perú, Bolivia y Venezuela: dos de Argentina se habían asentado en Israel. Los catorce poemas tratan temas centrales de la experiencia judía latinoamericana: la identidad judía, el Holocausto, el sentido de ser o no ser igual a otros ciudadanos en una República latinoamericana, el bombardeo del centro comunitario AMIA en Buenos. Aires en 1994, Israel, Sefarad (España medieval antes de la Expulsión), la Biblia y la Cabalá.
Al crear cada uno de los libros de artista separados, de 17 ”de alto por 11” de ancho, el poema, el arte original y el poema en inglés y las biografías breves de los poetas y las artes se encuadernaron en un gran trozo de cartón pesado doblado; cada combinación, entonces, se convirtió en un libro de artista individual. Los catorce llevan el mismo diseño de portada que unifica al grupo. Este artículo de “América Latina judía” y el que le sigue son entradas del catálogo de una exposición que se exhibió en el Museo Judío de Buenos Aires, la Librería El Péndulo-Polanco de la Ciudad de México y, en Estados Unidos, en el Consulado Argentino en Nueva York, Northeastern University, University of Texas-Austin, University of Denver, Arizona State University, University of Wisconsin-Milwaukee y Emmanuel College en Boston. Permanecen en exhibición permanente en el Centro Schusterman de Estudios Judíos de la Universidad de Texas-Austin.
Los creadores del proyectos son Perla Bajder, Irene Jaievsky y Stephen A. Sadow
In this collection Identity and Diversity: Artist Book, each of fourteen Latin American Jewish visual artists react through art to one poem by each of fourteen poems by a Latin American Jewish poet. None of the artists simply illustrated the poem, but rather uses painting, drawing, engraving and photography to express their understanding of the poetry. Hence, poetry and art, connected, create a synergy that greatly expands the power of both. The translations of the poems into English were then added so that a broader audience could appreciate the cumulative effect of the interaction of poetry and art. Like that of the poets, the work of the artists incorporates Jewish values with the culture of their country of birth of adoption: Argentina, Uruguay, Mexico, Brazil, Costa Rica, Cuba, Peru, Bolivia and Venezuela: two from Argentina had settled in Israel. The fourteen poems deal with central issues of the Latin American Jewish experience: Jewish identity, The Holocaust, the sense of being or not being an equal to other citizens in a Latin American Republic , the bombing of the AMIA community center in Buenos Aires in 1994, Israel, Sepharad (medieval Spain before the Expulsion,) the Bible and Kabbalah.
In creating each of the separate artist books, 17” high by 11” wide, the poem, the original art and the poem in English and short biographies of the poets and arts were bound into a large folded piece of heavy cardboard; each combination, then, became an individual artist’s book. All fourteen bear the same cover design which unifies the group. This post in “Jewish Latin America” and the one that follows it entries from the catalogue of an exhibit that was shown in the Jewish Museum of Buenos Aires, the El Péndulo-Polanco Bookstore in Mexico City, and, in the United States, at the Argentine Consulate in New York, Northeastern University, the University of Texas-Austin, The University of Denver, Arizona State University, the University of Wisconsin-Milwaukee and Emmanuel College in Boston. They remain on permanent exhibition at the Schusterman Center for Jewish Studies at the University of Texas-Austin.
The projects creators are Perla Bajder, Irene Jaievsky y Stephen A. Sadow
En esta colección Identidad y Diversidad: Libro de Artista, cada uno de los catorce artistas visuales judíos latinoamericanos reacciona a través del arte a un poema de cada uno de los catorce poemas de un poeta judío latinoamericano. Ninguno de los artistas simplemente ilustró el poema, sino que utilizó pintura, dibujo, grabado y fotografía para expresar su comprensión de la poesía. Por lo tanto, la poesía y el arte, conectados, crean una sinergia que expande enormemente el poder de ambos. Luego se agregaron las traducciones de los poemas al inglés para que una audiencia más amplia pudiera apreciar el efecto acumulativo de la interacción de la poesía y el arte. Como la de los poetas, la obra de los artistas incorpora los valores judíos con la cultura de su país de nacimiento de adopción: Argentina, Uruguay, México, Brasil, Costa Rica, Cuba, Perú, Bolivia y Venezuela: dos de Argentina se habían asentado en Israel. Los catorce poemas tratan temas centrales de la experiencia judía latinoamericana: la identidad judía, el Holocausto, el sentido de ser o no ser igual a otros ciudadanos en una República latinoamericana, el bombardeo del centro comunitario AMIA en Buenos. Aires en 1994, Israel, Sefarad (España medieval antes de la Expulsión), la Biblia y la Cabalá.
Al crear cada uno de los libros de artista separados, de 17 ”de alto por 11” de ancho, el poema, el arte original y el poema en inglés y las biografías breves de los poetas y las artes se encuadernaron en un gran trozo de cartón pesado doblado; cada combinación, entonces, se convirtió en un libro de artista individual. Los catorce llevan el mismo diseño de portada que unifica al grupo. Este artículo de “América Latina judía” y el que le sigue son entradas del catálogo de una exposición que se exhibió en el Museo Judío de Buenos Aires, la Librería El Péndulo-Polanco de la Ciudad de México y, en Estados Unidos, en el Consulado Argentino en Nueva York, Northeastern University, University of Texas-Austin, University of Denver, Arizona State University, University of Wisconsin-Milwaukee y Emmanuel College en Boston. Permanecen en exhibición permanente en el Centro Schusterman de Estudios Judíos de la Universidad de Texas-Austin.
Los creadores del proyecto son Perla Bajder, Irene Jaievsky y Stephen A. Sadow
In this collection Identity and Diversity: Artist Book, each of fourteen Latin American Jewish visual artists react through art to one poem by each of fourteen poems by a Latin American Jewish poet. None of the artists simply illustrated the poem, but rather uses painting, drawing, engraving and photography to express their understanding of the poetry. Hence, poetry and art, connected, create a synergy that greatly expands the power of both. The translations of the poems into English were then added so that a broader audience could appreciate the cumulative effect of the interaction of poetry and art. Like that of the poets, the work of the artists incorporates Jewish values with the culture of their country of birth of adoption: Argentina, Uruguay, Mexico, Brazil, Costa Rica, Cuba, Peru, Bolivia and Venezuela: two from Argentina had settled in Israel. The fourteen poems deal with central issues of the Latin American Jewish experience: Jewish identity, The Holocaust, the sense of being or not being an equal to other citizens in a Latin American Republic , the bombing of the AMIA community center in Buenos Aires in 1994, Israel, Sepharad (medieval Spain before the Expulsion,) the Bible and Kabbalah.
In creating each of the separate artist books, 17” high by 11” wide, the poem, the original art and the poem in English and short biographies of the poets and arts were bound into a large folded piece of heavy cardboard; each combination, then, became an individual artist’s book. All fourteen bear the same cover design which unifies the group. This post in “Jewish Latin America” and the one that follows it entries from the catalogue of an exhibit that was shown in the Jewish Museum of Buenos Aires, the El Péndulo-Polanco Bookstore in Mexico City, and, in the United States, at the Argentine Consulate in New York, Northeastern University, the University of Texas-Austin, The University of Denver, Arizona State University, the University of Wisconsin-Milwaukee and Emmanuel College in Boston. They remain on permanent exhibition at the Schusterman Center for Jewish Studies at the University of Texas-Austin.
The projects creators are Perla Bajder, Irene Jaievsky y Stephen A. Sadow
José Sacal, mexicano de herencia judía, nació en la ciudad de Cuernavaca, Morelos, en 1944. A temprana edad, asistió a la Escuela de Artes del Instituto Nacional de Bellas Artes de Morelos, donde tuvo su primer encuentro con pintura y modelaje. Luego se mudó a la Ciudad de México, donde asistió a la escuela secundaria y trabajó en el Hospital Psiquiátrico de La Castañeda, proponiendo actividades creativas para la rehabilitación de los reclusos. Más tarde, Sacal ingresó a la UNAM donde comenzó sus estudios en medicina. Allí, sus prácticas en el teatro anatómico se destacaron y le proporcionaron un conocimiento sobresaliente de la anatomía humana. Durante este período, dedicó una gran parte de su tiempo a asistir a clases en la Escuela de Pintura y Escultura de La Esmeralda. A los 24 años, comenzó a trabajar como diseñador de moda y realizó visitas a París, Roma y Nueva York. Finalmente, Sacal decidió enfocarse exclusivamente en el trabajo de escultura, primero con plastilina y finalmente con arcilla, un material que sigue siendo el “receptor moldeable de sus sentimientos”. La calidad del trabajo de Sacal ha sido y sigue siendo aplaudida, causando controversia y anticipación en sus más de 40 exposiciones individuales y docenas de colaboraciones dentro de su propio país y el mundo.Jose Sacal continuó trabajando como escultor hasta que falleció a fines de 2018. El Clinton Center, en Little Rock, Arkansaw, en asociación con el Consulado de México y la Fundación José Sacal Micha, presentó una exposición del trabajo del escultor José Sacal, en celebración del Día de la Independencia de México y el Mes Nacional de la Herencia Hispana.
Adaptado de EnlaceJudío de México y The Clinton Foundation
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José Sacal, a Mexican of Jewish heritage, was born in the city of Cuernavaca, Morelos, in 1944. At an early age, he attended the School of Arts of the National Institute of Fine Arts of Morelos, where he had his first encounter with painting and modeling. He then moved to Mexico City, where he attended high school and worked at the La Castañeda Psychiatric Hospital, proposing creative activities for the rehabilitation of inmates. Later, Sacal entered UNAM where he began his studies in medicine. There, his practices in anatomical theater stood out and provided him with an outstanding knowledge of human anatomy. During this period, he devoted a large part of his time to attending classes at the La Esmeralda School of Painting and Sculpture. At age 24, he began working as a fashion designer and made visits to Paris, Rome, and New York. Finally, Sacal decided to focus exclusively on sculpture work, first with plasticine and finally with clay, a material that continues to be the “moldable receptor of his feelings.” The quality of Sacal’s work has been and continues to be applauded, causing controversy and anticipation in his more than 40 solo exhibitions and dozens of collaborations within his own country and the world. Jose Sacal continued to work as a sculptor until his passing in late 2018. In 2019, The Clinton Center, in Little Rock, Arkansaw, in partnership with the Consulate of Mexico in Little Rock and the José Sacal Micha Foundation, presented an exhibition of sculptor José Sacal’s work, in celebration of Mexican Independence Day and National Hispanic Heritage Month.
Adapted from EnlaceJudío of Mexico City and the Clinton Foundation
“La inspiración para crear mis obras son mis sentimientos, pensamientos que pueden ser muchísimos, lo importante es ‘realizarlo’ aunque parezca una locura, o un sueño, o algo absurdo. — José Sacal”
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“The inspiration to create my works are my feelings, thoughts that can be many, the important thing is to ‘do it’ even if it seems crazy, or a dream, or something absurd.” — José Sacal
Myra Landau nació el 5 de diciembre de 1926 en Bucarest, Rumania. Después de un extenso viaje por Europa y Estados Unidos, se mudó a Brasil. Landau ha vivido durante un tiempo considerable en otros países ricos en cultura y diversidad social. Estas diversas culturas le han dado a su trabajo una mirada cosmopolita. Por ejemplo, el período que pasó en Brasil donde, en colaboración con el maestro Osvaldo Goeldi, realizó numerosas obras utilizando diversas técnicas gráficas. En México, Myra Landau ayudó a introducir una nueva técnica de grabado en metal, utilizando ácidos, pero impresa desde la superficie, llamada ‘Metal Relief’. Las obras de ‘Metal Relief’ le valieron una mención en la importante revista “El Nuevo arte de los metal”. Myra Landau tuvo su primera exposición individual en México en 1963. No se detuvo en las “artes del grabado”, sino que continuó su investigación en profundidad y finalmente tuvo éxito a través de la expresión del pastel sobre lino crudo. En 1974 comenzó a trabajar como profesora en la Universidad Veracruzana en la facultad de Bellas Artes. En 1975 se convirtió en investigadora a tiempo completo para el Instituto de Estética y Creación Artística de la Universidad Myra Landau. El currículum contiene más de sesenta exposiciones individuales y aproximadamente ciento cincuenta exposiciones colectivas en diferentes países; (México, Francia, Italia, Brasil, Estados Unidos, Perú, Uruguay, España, Costa Rica, Nicaragua, etc.) En 1994 reside en Roma, Italia, para luego trasladarse a Jerusalén, Israel, donde residió durante 6 años. Myra Landau vivió con su familia en Holanda, hasta su muerte en 2018.
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Myra Landau was born December 5, 1926 in Bucharest, Romania. After extensive travel throughout Europe and the United Sates she moved to Brazil. Landau has lived for a considerable time in other countries rich with culture and social diversity. These diverse cultures have given her work a cosmopolitan outlook. For example, the period she spent in Brazil where, in collaboration with Master Osvaldo Goeldi, she created numerous works using various graphic techniques. In Mexico, Myra Landau helped introduce a new technique of engraving on metal, utilizing acids, but printed from the surface, called ‘Metal Relief.’ The ‘Metal Relief’ works earned her mention in the important magazine “El Nuevo arte de los metal”, Myra Landau had her first individual exhibition in Mexico in 1963. She did not stop with “engraving arts” but continued her in-depth research finally succeeding through the expression of pastel on raw linen. In 1974 she began working as teacher in the Veracruzana University in the faculty of Fine Arts. In 1975 she became a full-time researcher for the Institute of Aesthetics and Artistic Creation at the University Myra Landau’s resume contains more than sixty individual exhibitions and approximately one hundred and fifty collective exhibitions in different countries;(Mexico, France, Italy, Brazil, United State, Peru, Uruguay, Spain, Costa Rica, Nicaragua, etc.).I n 1994, she has been resident in Rome, Italy, later moving to Jerusalem, Israel where she lived for 6 years. Myra Landau lived with her family in Holland, until her death in 2018.
Myra Landau nasceu em 5 de dezembro de 1926 em Bucareste, Romênia. Después de un extenso viaje por Europa y Estados Unidos, se mudó a Brasil. Landau viveu durante um tempo considerável em outros países ricos em cultura e diversidade social. Estas diversas culturas le han dado a su trabajo una mirada cosmopolita. Por ejemplo, o período que passou no Brasil, em colaboração com o maestro Osvaldo Goeldi, realizou numerosas obras utilizando diversas técnicas gráficas. No México, Myra Landau ayudó a introducir una nueva técnica de grabado en metal, utilizando ácidos, pero impresa from la superficie, llamada ‘Metal Relief’. Las obras de ‘Metal Relief’ o valieron uma menção na importante revista “El Nuevo arte de los metal”. Myra Landau tuvo sua primeira exposição individual no México em 1963. No se detuvo nas “artes del grabado”, não se deu continuidade à investigação em profundidade e finalmente alcançou o sucesso a través da expressão pastel sobre lino crudo. Em 1974, começou a trabalhar como profesora na Universidad Veracruzana na faculdade de Bellas Artes. Em 1975, foi convocada para a investigação de um tempo completo para o Instituto de Estética e Criação Artística da Universidad Myra Landau. El currículum contém más de sesenta exposiciones indivíduos y aproximadamente ciento cincuenta exposiciones colectivas em países diferentes; (México, França, Itália, Brasil, Estados Unidos, Peru, Uruguai, Espanha, Costa Rica, Nicarágua, etc.) Em 1994 residir em Roma, Itália, para luego trasladarse a Jerusalén, Israel, donde residió durante 6 años. Myra Landau vivió com sua família em Holanda, hasta su muerte em 2018.
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El arte de Myra Landau/ The art of Myra Landau/ A arte de Myra Landau
Aída Gelbltrunk, Uruguay
Jerusalem esencial
Jerusalem del amor y los celos,
de la nieve y la canícula que se acerca como una
sombra en mayo
a la hora puntual,
Jerusalem de la primera aurora,
del pájaro impúdico y su pareja
colgando de los cedros y el espacio,
del muro y de la multitud
del muro y la soledad,
Jerusalem del Islam y del Cristo,
de los soldados sin edad,
en las calles asimétricas para no recordar el griego,
Jerusalem de piedra
de aire duro
de olivos intrincados
de la espuma seca del mar del desierto,
Jerusalem de los altos cementerios,
con sus muertos hablando
a cada paso
del día rubio y la noche del céfiro azul,
del día férreo y la noche de plomo en la boca,
Jerusalem con la luz oblicua de los ojos del
candelabro,
del fuego blanco,
Jerusalem cansada de tanta sacralidad,
Jerusalem, tan amada,
a lo lejos.
_____________________________
Essential Jerusalem
Jerusalem of love and jealousy
of the snow and the midsummer heat that closes in lik
shadow in May
in season,
Jerusalem of the first dawn,
of the shameless bird and its mate
clinging to the cedars and the space,
of the wall and of the multitude
of the wall and the solitude,
Jerusalem of Islam and of Christ,
of the ageless soldiers,
in the asymmetrical streets that do not recall the Greek,
Jerusalem of stone
of hard air
of intricate olive trees
of the dry surf of the sea of the desert,
Jerusalem of the high cemeteries,
with their dead speaking
at each step
of the golden day and the night of blue sapphire,
of the iron day and the night of lead in the mouth
Jerusalem of the oblique light of the eyes of the
candelabra,
of the white fire,
Jerusalem weary of so much holiness,
Jerusalem, so loved,
from far away.
_____________________________________________________
Marjorie Agosín, Chile/USA
Jerusalén de los silencios
En un silencio traído,
es un caminar de sombra,
los judíos de Jerusalén
avanzan hacia las piedras,
cabizbajos, descalzos,
quieren llegar al muro
de sal y cielo
encendido de fe,
alegres,
incrustan papeles,
dorados presagios entre las piedras,
le piden a Dios
el derecho al aliento,
al aire,
rescatar las palabras,
el principio del verbo,
la vida
tras las piedras.
___________________________
Jerusalem of the silences
In an exhausted silence,
is a parade of shadow,
the Jews of Jerusalem
advance toward the stones,
heads bowed, barefort,
want to arrive at the wall
of salt and sky
afire with faith,
happy,
they insert their papers,
golden portents among the rocks.
They ask God
for the right to breathe,
for the air
to rescue the words
the origin of the Verb,
the life
behind the stones.
________________________________________
Esther Seligson, México
Convocaciones
A Leo y Arza
A Adrián
Jerusalem, tus colinas recuerdan
la tierra de vientre empapado
y labios resecos
¿cuántos árboles
por un hijo muerto?
tus entrañas son luz
fuego a los ojos
la lámpara eterna
viento
los años
vientos y piedras
piedras de rezo
¿por qué sostiene tus cimientos?
semillas de almendro
un arpa, un libro
y manos
y manos abiertas
a la Voz de las voces
¿dónde se escuchan sus pasos pisar de arenas?
senderos en el desierto
que vengo rodando
guija desprendida
eslabón tras eslabón
te me encuentras, Jerusalem
en el presente
jalando tus futuros hacia mí
caravana errante
nosotros los dispersos
con el rostro vuelto
hacia tus murallas
y el mirar en la nuca.
________________________
Convocations
A Leo y Arza
A Adrián
Jerusalem, your hills remember
the land of bloated belly
and parched lips
how many trees
for a dead son?
your guts are light
fire in the eyes
the eternal lamp
wind
years
winds and stones
stones of prayer
why does your foundation stand?
almond seeds,
a harp, a book
and hands
and open hands
and to the Voice of voices
Where are your steps heard walking on of sands?
tracks in the desert
that I come wandering
loose pebble
link after link
you find me, Jerusalem
in the present
dragging your futures toward me
errant caravan
we the dispersed
with face turned
toward your walls
and the looking at the nape.
_________________________________________________
Angelina Muñiz-Huberman, México
Jerusalem en marzo
Arena de mar que no has conocido
oro de templos enterrados
vidrio romano en los muros
Calles suben y bajan por los montes
Pastorcillos rodean rebaños
hacia laderas de piedra blanca
Un caballo suelto corre por el campo
huyendo la carretera
En la madrugada tocan las campanas
y es la palabra de Dios en el eco
sonido milenario, escueto,
cortante sonido de fragua
Ciudad monocromática
que hay que mirar del cielo arriba
unidimensional,
en círculos del tiempo concéntrico
Ciudad pétrea: de estrellas fijas,
de luna lenta
Ciudad escalonada:
sólidos bloques copulados
Misterio de semen derramado
Sólo por una de las cuatro puertas
--rosa de los vientos—accederás
Luego de peregrinar
Luego de conmiserar
Ciudad en alto,
ciudad de oro amurallada
qué llave pides de amor recóndito.
de huella impresa,
de suaves pechos de Sulamita,
de espada en muslo de rey poderoso,
de palmera
de mirra
de incienso
de lecho de amor
de sábanas de lino
que enjugan licor primordial
_______________________________
Jerusalem in March
Sand from the sea that you haven’t known
gold from buried temples
Roman glass in the walls
Streets rise and fall through the hills
Little shepherds round up flocks
toward hillsides of white stone
An unleashed horse runs through the countryside
fleeing the highway
In the early morning they ring the bells
and it is God’s word in the echo
millenary sound, simple,
sharp sound of forge
Monochromatic city
that has to be seen from the sky above
unidimensional
in circles of concentric time
Rocky city: of fixed stars,
of slow moon
Tiered city:
solid joined blocks
Mystery of spilled seed
Only one of the four doors
---windrose---will accept
after making a pilgrimage
after commiserating
City on high
walled city of gold
which key you ask of hidden love
of printed trace
of the soft breasts of the Shulamit
of the sword in the thigh of the powerful king
of palm
of myrrh
of incense
of bed of love
of sheets of linen
that wipe away primordial liqueur
___________________________________________________________
Daniel Chirom, Argentina
Muro de los lamentos
Un muro de silencio
cubre puertas doradas.
Allí, donde reinaba el fervor de la palabra
Y la esperanza de la anunciación
Sólo cal de la memoria
Y sal del desencuentro.
Digo tus oraciones sin esperar respuesta,
El puente enjoyado se hizo trizas
Y de nuestra amor sólo queda el recuerdo
De un candelabro que arde por siempre en la noche.
Este fue tu templo me dicen
Pero mis ojos no ven más que piedras,
Fieles testigos de un pacto que fracasó en la sangre.
¿Y bajo este cielo amenazador podrán generar
Las preguntas que te construyan de nuevo?
No hay eco en el espanto
Mas presiento en tu alfabeto
Hollado por la luna
Una plegaria borrada el tiempo,
Un ruiseñor cantando desde tus libros sagrados.
___________________________
The Wailing Wall
A wall of silence
covers golden doors.
There, where the fervor of the word reigned
and the hope for the annunciation
only lime of memory
and salt of not meeting.
I say your prayers without expecting an answer,
the bejeweled bridge broken in pieces
and of our love only the memory remains
of a candelabra that burns forever in the night.
This was your temple they tell me
But my eyes don’t see more than stones,
loyal witnesses of a pact that failed in blood.
And under this menacing sky, can the question be asked
will build you again?
There is no echo in the horror
but I sense in your alphabet
the moon had stepped on
a prayer that erased time,
a nightingale singing from the sacred books
__________________________________________________
Rosita Kalina, Costa Rica
Si de ti me olvidaré
Enséñanos a orar bajo la luz
Ofrécenos tus labios
para alcanzar la gracia
Déjanos descansar en la tentación
de tus colinas.
No nos liberes jamás de esta pasión
de tus albas.
Y enséñanos a caminar tu paz
por angostas callejuelas de clavarios
por plateados domos orientales,
por la Cruz que de Gólgota refleja.
Acógenos al amor de tu Templo
tejido con lamentaciones,
peregrinos, humillamos la sandalia
ante el clamor de la piedras.
Inmersa estás en un tiempo
sin consuelo, doncella mandarina
del olivo y la azucena.
Jerusalem. Danos el pan de tus olivos
presente en la paz que ilumina
nuestra comunión de sangres.
Nosotros, los huérfanos de luz.
Oramos por tus resplandores.
Umbilical cordón del mundo.
________________________If I Forget Thee
Teach us to pray under your light
offer us your lips
to reach grace
Let us rest in the temptation
of your hills
reflected in Golgotha.
Don’t ever free us from this passion
of your dawns
Teach us to walk your peace
by narrow paths of the Way of Sorrows
by silvered oriental domes
by the CrossGlgotha reflects.
Accept us to the love of your Temple
woven with lamentations
pilgrims, we put to shame the sandal
in front of the clamor of the stones
without solace, tangerine maiden
of the olive tree and the lily.
Jerusalem. Give us the bread of your olive trees
present in the peace that illuminates
our communion of bloods.
We, the orphans of light.
We pray for your brilliance.
Umbilical cord of the world.
______________________________________________________
Carla Isaak, Argentina
Retazos del derrumbe
(Fragmento IV)
“Hace doce años
me volteó la luna,
me abrazo de espaldas
al empujarme contra el muro”.
Con cuerpo de gruta
logró rotar
el ciclo de la vida.
Jerusalem,
antifaces que circulan
una y otra vez,
doblan apuestas
por una luz oblicua.
Pasó la mano liviana
sobre el polvo de la mesa.
¡Tanta sal que viene de las rocas
Y el mar está tan lejos!
____________________
Fragments of Collapse
(Fragment IV)
“Twelve years ago
the moon turned me around,
hugged me from behind
while pushing me toward the wall.”
With a body of caverns
it succeeded in turning
the cycle of my life.
Jerusalem,
masks that circulate
once and again,
double bets
by an oblique light.
I passed its lightweight hand
over the dust on the table.
So much salt that comes from the rocks
And the sea is so far away!
___________________________________
The poems above were translated by Stephen A. Sadow and J. Kates
____________________________________
Manuela Fingueret, Argentina
Jerusalem sin fecha
puerta por Puerta
mosaico raíz del mosaico
cráter del desierto
herida
muy vasta
contra
costurón que no cierra
al aire
desde Zippori
por ejemplo
la piel
del dromedario
y la ruina de los templarios
cuatro esquinas afianzadas
con sarcófagos de mármol veteado
de huesos y sesos
acaso para despreciar
a los muertos
en los vivos
de oro iluminada
vergel
y a tus pies.
____________________________
Jerusalem, Timeless
Door by door
Mosaic root of mosaic
Desert center
deep
wound
attached scab
that doesn’t close
in the air
the air
from Zippori
for example
the skin
of the camel
and the temple’s ruins
four corners supported
by streaked marble sarcophagi
of bones and brains
perhaps
to scorn
the
dead
among the living
illuminated gold
orchard
subdued
at your feet.
Translated by Celeste Kostopolos-Cooperman
_________________________________________________________________
Luisa Futuransky
Jerusalem, Una copa de vértigo
Las rosas de Jerusalén son complicadas
Los peregrinos desesperan
El camino de las rosas de la ciudad
es absoluto.
Y me duele/s tanto
_______________________________
Jerusalem, a Whirling Glass
The roses of Jerusalem are complicated
They pilgrims despair
the rose-lined road to truth
is absolute
And you/it hurts me so.
Translated by Celeste Kostopolos-Cooperman
_____________________________________________________________________________
Sara Riwka B’raz Erich, Brasil
Jerusalém
Jerusalém criança que renasce a cada dia
Adolescente iluminada e rebelde
Mulher, violentada, odiada, amada sempre
Jerusalem, Mãe viúva, solitária e sofrida
Poeira mística e o bálsamo que cobre
Teu corpo retalhado e revelado
Abrigando e expondo todas as dores, desesperanças, esperanças
“Salem” do Rei David. Herodiana. Romana. Bizantina
Bíblica e pré-bíblica
Teu solo já não suporta mais corpos sacrificados
Não nasceste para ser cidade-cemitério, cidade-museu
Ruinas reservadas para os olhos de turistas
Difícil pisar em teu solo, tão dolorida pareces
Meu corpo é pesado para teu sensível chão
História da Humanidade
Cruzo e atravesso teus Portões “cujos nomes fazem sonhar”
Subo ao alto de tuas muralhas, escadarias, recantos
Em toda parte, cicatrizes, feridas excavadas
Quem sabe, um dia, talvez, não muito distante
O alento de tuas Pombas
Transformará as balas mortíferas que te atacam
Em leite e mel?
Jerusalém Espíritu
As minorias, os que têm fome e sede de justiça
Oram por ti, Jerusalém
A Humanidade necessita de ti
Unicamente em ti poederá ser celebrada
A Grande Festa Universal
Muro de Lamentações
Getsemani
Monte de Oliveiras
Mar de Galileia
Haifa, Beer-Sheba
Jerusalém, Israel
Transcendentes canções nos unem
Nos reencontramos e a despedida foi e é impossível.
Nos sabemos desde aquela madrugada tecida de confidências amarelas
A beira do deserto.
Testemunhadas ao longe por beduínos e suas prediletas
Poços ocultos e estrelas ao alcance de nossas mãos.
__________________________________________
Jerusalem
Jerusalem a child reborn every day
A tear-away teen enlightened and rebellious
A woman, raped, loathed but forever loved
Jerusalem, widowed mother, solitary sufferer.
Mystic dust is the balm that soothes
Your torn and exposed body
Sheltering and un-shielding all its pains, hopes and despairs.
Shalem of King David. Herodian. Roman, Byzantine.
Biblical and pre-Biblical
Your soil cannot bear any more broken bodies
You were not born to be a burial city, embalmed museum,
stately ruins reserved for tourists’ eyes.
How difficult to tread on your sacred soil, too painful,
my body too heavy for your sensitive ground,
history of all humankind
I enter the gateways whose very name makes one dream
I climb to the summit of your walls, your steps and hidden nooks
On every side the scars, the open wounds, the excavations
Perhaps on a day that can’t be distant now
The courage of your gray-winged doves
Will transform the deadly bullets that yet assail you
Into milk and honey?
Oh spirit of Jerusalem
The outcasts who hunger and thirst for justice
Pray for you, Jerusalem
Humanity needs you
In you alone can we celebrate
The great unending universal festival
Wall of lamentations
Gethsemane
Mount of Olives
Sea of Galilee
Haifa, Beer-Sheva
Jerusalem, Israel
Transcendent songs unit us all as one
We meet again and, again, farewell was and is impossible.
This we have known since the dawn of yellow confidence
on the edge of the desert
witnessed in the distance by Bedouins and their favorites
hidden wells and stars within range of our grasping hands
Translated by Auristela Xavier, Sara Riwka B’raz Erlich and J. M. Deisler
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The poems and translations of poems by Manuela Fingueret, Luisa Futuransky and Sara Rifka B'raz Erlich come from Marjorie Agosín, ed. Miriam's Daughters. Santa Fe: Sherman Asher Publishers, 2001.
Aída Gelbltrunk, Uruguay
Jerusalem esencial
Jerusalem del amor y los celos,
de la nieve y la canícula que se acerca como una
sombra en mayo
a la hora puntual,
Jerusalem de la primera aurora,
del pájaro impúdico y su pareja
colgando de los cedros y el espacio,
del muro y de la multitud
del muro y la soledad,
Jerusalem del Islam y del Cristo,
de los soldados sin edad,
en las calles asimétricas para no recordar el griego,
Jerusalem de piedra
de aire duro
de olivos intrincados
de la espuma seca del mar del desierto,
Jerusalem de los altos cementerios,
con sus muertos hablando
a cada paso
del día rubio y la noche del céfiro azul,
del día férreo y la noche de plomo en la boca,
Jerusalem con la luz oblicua de los ojos del
candelabro,
del fuego blanco,
Jerusalem cansada de tanta sacralidad,
Jerusalem, tan amada,
a lo lejos.
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Essential Jerusalem
Jerusalem of the love and the jealousy,
of the snow and the midsummer heat that closes in like a
shadow in May
at the precise time,
Jerusalem of the first dawn,
of the shameless bird and its mate
clinging to the cedars and the space
of the wall and of the multitude
of the wall and the solitude,
Jerusalem of Islam and of the Christ,
of the ageless soldiers,
in the asymmetrical streets not to remember the Greek,
Jerusalem of stone
of hard air
of intricate olive trees
of the dry surf of the sea of the desert,
Jerusalem of the high cemeteries,
with their dead speaking
at each step
of the blond day and the night of blue sapphire,
of the iron day and the night of lead in the mouth
Jerusalem of the oblique light of the eyes of the
candelabra,
of the white fire,
Jerusalem tired of so much holiness,
Jerusalem, so loved,
from far away.
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Marjorie Agosín, Chile/USA
Jerusalén de los silencios
En un silencio traído,
es un caminar de sombra,
los judíos de Jerusalén
avanzan hacia las piedras,
cabizbajos, descalzos,
quieren llegar al muro
de sal y cielo
encendido de fe,
alegres,
incrustan papeles,
dorados presagios entre las piedras,
le piden a Dios
el derecho al aliento,
al aire,
rescatar las palabras,
el principio del verbo,
la vida
tras las piedras.
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Jerusalem of the silences
In a worn-out silence,
is a walk of shadow,
the Jews of Jerusalem
advance toward the stones,
heads down, shoeless,
want to arrive at the wall
of salt and sky
afire with faith,
happy,
they force papers in,
golden portents among the rocks.
The ask God
for the right to breathe,
to the air
to rescue the words
the origin of the Verb,
They ask God
for the right to breathe
to the air
the origin of the word/Verb,
the life
behind the stones.
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Esther Seligson, México
Convocaciones
A Leo y Arza
A Adrián
Jerusalem, tus colinas recuerdan
la tierra de vientre empapado
y labios resecos
¿cuántos árboles
por un hijo muerto?
tus entrañas son luz
fuego a los ojos
la lámpara eterna
viento
los años
vientos y piedras
piedras de rezo
¿por qué sostiene tus cimientos?
semillas de almendro
un arpa, un libro
y manos
y manos abiertas
a la Voz de las voces
¿dónde se escuchan sus pasos pisar de arenas?
senderos en el desierto
que vengo rodando
guija desprendida
eslabón tras eslabón
te me encuentras, Jerusalem
en el presente
jalando tus futuros hacia mí
caravana errante
nosotros los dispersos
con el rostro vuelto
hacia tus murallas
y el mirar en la nuca.
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Convocations
A Leo y Arza
A Adrián
Jerusalem, your hills remember
the land of soaked abdomen
and parched lips
how many trees
for a dead son?
your guts are sun
fire at the eyes
the eternal lamp
wind
the years
winds and stones
stones of prayer
why does your foundation stand?
almond seeds,
a harp, a book
and hands
and hands open
to the Voice of voices
Where are your steps heard walking on of sands?
tracks in the desert
where I come in my wandering
you find me, Jerusalem
in the present tense
dragging your futures toward me
stray caravan
we the scattered
with our faces turned
toward your walls
and our eyes on your neck.
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Angelina Muñiz-Huberman, México
Jerusalem en marzo
Arena de mar que no has conocido
oro de templos enterrados
vidrio romano en los muros
Calles suben y bajan por los montes
Pastorcillos rodean rebaños
hacia laderas de piedra blanca
Un caballo suelto corre por el campo
huyendo la carretera
En la madrugada tocan las campanas
y es la palabra de Dios en el eco
sonido milenario, escueto,
cortante sonido de fragua
Ciudad monocromática
que hay que mirar del cielo arriba
unidimensional,
en círculos del tiempo concéntrico
Ciudad pétrea: de estrellas fijas,
de luna lenta
Ciudad escalonada:
sólidos bloques copulados
Misterio de semen derramado
Sólo por una de las cuatro puertas
--rosa de los vientos—accederás
Luego de peregrinar
Luego de conmiserar
Ciudad en alto,
ciudad de oro amurallada
qué llave pides de amor recóndito.
de huella impresa,
de suaves pechos de Sulamita,
de espada en muslo de rey poderoso,
de palmera
de mirra
de incienso
de lecho de amor
de sábanas de lino
que enjugan licor primordial
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Jerusalem in March
Sand from the sea that you haven’t known
gold from buried temples
Roman glass in the walls
Streets rise and fall through the hills
Little shepherds round up flocks
toward hillsides of white stone
An unleashed horse runs through the countryside
fleeing the highway
In the early morning they ring the bells
and it is God’s word in the echo
millenary sound, simple,
sharp sound of forge
Monochromatic city
that has to be seen from the sky above
unidimensional
in circles of concentric time
Rocky city: of fixed stars,
of slow moon
Tiered city:
solid copulated blocks
Mystery of spilled semen
Only one of the four doors
--rose of the winds/compass—you will accept
after making a pilgrimage
after commiserating
City on high
walled city of gold
which key you ask of hidden love
of printed trace
of the soft breasts of Shulamit
of the sword in the thigh of the powerful king
of palm
of myrrh
of incense
of bed of love
of sheets of linen
that wipe away primordial liqueur
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Daniel Chirom, Argentina
Muro de los lamentos
Un muro de silencio
cubre puertas doradas.
Allí, donde reinaba el fervor de la palabra
Y la esperanza de la anunciación
Sólo cal de la memoria
Y sal del desencuentro.
Digo tus oraciones sin esperar respuesta,
El puente enjoyado se hizo trizas
Y de nuestra amor sólo queda el recuerdo
De un candelabro que arde por siempre en la noche.
Este fue tu templo me dicen
Pero mis ojos no ven más que piedras,
Fieles testigos de un pacto que fracasó en la sangre.
¿Y bajo este cielo amenazador podrán generar
Las preguntas que te construyan de nuevo?
No hay eco en el espanto
Mas presiento en tu alfabeto
Hollado por la luna
Una plegaria borrada el tiempo,
Un ruiseñor cantando desde tus libros sagrados.
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The Wailing Wall
A wall of silence
covers golden doors.
There, where the fervor of the word reigned
and the hope for the annunciation
only lime of memory
and salt of not meeting.
I say your prayers without expecting an answer,
the bejeweled bridge broken in pieces
and of our love remains only the memory remains
of a candelabra that burns forever in the night.
This was your temple they tell me
But my eyes don’t see more than stones,
loyal witnesses of a pact that failed in blood.
And below this menacing sky, will it be possible to generate the questions that would build you again?
There is no echo in the horror
but I sense in your alphabet
tread on by the moon
a prayer that erased time,
a nightingale singing from the sacred books.
__________________________________________________
Rosita Kalina, Costa Rica
Si de ti me olvidaré
Enséñanos a orar bajo la luz
Ofrécenos tus labios
para alcanzar la gracia
Déjanos descansar en la tentación
de tus colinas.
No nos liberes jamás de esta pasión
de tus albas.
Y enséñanos a caminar tu paz
por angostas callejuelas de clavarios
por plateados domos orientales,
por la Cruz que de Gólgota refleja.
Acógenos al amor de tu Templo
tejido con lamentaciones,
peregrinos, humillamos la sandalia
ante el clamor de la piedras.
Inmersa estás en un tiempo
sin consuelo, doncella mandarina
del olivo y la azucena.
Jerusalem. Danos el pan de tus olivos
presente en la paz que ilumina
nuestra comunión de sangres.
Nosotros, los huérfanos de luz.
Oramos por tus resplandores.
Umbilical cordón del mundo.
________________________If I Forget Thee
Teach us to pray under your light
offer us your lips
to reach grace
Let us rest in the temptation
of your hills
Neve free us from this passion
of your dawns
Teach us to walk your peace
by narrow passageways of calvaries
by silvered oriental domes
by the Cross that Golgotha reflects.
Welcome us to the love of your Temple
woven with lamentations
pilgrims, we put off the sandal from our foot
before the clamor of the stones
You
without solace, tangerine maiden
of the olive tree and the lily.
Jerusalem. Give us the bread of your olive trees
present in the peace that illuminates
our communion of bloods.
We, the orphans of light.
We pray for your brilliance.
Umbilical cord of the world.
______________________________________________________
Carla Isaak, Argentina
Retazos del derrumbe
(Fragmento IV)
“Hace doce años
me volteó la luna,
me abrazo de espaldas
al empujarme contra el muro”.
Con cuerpo de gruta
logró rotar
el ciclo de la vida.
Jerusalem,
antifaces que circulan
una y otra vez,
doblan apuestas
por una luz oblicua.
Pasó la mano liviana
sobre el polvo de la mesa.
¡Tanta sal que viene de las rocas
Y el mar está tan lejos!
____________________
Fragments of Collapse
(Fragment IV)
“Twelve years ago
the moon turned me around,
hugged me from behind
while pushing me toward the wall.”
With a body of caverns
it succeeded in turning
the cycle of my life.
Jerusalem,
masks that circulate
once and again,
double bets
by an oblique light.
I passed its lightweight hand
over the dust on the table.
So much salt that comes from the rocks
And the sea is so far away!
________________________________
These poems were translated by Stephen A. Sadow and J. Kates
____________________________________
Manuela Fingueret, Argentina
Jerusalem sin fecha
puerta por Puerta
mosaico raíz del mosaico
cráter del desierto
herida
muy vasta
contra
costurón que no cierra
al aire
desde Zippori
por ejemplo
la piel
del dromedario
y la ruina de los templarios
cuatro esquinas afianzadas
con sarcófagos de mármol veteado
de huesos y sesos
acaso para despreciar
a los muertos
en los vivos
de oro iluminada
vergel
y a tus pies.
____________________________
Jerusalem, Timeless
Door by door
Mosaic root of mosaic
Desert center
deep
wound
attached scab
that doesn’t close
in the air
the air
from Zippori
for example
the skin
of the camel
and the temple’s ruins
four corners supported
by streaked marble sarcophagi
of bones and brains
perhaps
to scorn
the
dead
among the living
illuminated gold
orchard
subdued
at your feet.
Translated by Celeste Kostopolos-Cooperman
_________________________________________________________________
Luisa Futuransky
Jerusalem, Una copa de vértigo
Las rosas de Jerusalén son complicadas
Los peregrinos desesperan
El camino de las rosas de la ciudad
es absoluto.
Y me duele/s tanto
_______________________________
Jerusalem, a Whirling Glass
The roses of Jerusalem are complicated
They pilgrims despair
the rose-lined road to truth
is absolute
And you/it hurts me so.
Translated by Celeste Kostopolos-Cooperman
_____________________________________________________________________________
Sara Riwka B’raz Erich, Brasil
Jerusalém
Jerusalém criança que renasce a cada dia
Adolescente iluminada e rebelde
Mulher, violentada, odiada, amada sempre
Jerusalem, Mãe viúva, solitária e sofrida
Poeira mística e o bálsamo que cobre
Teu corpo retalhado e revelado
Abrigando e expondo todas as dores, desesperanças, esperanças
“Salem” do Rei David. Herodiana. Romana. Bizantina
Bíblica e pré-bíblica
Teu solo já não suporta mais corpos sacrificados
Não nasceste para ser cidade-cemitério, cidade-museu
Ruinas reservadas para os olhos de turistas
Difícil pisar em teu solo, tão dolorida pareces
Meu corpo é pesado para teu sensível chão
História da Humanidade
Cruzo e atravesso teus Portões “cujos nomes fazem sonhar”
Subo ao alto de tuas muralhas, escadarias, recantos
Em toda parte, cicatrizes, feridas excavadas
Quem sabe, um dia, talvez, não muito distante
O alento de tuas Pombas
Transformará as balas mortíferas que te atacam
Em leite e mel?
Jerusalém Espíritu
As minorias, os que têm fome e sede de justiça
Oram por ti, Jerusalém
A Humanidade necessita de ti
Unicamente em ti poederá ser celebrada
A Grande Festa Universal
Muro de Lamentações
Getsemani
Monte de Oliveiras
Mar de Galileia
Haifa, Beer-Sheba
Jerusalém, Israel
Transcendentes canções nos unem
Nos reencontramos e a despedida foi e é impossível.
Nos sabemos desde aquela madrugada tecida de confidências amarelas
A beira do deserto.
Testemunhadas ao longe por beduínos e suas prediletas
Poços ocultos e estrelas ao alcance de nossas mãos.
__________________________________________
Jerusalem
Jerusalem a child reborn every day
A tear-away teen enlightened and rebellious
A woman, raped, loathed but forever loved
Jerusalem, widowed mother, solitary sufferer.
Mystic dust is the balm that soothes
Your torn and exposed body
Sheltering and un-shielding all its pains, hopes and despairs.
Shalem of King David. Herodian. Roman, Byzantine.
Biblical and pre-Biblical
Your soil cannot bear any more broken bodies
You were not born to be a burial city, embalmed museum,
stately ruins reserved for tourists’ eyes.
How difficult to tread on your sacred soil, too painful,
my body too heavy for your sensitive ground,
history of all humankind
I enter the gateways whose very name makes one dream
I climb to the summit of your walls, your steps and hidden nooks
On every side the scars, the open wounds, the excavations
Perhaps on a day that can’t be distant now
The courage of your gray-winged doves
Will transform the deadly bullets that yet assail you
Into milk and honey?
Oh spirit of Jerusalem
The outcasts who hunger and thirst for justice
Pray for you, Jerusalem
Humanity needs you
In you alone can we celebrate
The great unending universal festival
Wall of lamentations
Gethsemane
Mount of Olives
Sea of Galilee
Haifa, Beer-Sheva
Jerusalem, Israel
Transcendent songs unit us all as one
We meet again and, again, farewell was and is impossible.
This we have known since the dawn of yellow confidence
on the edge of the desert
witnessed in the distance by Bedouins and their favorites
hidden wells and stars within range of our grasping hands
Translated by Auristela Xavier, Sara Riwka B’raz Erlich and J. M Tesser
_____________________
Poems by Manuela Finguiret, Luisa Futuransky and Sara Rifka B'raz Erlich come from Marjorie Agosín, ed. Miriam's Daughters. Santa Fe: Sherman Asher Publishers, 2001.
Para leer más de la obra de estos poetas, vaya a:/To read more of the work of these poets go to:
Eva Olivetti nace en Berlín, Alemania en 1924, hija de Karl Brager y Kähte Jacobsohn. Pintora. En 1939, a los quince años se radicó en Uruguay con su familia judía como parte de la oleada inmigratoria que escapó al nazismo. En 1948 se casó con Mario Olivetti. Entre 1949 y 1956 cursó la Licenciatura en Letras en la Facultad de Humanidades y Ciencias de la Universidad de la República. Entre 1956 y 1959 integró el taller del ceramista catalán Josep Collell. Entre 1959 y 1963 se incorporó al Taller Torres García siendo alumna de José Gurvich. Su obra gira en torno al paisaje, en obras de mediano y pequeño formato.Se caracteriza por lograr una atmósfera íntima, su sensibilidad se volcó en una pincelada leve, un trazo lineal casi ingrávido, una escala tonal de dorados y marrones apaciguados, donde lo material parece volatilizarse. Expuso individualmente en Uruguay desde 1960. El listado de muestras personales y participaciones colectivas es muy numeroso, habiendo realizado más de ochenta exposiciones.En 2003 le fue otorgado el Premio a la Trayectoria en el 38º Salón Municipal de Montevideo. Sus trabajos forman parte de colecciones particulares de América y Europa. Sus pinturas integran los acervos de museos de arte en Milán, París, Londres, Frankfurt, Viena, San Pablo, Buenos Aires y en el Museo Nacional de Artes Visuales en Montevideo, Uruguay. Fallece en Montevideo en 2013.
Eva Olivetti was born in Berlin, Germany in 1924, daughter of Karl Brager and Kähte Jacobsohn. Painter. In 1939, at the age of fifteen, he settled in Uruguay with his family as part of the wave of immigration that escaped Nazism. In 1948, she married Mario Olivetti. Between 1949 and 1956, she completed a Bachelor of Arts at the Faculty of Humanities and Sciences of the University of the Republic. Between 1956 and 1959 she joined the workshop of the Catalan ceramist Josep Collell. Between 1959 and 1963 she joined the Torres García Workshop as a student of José Gurvich. Her work revolves around the landscape, in works of medium and small format. It is characterized by achieving an intimate atmosphere, his sensitivity is overturned in a slight brushstroke, an almost weightless linear stroke, a tone scale of calmed golds and browns, where he material appears to volatilize. She exhibited individually in Uruguay since 1960. The list of personal exhibitions and collective participations is very numerous, including more than eighty exhibitions. In 2003, she was awarded the Lifetime Achievement Award at the 38th Montevideo Municipal Hall. Her works are part of private collections in America and Europe. Her paintings are part of the collections of art museums in Milan, Paris, London, Frankfurt, Vienna, São Paulo, Buenos Aires and in the National Museum of Visual Arts in Montevideo, Uruguay. She died in Montevideo in 2013.
Pinturas de Eva Olivetti/ Paintings by Eva Olivetti
Esquina con árbol. óleo sobre cartón, 1970
Fachada de ciudad vieja, óleo sobre cartón, 1969
La nuez y el ángelPaisaje, óleo sobre cartón, 1966Día de pesca, óleo sobre cartón, 1978
Jarrón de flores, óleo sobre cartón, 1967
Pintura, óleo sobre madera, 1990Texturas de una noche: Vista de Tacuarembó
De un catálogo de una exhibición en Chile
Figuras, óleo sobre cartón, s. f.
Naturalezas muertas, óleo sobre madera, s. f.
Escena de ciudad, óleo sobre madera, 1965Árbol, óleo sobre papel pegado en fibra, s. f.,Ciudad, óleo sobre madera, s. f.Obra ampliada sin títuloOtra mirada de Montevideo, óleo sobre cartón, 1965
Liza Schneiderman nace y vive en Lima. Perú. Estudió en la escuela Leõn Pinelo, una escuela judía, y luego en la Escuela de Bellas Artes de Lima. Ha tenido muchas exhibiciones individuales y grupales en Perú, Ecuador, España y en Nueva York, EEUU.
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Liza Schneiderman was born and lives in Lima. Peru. She studied at the Leõn Pinelo school, a Jewish school, and then at the School of Fine Arts in Lima. She has had many individual and group exhibitions in Peru, Ecuador, Spain and in New York, USA.
Gunther Gerzso nació en la ciudad de México en 1915. A los doce años se traslada a Suiza en donde realiza parte de sus estudios. En 1931 regresa a México. Tres años después conoce a Fernando Wagner, actor, productor y director de teatro, quien utiliza los diseños de Gerzso en el montaje de obras de Moliere, Shakespeare y Lope de Vega. De 1935 a 1940 reside en Estados Unidos. Estudió en el Cleveland Playhouse en donde, gracias a la ayuda de Sol Cornberg, director técnico, se convierte en poco tiempo en el escenógrafo de teatro. A partir de 1940 comienza su trayectoria como pintor autodidacta. Su primera obra, “Dos Mujeres”, tiene una marcada influencia del pintor mexicano Carlos Orozco Romero. Durante los siguientes veinte años, Gerzso diseña la escenografía de aproximadamente 250 películas. Trabaja con muchos directores, entre ellos Luis Buñuel, John Ford e Yves Allegret. Sus constantes viajes por la República Mexicana, debidos a su trabajo en el rodaje de las películas, despiertan en él un gran interés por el arte precolombino. En 1994 conoce al grupo de surrealistas refugiados en México: Benjamín Péret, Leonora Carrington, Remedios Varo y Wolfgang Paalen. Debido a la influencia de este grupo de artistas, su pintura se vuelve más surrealista. En 1950 realiza su primera exposición individual en la Galería de Arte Mexicano. Durante las siguientes cinco décadas, Gerzso presenta alrededor de 30 exposiciones individuales y participa en más de cien muestras colectivas en México, Estados Unidos, Colombia, Brasil, Argentina, Venezuela, Puerto Rico, Francia, Italia, Inglaterra, España, Alemania, Japón e Israel. De las exposiciones individuales organizadas por museos destacan la retrospectiva en el Museo Nacional de Arte Moderno de la Ciudad de México (1963); Twenty years of Gunther Gerzso, Phoenix Art Museum, Arizona (1970); Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México (1970 y 1977); An evening with Gunther Gerszo, Mexican Museum of San Francisco (1988). Gunther Gerzso falleció en 2000.
Gunther Gerzso was born in Mexico City in 1915. At the age of twelve he moved to Switzerland where he carried out part of his studies. In 1931 he returned to Mexico. Three years later he met Fernando Wagner, actor, producer and theater director, who used Gerzso’s designs in the montage of works by Moliere, Shakespeare and Lope de Vega. From 1935 to 1940 he lived in the United States. He studied at the Cleveland Playhouse where, thanks to the help of Sol Cornberg, technical director, he quickly became the theater set designer. From 1940 he began his career as a self-taught painter. His first work, “Dos Mujeres”, is strongly influenced by the Mexican painter Carlos Orozco Romero. Over the next twenty years, Gerzso designed the scenery for approximately 250 films. He works with many directors, including Luis Buñuel, John Ford, and Yves Allegret. His constant travels through the Mexican Republic, due to his work in the filming of films, aroused in him a great interest in pre-Columbian art. In 1994 he met the group of surrealist refugees in Mexico: Benjamín Péret, Leonora Carrington, Remedios Varo and Wolfgang Paalen. Due to the influence of this group of artists, his painting becomes more surreal. In 1950 he held his first solo exhibition at the Galería de Arte Mexicano. Over the next five decades, Gerzso presented around 30 individual exhibitions and participated in more than one hundred group shows in Mexico, the United States, Colombia, Brazil, Argentina, Venezuela, Puerto Rico, France, Italy, England, Spain, Germany, Japan and Israel. Of the individual exhibitions organized by museums, the retrospective at the National Museum of Modern Art in Mexico City (1963) stands out; Twenty years of Gunther Gerzso, Phoenix Art Museum, Arizona (1970); Museum of Modern Art of Mexico City (1970 and 1977); An evening with Gunther Gerzso, Mexican Museum of San Francisco (1988). Gunther Gerzso passed away in 2000.
Pinturas de Gunther Gerzso/Paintings by Gunther Gerzso
Personaje en Rojo y Azul, 1964, oil on canvas
VERDE – AZUL – GERZSO – III – 78″ on the reverse oil on masonite, 1978 1Amarillo-Verde-Rojo-Azul, 1975 oil on masoniteTres Formas: Ancient Forms,, oil on Masonite, 1984
Estela Blanca, 1950
La Ciudad Perdida (The Lost City), Oil on hardboard, 1948
Ángel “Tuyo” Contín Cresto, artista nacido en 1951 en la ciudad de Coro. Desde finales del siglo pasado, lo suyo es una sola obsesión. Una tragedia universal, un genocidio sistemático. Para Contín es irrelevante que este episodio histórico cuya brutalidad lo impulsó, tras una larga meditación personal, a emprender una cruda interpretación a través de su arte, ocurriera mucho tiempo atrás, entre 1939 y 1945, en la etapa apocalíptica del llamado Tercer Reich. “Siempre pensé que no podía terminar el siglo XX sin que le rindiera un homenaje a estos seres humanos que vivieron el horror de un extermino sin precedentes en la historia”, confiesa el artista. Las primeras historias del Holocausto causaron una impresión indeleble en Contín en primer lugar de una forma visual, a través de desgarradoras imágenes recopiladas en varias publicaciones, un elemento que está claramente incorporado en varias piezas de esta colección. “Me impactaron mucho las fotografías reales del Holocausto, donde se puede observar las condiciones infrahumanas que sufrieron estas personas, un trato repugnante al ser humano”, explica. Una preocupación en particular lo impulsó para contribuir a mantener viva la memoria del exterminio judío: los llamados negadores del Holocausto,”la mayor y más persistente mentira de la historia”, subrayó Contín también quedó cautivado por las historias de artistas que se convirtieron en prisioneros del horror de la campaña de extermino nazi, a quienes particularmente dirige su homenaje. Por ejemplo, la historia del polaco Simon Pullmann, un extraordinario conductor de orquestas que quedó atrapado cuando visitaba el Gueto de Varsovia momentos antes que los alemanes invadieran Polonia, a fines de 1939. Se convirtió en el director de la Orquesta Sinfónica del Gueto hasta que murió, junto a todos sus compañeros músicos, entre ellos el joven violinista Ludwik Holcman, en el campo de concentración de Treblinka en 1944. También le impactaron las historias de Marysia Afzensztat, conocida como el “Ruiseñor del Gueto”, hija del director de la coral de la Sinagoga de Varsovia, asesinada durante el extermino nazi; la del director de Coro Infantil Israel Fajwiszys, ejecutado en el campo de concentración de Poniatowa, en Polonia; y la del artista plástico Félix Frydman, ejecutado en Treblinka, también Contín dedicó una de las obras más simbólicas a otra notable víctima judía del Holocausto: La diarista alemana Ana Frank. “Ana Frank nos enriquece, nos enseña, nos lleva a la purificación del alma. Contín registra el testimonio de Helga Deen, una diarista alemana como Ana Frank que murió en el campo de concentración de Sobibor, Polonia. Deen dejó estas palabras: “Me siento tan única. Cada día vemos la libertad detrás de los alambres de espinos. Es demasiado. No puedo más y mañana, de nuevo. Pero quiero poder, quiero, porque si mi voluntad muere, muero también”.
Ángel Contín Cresto, artist born in 1951 in the city of Coro. Since the end of the last century, hers has been a single obsession. A universal tragedy, a systematic genocide. For Contín, it is irrelevant that this historical episode whose brutality prompted him, after a long personal meditation, to undertake a crude interpretation through his art, occurred a long time ago, between 1939 and 1945, in the apocalyptic stage of the so-called Third Reich. “I always thought that the 20th century could not end without paying homage to these human beings who lived through the horror of an extermination without precedent in history”, confesses the artist. The early Holocaust stories made an indelible impression on Contín in the first place in a visual way, through harrowing images collected in various publications, an element that is clearly incorporated in several pieces of this collection, through heartbreaking images collected in various publications, an element that is clearly incorporated in several pieces of this collection. ZZZZZ subhuman conditions that these people suffered, a disgusting treatment of human beings, ”he explains. One concern in particular prompted him to help keep the memory of Jewish extermination alive: the so-called Holocaust deniers, “the biggest and most persistent lie in history,” Contín stressed. He was also captivated by the stories of artists who became prisoners. of the horror of the Nazi extermination campaign, to whom he particularly addresses his tribute. For example, the story of the Polish conductor Simon Pullmann, an extraordinary conductor of orchestras who was trapped when visiting the Warsaw Ghetto just before the Germans invaded Poland in late 1939. He became the conductor of the Ghetto Symphony Orchestra until He died, along with all his fellow musicians, including the young violinist Ludwik Holcman, in the Treblinka concentration camp in 1944. He was also struck by the stories of Marysia Afzensztat, known as the “Nightingale of the Ghetto”, daughter of the director of the Warsaw Synagogue choir, murdered during the Nazi extermination; that of the director of the Israel Fajwiszys Children’s Choir, executed in the Poniatowa concentration camp, in Poland; and that of the plastic artist Félix Frydman, executed in Treblinka, Contín also dedicated one of the most symbolic works to another notable Jewish victim of the Holocaust: the German diarist Anne Frank. “Anne Frank enriches us, teaches us, leads us to purification of the soul. Contín records the testimony of Helga Deen, a German diarist like Anne Frank who died in the Sobibor concentration camp, Poland. Deen left these words: “I feel so unique. Every day we see freedom behind barbed wire. It’s too much. I can’t take it anymore and tomorrow again. But I want power, I want to, because if my will dies, I die too ”.
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“Homenaje a los víctimas del Holocausto”/ “Homage to the Victims of the Holocaust”
Las obras de arte estãn en Miami y están disponible para exhibir. Contacte a este blog./The artworks are in Miami and are available to be exhibited. Contact this blog.
Marjorie Agosín nació en Chile en 1955. Comenzó a escribir poesía cuando era niña, y luego de que su familia se mudó a Atenas, Georgia, en 1969, continuó escribiendo poemas en español. Recibió una licenciatura de la Universidad de Georgia y una maestría y un doctorado de la Universidad de Indiana. Agosín es autor de numerosas colecciones de poesía, entre ellas En el umbral de la memoria: poemas nuevos y seleccionados (White Pine Press, 2003); Toward the Splendid City (Prensa Bilingüe / Editorial Bilingüe, 1994), ganadora del Premio de Literatura Latina 1995; y Sargasso (White Pine Press, 1993). Agosín, que escribe principalmente en español, invoca con frecuencia temas de desplazamiento e inmigración en su poesía. En una entrevista con Blackbird, ella dice: “Siento que no pertenezco. Me siento un extraño, lo cual es muy bueno para un poeta, sentirse un extraño”. Agosín es también autor de varias obras en prosa, entre ellas A Cross and a Star: Memoirs of a Jewish Girl in Chile (University of New Mexico Press, 1995) y I Lived on Butterfly Hill (Atheneum Books, 2015), ganadora del premio 2015 Premio Internacional del Libro Latino en ficción para adultos jóvenes.nActivista de derechos humanos, Agosín es conocida por su trabajo en la promoción de la justicia social y el feminismo. En 1998, recibió un Premio al Liderazgo de las Naciones Unidas en Derechos Humanos, y en 2002, el gobierno de Chile le otorgó el Premio Gabriela Mistral por logros en la vida. Galardonado con el prestigioso premio español Letras de Oro. Agosín es profesor de español en Wellesley College. Vive en Wellesley, Massachusetts.
The poet
Marjorie Agosín was born in Chile in 1955. She began writing poetry as a child, and after her family moved to Athens, Georgia in 1969, she continued to write poems in Spanish. He received a BA from the University of Georgia and an MA and Ph.D. from Indiana University.nAgosín is the author of numerous collections of poetry, among them On the Threshold of Memory: New and Selected Poems (White Pine Press, 2003); Toward the Splendid City (Prensa Bilingüe / Editorial Bilingüe, 1994), winner of the 1995 Latin Literature Award; and Sargasso (White Pine Press, 1993). In an interview with Blackbird, she says: “I feel like I don’t belong. I feel like a stranger, which is very good for a poet, to feel like a stranger.” Agosín is also the author of several prose works, including A Cross and a Star: Memoirs of a Jewish Girl in Chile (University of New Mexico Press, 1995) and I Lived on Butterfly Hill (Atheneum Books, 2015), winner of the award 2015 International Latin Book Award in fiction for young adults. A human rights activist, Agosín is known for her work promoting social justice and feminism. In 1998, he received a United Nations Leadership Award in Human Rights, and in 2002, the Chilean government awarded him the Gabriela Mistral Award for achievements in life. Recipient of the prestigious Letras de Oro Spanish award, Agosín is a Spanish professor at Wellesley College. She lives in Wellesley, Massachusetts.
Samuel Shats nació en Santiago, Chile y tiene un doctorado en ingeniería de la Universidad de Tel Aviv. Trabajó como docente, investigador y emprendedor antes de dedicarse a la fotografía. Su carrera fotográfica comenzó en 1969 cuando ingresó al Cine Club de Fotografía de Chile, institución que presidió de 1994 a 1996. En 1983 comenzó a desarrollar sus proyectos fotográficos personales. Ha expuesto en más de 17 exposiciones individuales y 30 exposiciones colectivas en Chile, Israel, Argentina, Brasil y Estados Unidos. Además de su actividad creativa ha sido juez, comisario y docente y ha dirigido un taller de creación fotográfica durante años.
Samuel Shats was born in Santiago, Chile, and holds an Engineering PhD from Tel Aviv University. He worked as a teacher, researcher, and entrepreneur before dedicating himself to photography. His photographic career began in 1969 when he joined the Chilean Photo Cine Club, an institution he chaired from 1994 to 1996. In 1983 he began to develop his personal photographic projects. He has exhibited in more than 17 individual exhibitions and 30 group exhibitions in Chile, Israel, Argentina, Brazil and the United States. In addition to his creative activity he has been a judge, curator and teacher and has directed a photographic creation workshop for years.
Alison Ridley llegó a Hollins University en 1991 después de completar su doctorado.en la Universidad Estatal de Michigan. Los intereses de investigación del profesor Ridley incluyen la picaresca española y el drama español del siglo XX. Ha publicado artículos sobre el dramaturgo español Antonio Buero Vallejo y la novela picaresca Guzmán de Alfarache. También ha presentado ponencias en congresos nacionales e internacionales.
Alison Ridley came to Hollins in 1991 after completing her Ph.D. at Michigan State University. Professor Ridley’s research interests include Spanish picaresque and 20th century Spanish drama. He has published articles on the Spanish playwright Antonio Buero Vallejo and the picaresque novel Guzmán de Alfarache. He has also presented papers at national and international conferences.
Entre los pintores latinoamericanos más exitosos, la forma de Sandra Beraha se compara con impresionistas anteriores, pero su uso de medios creativos, que incluyen tinta, pastel, acrílicos, lana, harina, madera, vidrio y especias la distingue. Sandra, quien comenzó su carrera como artista a los cuatro años, es una poeta publicada y líder en el campo de las artes visuales. Un punto culminante de su carrera, “Maravilloso Ecuador” (Ecuador maravilloso), una colección de más de 700 pinturas, muestra la belleza natural de su hogar durante tiempos de incertidumbre política. Los críticos han señalado: “Desde su regreso a Quito inició uno de los viajes más difíciles, el de elegir entre una de las múltiples fases de su personalidad creativa…” Sus colecciones más recientes combinan su pasión por la pintura con la fotografía digital. Las obras de Sandra se han presentado en América del Norte y del Sur.
Among the most successful Latin American painters, Sandra Beraha’s form draws comparison to earlier impressionists, but her use of creative media, including ink, pastel, acrylics, wool, flour, wood, glass and spices sets her apart . Sandra, who began her career as an artist at age four, is a published poet and leader in the field of visual arts. A highlight of her career, “Marvilloso Ecuador” (Marvelous Ecuador) a collection of over 700 paintings, showcases the natural beauty of her home during politically uncertain times. Critics have noted, “Since her return to Quito she started one of the most difficult journeys –that of choosing among one of the multiple phases of her creative personality…” Her most recent collections combine her passion for painting with digital photography. Sandra’s works has been featured in both North and South America.
El arte de Sandra Beraja/ The Art of Sandra Beraja
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Autorretrato
La poesía de Sandra Beraja/ The Poetry of Sandra Beraja
EL OLVIDO
Olvidé leer,
Olvido de olvidar,
Aquel olvido, así como nunca estar
Olvidaré.
FORGETTING
I forgot to read,
I forgot to forget.
That forgetting, thus like never being.
I will forget.
EL PASADO
¿Qué decir ya del pasado?
Lo que es.
Parte del tiempo que parte, parte.
THE PAST
Why still speak of the past?
What is.
A part of time that departs, departs.
LA DISCULPA
La disculpa es la culpa de ser,
Se mantiene en culpa por la disculpa.
THE EXCUSE
The excuse is the fault of being
One affirms guilt by the excuse.
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THE BATTLE
I have fought battles to reach your heart,
With mine naked to the storms.
Defeated I am by your thoughts.
So strong they are,
They buried my heart under the stones
That I placed in your yard.
There is where I lay,
Under the leaves that feel,
Under the snow that came.
Si tu amor fuera para siempre,
Viviría eternamente
En el aliento que respiras.
Es allí donde yo siento
Respirando tu aliento.
Es el amor
Donde te encuentro,
Como si sudara a borbotones
Las insensatez de la exageración,
Una producción al por mayor de ilusiones y desilusión
Correteando el cansancio
Me arrastro hacia la luz de mis errores.
Dispuesta a vivir a pesar de mí misma,
Dispuesta a descansar en los brazos del riesgo de ser/ imperfecta,
Me preparo a dormir en mi propia soledad.
Una vez más desnuda
Ante la falta de razón
Sudando a borbotones
Las ganas de compresión.
Nada tengo ya que decir
Y quisiera saber si lo que he dicho de algo ha servido.
¿Será que llegaré a silencio,
O que el silencio ha llegado a mí?
What am I thinking about.
Recuerdo más que pienso,
Porque no sé si recordar
Es pensar.
Los extremos desbordados
deformados
exagerados
huyen los sensatos
___________________________________
THE BATTLE
I have fought battles to reach your heart,
With mine naked to the storms.
Defeated I am by your thoughts.
So strong they are,
They buried my heart under the stones
That I placed in your yard.
There is where I lay,
Under the leaves that feel,
Under the snow that came.
If your love was forever
I would live eternally
In the breath your breath,
It is there where I feel
Breathing your breath.
The craziness of exaggeration.
It is love
Where I meet you,
As if I was sweating at the boiling point.
A wholesale production of illusions and disillusion
Chasing weariness
I drag myself toward the light of my errors.
Ready to live in spite of myself,
Ready to rest in the arms of the risk of being imperfect.
I prepare to live in my own solitude.
Once more naked
Before the lack of reason
Sweating at a boil
The desire for understanding.
And I would like to know if what I have said has had/an effect.
Will it be that I arrive at silence
Or that the silence has arrived to me.
I recognized them, didn’t I without knowing who they are
I don’t have anything left to say,
What am I thinking about.
I remember more than I think,
Because I don’t know it remembering
Is thinking.
I always return home.
I always take off my clothes
I have wanted to live with you more
I have wanted to love you.
He querido.
I rarely go anywhere
And much further.
I would like to know what I feel.
Perhaps that may be because I feel nothing that I don’t/ know that I feel.
I wish to believe what I tell myself
And I tell myself things not to believe in.
The story continues without knowing what I feel.
I have spent so much time with me and with my stories,
That now what do I tell myself?
The extremes exceeded
deformed
exaggerated
flee the sensible.
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Adina Worcman, naturalizada brasileira, nasceu em Rosenheim (Alemanha), em 1948. Formou- se em Pedagogia, Língua Hebraica e Arte Educação, e desde 1975 está envolvida com as artes plásticas. Lecionou Educação Artística, Língua Hebraica e Artes Plásticas em vários ateliês-escola durante 25 anos. Sua formação inclui cursos e workshops no Liceu de Artes e Ofícios, nas Oficinas Oswald de Andrade, Mube, Pinacoteca do Estado de SP e na Escola Panamericana de Artes. Cursou escultura com os professores Antonio Santos Lopes e Carlos Garcia Aires, e pintura com Renato Pinto. Premiada no Brasil e exterior, cria troféus para várias empresas, e em 2006 recebeu o 9º lugar em escultura na 6ª Bienal de Roma. Além das Artes, Adina se dedica à escrita e faz parte de Antologias Literárias no Brasil e exterior.
Adina Worcman, brasileña naturalizada, nació en Rosenheim (Alemania), en 1948. Se licenció en Pedagogía, Lengua Hebrea y Educación Artística, y desde 1975 se dedica a las artes plásticas. Enseñó Educación Artística, Lengua Hebrea y Artes Plásticas en varios talleres escolares durante 25 años. Su formación incluye cursos y talleres en el Liceo de Artes y Oficios, en Oswald de Andrade, Mube, Pinacoteca do Estado do SP y en la Escuela Panamericana de Artes. Estudió escultura con los profesores Antonio Santos Lopes y Carlos García Aires, y pintura con Renato Pinto. Premiada en Brasil y en el exterior, crea trofeos para varias empresas, y en 2006 obtuvo el noveno lugar en escultura en la VI Bienal de Roma. Además de las artes, Adina se dedica a la escritura y es parte de Antologías literarias en Brasil y en el exterior.
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Adina Worcman, naturalized Brazilian, was born in Rosenheim (Germany), in 1948. She graduated in Pedagogy, Hebrew Language and Art Education, and since 1975 she has been involved with the plastic arts. He taught Artistic Education, Hebrew Language and Plastic Arts in several school workshops for 25 years. His training includes courses and workshops at the Lyceum of Arts and Crafts, at the Oswald de Andrade, Mube, Pinacoteca do Estado do SP and at the Panamerican School of Arts. He studied sculpture with professors Antonio Santos Lopes and Carlos Garcia Aires, and painting with Renato Pinto. Awarded in Brazil and abroad, she creates trophies for several companies, and in 2006 she received the 9th place in sculpture at the 6th Bienal de Roma. In addition to the Arts, Adina is dedicated to writing and is part of Literary Anthologies in Brazil and abroad.
Nacida en 1924 en Milán, Italia, Linda Kohen vive en Montevideo, Uruguay. Huyendo del antisemitismo en vísperas de la Segunda Guerra Mundial, Linda Kohen emigró con su familia a Montevideo a través de Buenos Aires en 1939. Desde entonces, la artista de origen italiano ha vivido y trabajado en la región del Río de la Plata, con un interludio en Brasil (1979-1985). Desde 1949 hasta la desaparición del estudio en 1962, Kohen fue miembro del Taller Torres-García, donde estudió, creó y exhibió su arte. Después de su trabajo en el Taller, llegó a su propio estilo único y personal, creando pinturas íntimas que ofrecen un vistazo a sus momentos, sentimientos y experiencias privadas. Kohen continúa desarrollando su práctica artística desde su casa y estudio en Montevideo.
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Born in 1924 in Milan, Italy, Linda Kohen lives in Montevideo, Uruguay. Fleeing from anti-Semitism on the eve of World War II, Linda Kohen immigrated with her family to Montevideo by way of Buenos Aires in 1939. Since then, the Italian-born artist has lived and worked in the Río de la Plata region, with an interlude in Brazil (1979-1985). From 1949 until the studio’s demise in 1962, Kohen was a member of the Taller Torres-García, where she studied, created, and exhibited her art. After her work at the Taller, she arrived at her own uniquely personal style, creating intimate paintings that offer a glimpse into her private moments, feelings, and experiences. Kohen continues to develop her artistic practice from her home and studio in Montevideo.
Museum of Latin American Art, Long Beach, California Samuel Harn Museum of Art, Gainesville Florida USA Museo Nacional de Artes Visuales, Montevideo, Uruguay Museo Gurvich, Montevideo, Uruguay Museo de Arte Americano de Maldonado, Uruguay Museo de Arte Contemporáneo “El País”, Montevideo, Uruguay Museo de Arte Moderno, Buenos Aires, Argentina Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, Argentina Centro Cultural Borges, Buenos Aires, Argentina Museo de Bellas Artes Castagnino, Rosario, Argentina Museo de Arte de São Paulo, Brazil Fundación Ortiz Gurdian, Managua, Nicaragua
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Exhibicions individuales
2017 Vivir, Fundación Pablo Atchugarry, Maldonado, Uruguay Caminos, Museo Mazzoni, Maldonado, Uruguay Natura y el hombre, Fundación Pablo Atchugarry Maldonado, Uruguay 2016 Mamma, Istituto Italiano di Cultura, Montevideo, Uruguay 2015 Uomo, Vicenzo Lovato Gallery, Vicenza Italia Amanti, Galleria Ghelfi, Venice, Italy 2014 Private Life: my house, my table, my bed, myself, Cecilia de Torres, Ltd., New York 2013 Self-Shadows, The Americas Collection, Coral Gables, Florida Pueblo Garzón Gallery, Maldonado, Uruguay 2012 ALONE, Museo Nacional de Artes Visuales, Montevideo, Uruguay I Have Always Liked to Draw, Centro Cultural Borges, Buenos Aires, Argentina TIMES, Pablo Atchugarry Foundation, Maldonado, Uruguay 2011 Ghelfi Gallery, Vicenza, Italy MVD Gallery, World Trade Center, Montevideo, Uruguay Dan Gallery, São Paulo, Brazil The Americas Collection, Coral Gables, Florida Hoy en el Arte Gallery, Buenos Aires, Argentina Las Vertientes Farm Cultural Center, Punta del Este, Uruguay 2010 Centro Cultural Borges, Buenos Aires, Argentina 2009 El Peñasco, Maldonado, Uruguay 2008 Museo Artiguista, Maldonado, Uruguay Palais de Glace, Buenos Aires, Argentina 2007 Meridiano Gallery, Montevideo, Uruguay Centro Cultural Borges, Buenos Aires, Argentina 2005 Cultural Center of Spain, Montevideo, Uruguay 2004 Puerta de San Juan Gallery, Montevideo, Uruguay 2003 Alianza Cultural Uruguay Estados Unidos, Montevideo, Uruguay Centro Cultural Borges, Buenos Aires, Argentina 1999 Museo de Arte Contemporáneo “El País”, Montevideo, Uruguay 1998 Mazzoni Museum, Maldonado, Uruguay Museo Regional de San Carlos, Uruguay Museo de Arte Americano, Maldonado, Uruguay Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, Argentina 1997 Museo de Arte Americano, Maldonado, Uruguay New Israeli Congregation, Montevideo, Uruguay 1995 OEA Exhibition Hall, Buenos Aires, Argentina Museo de Arte Americano, Maldonado, Uruguay 1994 Moretti Gallery, Montevideo, Uruguay Museo de Arte Moderno, Buenos Aires, Argentina Museo de Arte Americano, Maldonado, Uruguay 1991 Álvaro Castagnino Gallery, Buenos Aires, Argentina Moretti Gallery, Montevideo, Uruguay Museo de Arte Americano, Uruguay 1988 Museo de Arte de São Paulo, Brazil Wizo Federation of Uruguay 1987 Cultural House of Alicia Goyena, Montevideo, Uruguay B’Nai B’rith Oriental, Montevideo, Uruguay Museo de Arte Americano de Maldonado, Maldonado, Uruguay 1985 Art Museum of The Organization of American States, Washington D.C. Instituto Cultural Italiano, Montevideo, Uruguay Museo Artiguista, Maldonado, Uruguay 1984 Bonino Gallery, Rio de Janeiro, Brazil Museo de Arte Americano, Maldonado, Uruguay Museum of Fine Arts Castagnino, Rosario, Argentina 1982 Dan Gallery, São Paulo, Brazil 1981 Gallery Meeting Point, Miami, Florida Museo de Arte de São Paulo, Brazil 1978 Ática Gallery, Buenos Aires, Argentina 1977 Arte Múltiple Gallery, Buenos Aires, Argentina 1976 Contemporary Gallery, Montevideo, Uruguay 1975 Trilce Gallery, Montevideo, Uruguay 1971 Moretti Gallery, Montevideo, Uruguay
Osvaldo Romberg, hijo de inmigrantes judíos, estudió arquitectura en la Universidad de Buenos Aires. Enseñó arte en las Universidades de Buenos Aires, Córdoba, Puerto Rico y Tucumán hasta 1973, cuando emigró a Israel, enseñando en la Academia de Artes Bezalel y Diseño por 20 años. Más tarde, enseñó en la Academia de Bellas Artes de Pensilvania en Filadelfia. Durante las últimas cinco décadas y en los cinco continentes, Romberg ha producido trabajos que abordan cuestiones de análisis del color, interpretación y representación del arte y la historia del arte, y las de pinturas históricas famosas para investigar las convenciones políticas y sociales de mirar y ver. Romberg se desempeñó como profesor en la Universidad Ben-Gurion, Israel, donde fundó un centro para cine experimental, video y arte mediático. Ha exhibido ampliamente como artista en instituciones como el Kunsthistorisches Museum, Viena; Kunstmuseum, Bonn; Museo Ludwig, Colonia; Museo del Sudo, Tokio; El museo de Israel, Jerusalén; El museo judío, Nueva York; la XLI Bienal de Venecia, Pabellón de Israel; El museo de arte de Filadelfia; Museo de Arte Moderno, Buenos Aires; y el Van Abbemuseum, Eindhoven.
Osvaldo Romberg, the son of Jewish immigrants, studied architecture at the University of Buenos Aires He taught art at the Universities of Buenos Aires, Côrdoba, Puerto Rico and Tucumán until 1973, when he emigrated to Israel, teaching at the Bezalel Academy of Arts and Design for 20 years. Later, he taught at the Pennsylvania Academy of the Fine Arts in Philadelphia. Over the past five decades and on five continents, Romberg has produced work that tackles questions of analysis of color, interpretation and representation of art and art history, and those of famous historical paintings to investigate the political and social conventions of looking and seeing. Romberg served as a professor at the Ben-Gurion University, Israel, where he a founded a center for experimental cinema, video and media art. He has exhibited widely as an artist at institutions including the Kunsthistorisches Museum, Vienna; Kunstmuseum, Bonn; Ludwig Museum, Cologne; Sudo Museum, Tokyo; The Israel Museum, Jerusalem; The Jewish Museum, New York; the XLI Venice Biennial, Israel Pavilion; The Philadelphia Museum of Art; the Museum of Modern Art, Buenos Aires; and the Van Abbemuseum, Eindhoven.
Descendiente de inmigrantes judíos y criado durante el brutal período de la dictadura militar conocida como la “Revolución Argentina” (1966-1973), Guillermo Kuitca produce poderosas pinturas, esculturas, dibujos e instalaciones que resuenan con temas de aislamiento, dislocación y soledad. Aunque casi siempre está desprovisto de humanos, sus obras tienen un fuerte sentido de presencia humana, con motivos como carruseles de equipaje del aeropuerto, mapas, planos de apartamentos y gráficos de asientos de teatros que se ejecutan en sus muchas creaciones. Como él explica, sus obras sostienen “la verdad, la historia, el pasado, la experiencia.
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Descended from Jewish immigrants and raised during the brutal period of military dictatorship known as the “Argentine Revolution” (1966–73), Guillermo Kuitca produces powerful paintings, sculptures, drawings, and installations resonant with themes of isolation, dislocation, and loneliness. Though almost always devoid of humans, his works have a strong sense of human presence, with motifs like airport baggage carousels, maps, apartment floor plans, and theater seating charts running throughout his many creations. As he explains, his works hold “the truth, the story, the past, the experience.
Manuel Kantor (1911- 1983), o “Menke”, ex jugador de voleibol que brilló en la Selección argentina y fue medalla de bronce en los Juegos Olímpicos de Seúl ’88. Nació en Buenos Aires en 1911, vivió también en Rîo de Janeiro y en Bahía, en Brasil, y murió en Jerusalén, en 1983. Fue un gran pintor, dibujante, retratista, caricaturista político y muralista que además hizo de sus viajes un estilo de vida nómade que contrastaba con su aspecto de dandy. El judaísmo siempre estuvo presente en la vida de Kantor, desde la ortodoxia de sus padres de origen ruso, quienes llegaron al país en 1906. Hizo el boceto para la composición del friso del mural de Tobías el Lechero, un relato popular de Scholem Aleijem, reconocido autor de la literatura idish. También hizo pinturas sobre Tel Aviv y Eilat, paisajes en el que el artista solía inspirarse durante su estadía en Israel.
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Manuel Kantor (1911- 1983), or “Menke”, a former volleyball player who shone in the Argentine National Team and won a bronze medal at the Seoul Olympics ’88. He was born in Buenos Aires in 1911, he also lived in Rio de Janeiro and Bahia, in Brazil, and died in Jerusalem, in 1983. He was a great painter, draftsman, portraitist, political cartoonist and muralist who also made his travels a style of nomadic life that contrasted with his dandy appearance. Judaism was always present in the life of Kantor, from the orthodoxy of his parents of Russian origin, who came to the country in 1906. He did a sketch for the composition of the frieze on the mural of Tobías el Lechero, a popular account of Scholem Aleichem, renowned author of Yiddish literature. He also did paintings about Tel Aviv and Eilat, landscapes that inspired the artist during his stay in Israel.
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Pinturas de Bahía,Brasil/Paintings of Bahia, Brazil
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Un lago en Brasil/A Lake in Brazil
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Pinturas de La Boca, una vecindad en Buenos Aires/Paintings of La Boca in Buenos Aires
Rubén Cukier, nacido y criado en Buenos Aires en 1964, en una Argentina políticamente violenta. Ahora vive en Israel. Cukier elige colores y sombras que revelan un anhelo por una realidad menos superficial y menos engañosa. Las formas, dimensiones y colores dan forma a los sueños y pesadillas, e incluso aluden a una noción de esperanza. El humor se usa para reflejar miedos, hábitos y deseos que la mayoría de nosotros negamos y reprimimos profundamente dentro de yuxtaposiciones inesperadas que, al principio, son desconcertantes y provocan pensamientos, pero cuando se consideran más de cerca, producen reconocimiento. El reconocimiento de sueños, miedos o pensamientos que nosotros mismos pudimos haber experimentado en un momento u otro.
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Rubén Cukier, born and raised in Buenos Aires in 1964, in a politically violent Argentina. He now lives in Israel. Cukier chooses colors and shades that reveal a yearning for a less superficial, less deceptive reality. The forms, dimensions and colors give shape to dreams and nightmares, and even allude to a notion of hope. Humor is used to reflect fears, habits and desires that most of us deny and suppress deep within Unexpected juxtapositions that, at first, are baffling and thought provoking but when considered more closely, produce recognition. The recognition of dreams, fears or thoughts that we ourselves may have experienced at one time or another.
El diccionario define el surrealismo, como un estilo de arte y literatura, enfatizando el significado subconsciente o no racional de las imágenes a las que se llega mediante el automatismo o la explotación de los efectos del azar y las yuxtaposiciones inesperadas.
The dictionary defines surrealism , as a style of art and literature, stressing the subconscious or non rational significance of imagery arrived at by automatism or the exploitation of chance effects and unexpected juxtapositions.
Noemí Gerstein nació en Buenos Aires en 1908. Estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes y en los Cursos Libres de Arte con el escultor Alfredo Bigatti. Patrocinada por el gobierno francés viajó a París y allí concurrió a la Grande Chaumière para estudiar bajo la guía del reconocido artista ruso Ossip Zadkine. Destacada por sus esculturas, el 3 de abril de 1975 la Academia Nacional de Bellas Artes, la designó Académica de Número y fue la primera mujer nombrada con dicho título. Participó de numerosas exposiciones, entre ellas: en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, Estados Unidos, en 1967; en la Bienal de Escultura al aire libre Middleheim en Amberes, Bélgica, en el año 1970 y en la Bienal de Venecia, Italia, en los años 1956, 1962 y 1964. Además, exhibió en importantes salas y museos en Alemania, Francia e Israel. En Argentina, expuso también en múltiples galerías e instituciones como, por ejemplo: Museo Provincial de Bellas Artes “Rosa Galisteo de Rodríguez” de la provincia de Santa Fe y Galería El Triángulo, Galería Vermeer, Galería Rubbers y la Galería Guernica de Buenos Aires, entre otros. En 1969, el Estado de Israel la nominó entre las doce personalidades artísticas más importante del mundo. Murió en Buenos Aires, en 1996.
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Noemí Gerstein was born in Buenos Aires in 1908. She studied at the National School of Fine Arts and Free Art Courses with the sculptor Alfredo Bigatti. Sponsored by the French government, she traveled to Paris and attended the Grande Chaumière to study under the guidance of renowned Russian artist Ossip Zadkine. Noted for its sculptures, on April 3, 1975, the National Academy of Fine Arts, designated her Academic of Number and was the first woman named with that title. She participated in numerous exhibitions, including: at the Museum of Modern Art in New York, United States, in 1967; at the Middleheim Open-Air Sculpture Biennial in Antwerp, Belgium, in 1970 and at the Venice Biennale, Italy, in 1956, 1962 and 1964. In addition, she exhibited in important halls and museums in Germany, France and Israel . In Argentina, she also exhibited in multiple galleries and institutions such as: “Rosa Galisteo de Rodríguez” Provincial Museum of Fine Arts of the province of Santa Fe and El Triángulo Gallery, Vermeer Gallery, Rubbers Gallery and the Guernica Gallery of Buenos Aires, among others. In 1969, the State of Israel nominated her among the twelve most important artistic personalities in the world. She died in Buenos Aires, in 1996.
Para un joven de 19 años, nacido cerca de Kovno, Lituania, Montevideo le debió impresionar como la tierra prometida después de una larga y agotadora travesía marítima. Zoma Baitler, el menor de seis hermanos, no llegó a conocer a su padre al morir él. Eso lo marcó en su infancia. En la sinagoga cercana aprendió el kadish, la oración por los difuntos, antes que la lectura. Atormentado por esa ausencia de un padre solo conocido por fotografías, decidió reaccionar y superar la intensa angustia que le impedía relacionarse con el mundo. La pintura y los estudios fueron abriendo el camino hacia la liberación de sus intensas emociones. Es probable su asistencia a la Escuela de Artes y Oficios y a la ORT, especie de escuela politécnica, de Kovno, optando por especializarse en tipografía, la frecuentación inevitable por la religión en la Escuela Talmúdica, además de asistir al taller del pintor académico Paul Kaufmann. Dominando varios idiomas (idish, hebreo, polaco, alemán, ruso, francés), Baitler estaba bien preparado. La década de los veinte en Uruguay se estiró más allá de sus límites cronológicos, hasta los años 40, la década dorada en la historia uruguaya. Zoma Baitler asistió deslumbrado a ese escenario de efervescencia cultural al cual muy pronto se incorporaría como protagonista. Dotado de cordialidad y simpatía, de la energía del exiliado, Su indeclinable vocación pictórica se manifestó con persistencia, por su apego a la naturaleza, prefirió el lirismo impresionista. No debió ser indiferente a los cuadros de Blanes Viale o Milo Beretta. Al regresar Joaquín Torres García en 1934, fue de los primeros en acercarse al maestro del constructivismo que lo aceptó como alumno. Trabajó con él siete años, sin adherir a sus principios teóricos y prácticos, ejecutando naturalezas muertas convencionales y, de vez en cuando, algún ensayo constructivista. “Llegué al impresionismo naturalmente. Sin esfuerzos, sin violencias. No es que lo eligiera yo. Es que lo llevaba con mi vocación”. La afirmación de Baitler hizo que fuera considerado, realmente, un pintor impresionista. Lo fue en parte. Manejó a su manera que, en principio coincidió con aspectos diversos del impresionismo y el posimpresionismo. Entusiasta de la naturaleza, pintó al aire libre. En la ciudad y el campo. Calles céntricas, caseríos suburbanos, estaciones de ferrocarril, campos cultivados y agrestes, todo lo que contribuye al género paisajístico.
For a 19-year-old boy, born near Kovno, Lithuania, Montevideo must have impressed him as the promised land after a long and exhausting sea voyage. Zoma Baitler, the youngest of six brothers, did not get to know his father when he died young. That marked him in his childhood. In the nearby synagogue he learned Kadish, the prayer for the dead, before reading. Tormented by the absence of a father known only for photographs, he decided to react and overcome the intense anguish that prevented him from relating to the world. Painting and studies were opening the way to the liberation of his intense emotions. He is likely to attend the School of Arts and Crafts and the ORT, a kind of polytechnic school in Kovno, opting to specialize in typography, the inevitable frequenting of religion in the Talmudic School, in addition to attending the workshop of the academic painter Paul Kaufmann . Mastering several languages (idish, Hebrew, Polish, German, Russian, French), Baitler was well prepared. The twenties in Uruguay stretched beyond its chronological limits, until the 40s, the golden decade in Uruguayan history. Zoma Baitler dazzled attended that scenario of cultural effervescence which would soon be incorporated as a protagonist. Endowed with cordiality and sympathy, with the energy of the exiled, His indeclinable pictorial vocation manifested persistently, for his attachment to nature, he preferred Impressionist lyricism. He should not have been indifferent to the paintings of Blanes Viale or Milo Beretta. When Joaquín Torres García returned in 1934, he was among the first to approach the master of constructivism who accepted him as a student. He worked with him seven years, without adhering to his theoretical and practical principles, executing conventional still lifes and, from time to time, some constructivist essay. “I came to impressionism naturally. Without efforts, without violence. Not that I chose it. I was carrying it with my vocation. ” Baitler’s claim made him truly considered an impressionist painter. It was partly. He managed in his own way that, in principle, coincided with different aspects of impressionism and post-impressionism. Nature enthusiast, painted outdoors. In the city and the countryside. Downtown streets, suburban hamlets, railway stations, cultivated and rugged fields, everything that contributes to the landscape genre.
Marcelo Cipis Inicia sua formação em artes plásticas, em 1968, no ateliê livre de criação coordenado por Naum Alves de Souza (1942), na Fundação Armando Álvares Penteado – Faap. Freqüenta o ateliê de Fanny Abramovitch, entre 1970 e 1971, e tem aulas com Luiz Paulo Baravelli (1942), em 1976. No ano seguinte, ingressa na Faculdade de Arquitetura e Urbanismo da Universidade de São Paulo – FAU/USP, formando-se em 1982. Nesse período começa a trabalhar como ilustrador em revistas e jornais e estuda aquarela com Rubens Matuck (1952). De 1983 a 1985 tem aulas de desenho e pintura com Dudi Maia Rosa (1946). Participa, em 1984, da 11ª Bienal de Artes Gráficas de Brno, na Tchecoslováquia, atual República Tcheca. Realiza sua primeira individual em 1988, na Galeria Documenta, em São Paulo. Participa da 21ª Bienal Internacional de São Paulo, com a instalação Cipis Transworld, das 4ª e 5ª edições da Bienal de Havana, Cuba. Recebe, em 1994, o Prêmio Jabuti pela capa do livro Como Água para Chocolate, de Laura Esquivel, publicado pela Editora Martins Fontes. Em 2000 ganha bolsa da Pollock-Krasner Foundation em São Paulo. Produz ilustrações para vários jornais, revistas e livros infantis.
Marcelo Cipis began his training in fine arts in 1968 at the free creative studio coordinated by Naum Alves de Souza (1942) at the Armando Álvares Penteado – Faap Foundation. He attends Fanny Abramovitch’s studio, between 1970 and 1971, and has classes with Luiz Paulo Baravelli (1942), in 1976. The following year, he joined the Faculty of Architecture and Urbanism of the University of São Paulo – FAU / USP, graduating In 1982, he began working as an illustrator in magazines and newspapers and studied watercolor with Rubens Matuck (1952). From 1983 to 1985 he took drawing and painting classes with Dudi Maia Rosa (1946). Participates in 1984 at the 11th Brno Biennial of Graphic Arts in Czechoslovakia, the present Czech Republic. Makes his first solo in 1988 at Galeria Documenta, in São Paulo. Participates in the 21st International Biennial of São Paulo, with the installation Cipis Transworld, the 4th and 5th editions of the Havana Biennial, Cuba. In 1994, he received the Jabuti Award for the cover of Laura Esquivel’s book Como Água para Chocolate, published by Editora Martins Fontes. In 2000, he received a scholarship from the Pollock-Krasner Foundation in São Paulo. Produces illustrations for various newspapers, magazines and children’s books.
Moico Yaker nació en Arequipa, Perú in 1949. Estudió Arquitectura en la University of Miami (EEUU), También estudió literatura, filosofía e historia en la Universidad Hebrea de Jerusalem. Fue a la Escuela de Dibujo y Pintura “Byam Shaw” en Londres y a la École National Supérièure de Beaux-Arts, Paris.
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Moico Yaker was born in Arequipa, Peru, in 1949. He studied Architecture at the University of Miami, Miami, Florida, He also studied literature, philosophy and history at the Hebrew University in Jerusalem. He attended the “Byam Shaw” School of Drawing and Painting in London and the École National Supérièure de Beaux-Arts in Paris.
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“Tener problemas para orar” es una serie continua de sesenta dibujos que representan a un adorador cuya crisis existencial asume dimensiones inesperadas y a veces fantásticas.
SOBRE “TENIENDO PROBLEMAS PARA REZAR”
Una mañana en Tel Aviv, decidí que la única forma en que podía orar era salir a las calles en busca de una persona religiosa que me obligara a hacerlo. Necesitaba sentir que las rayas de cuero del tefilín apretaban mi piel para precipitar nuevamente de mi corazón el fluido de las emociones que una vez me calentaron los días. Paseé por las calles de Bnei Barak infructuosamente durante unos días, pero no pude encontrar lo que estaba buscando. “Tener problemas para orar” comenzó allí, donde la representación intenta cumplir el mismo acto de orar. . .o de “no rezar”. Un ritual matutino de rayas de tinta en la piel del papel.
Ese día dibujo mi oración mientras mis dedos, enredados en rayas, corren como sangre tan negra como un toro furioso. A la mañana siguiente, mientras dibujaba mi lectura de las palabras santas, son cálidas, como el gato de mi hija acariciando mi pierna. Pero debo concentrarme y trato de encontrar una mejor posición para leer mis oraciones. Me paro en un brazo. Puse el libro en el suelo y lo leí doblado. Pero luego un olivo comienza a crecer de mis dedos, y lo aprieto en mi brazo para dejar claros signos de mi devoción. Al día siguiente, el arbusto ha crecido profusamente, ha florecido. Cuando escuché un zumbido y vi que un grupo de insectos se había unido a mí, cantando al unísono, combinamos nuestras voces y vi cómo sus alas estampadas y las rayas negras alrededor de mi brazo se veían iguales. “Todos debemos ser judíos”, dije. Luego comenzaron a llegar pájaros más coloridos y loros de la jungla, que se acomodaron en el árbol que crecía lentamente de mi cuello. Estaba tratando de repetir solemnemente esas palabras que en un trueno unen todas las cosas en una. . . Pero mi cuerpo ahora se sentía tan ligero como un susurro y podía escuchar a todos mis invitados, algunos silbando y otros chillando en el dosel al ritmo de las letras hinchadas de tinta que no había podido leer. Volví a mirar mi libro de oraciones y noté cuán blanco y desprovisto de tinta se había vuelto mi cuerpo sentado. . Me estremecí en mi transparencia, haciendo que todos los pájaros e insectos de tinta negra saltaran en un trueno de la página blanca, volviéndome una vez más al vacío del día. Pero a la mañana siguiente había crecido un limonero donde aún se podía oír el divino grito. tratando de leer n mandarinas. . . Todos éramos judíos y comenzamos a cantar una canción. Tenía que poner fin a todas estas distracciones banales y concentrarme en mi propósito: tenía que liberar mis oídos y mis ojos, esperando alguna respuesta. En silencio, comencé a envolver las filacterias negras y devolverlas a sus pequeños hogares. En el camino, las rayas de tinta negra surgieron abruptamente de la página blanca y comenzaron a girar y girar caprichosamente, recordándome todos los lugares donde habían estado. Un brazo vacío, mi cabeza desnuda, pájaros cantando sobre el amor, un toro furioso, una flor abierta, un ciervo ciego, todos ellos repetidos incansablemente, en blanco y negro, cómo los árboles, pájaros y montañas, nubes y lluvia, se regocijaban en su recreación; un caos organizado en el que las cabezas y los brazos estaban agrupados en patrones de líneas negras que cobraron vida en cantos piadosos.
Me aparté, notando cuán ansiosamente se reproducían. Estaba sudando tinta negra en mi piel de papel blanco. La intensidad de su devoción los había hecho sólidos, como el canto de toda una sinagoga; mi propia voz ya no se podía escuchar. Me escondí dentro de mi chal de oración, deseando el silencio de una respuesta. Hoy mi piel de papel es blanca otra vez, el espacio vacío que refleja esa hora devota en Tel Aviv. No hay respuestas en su superficie, solo la vanidad de otro lunes por la mañana y un leve recuerdo de mi sueño.
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“Having trouble to Pray” is an ongoing series of sixty drawings that depict a worshiper whose existential crisis assumes unexpected and sometimes fantastical dimensions
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“ABOUT: HAVING TROUBLE TO PRAY”
That day I draw my prayer as my fingers, entangled in stripes, run like blood as black as a raging bull. The next morning as I draw my reading of the saintly words, they are warm – like my daughter’s cat caressing my leg. But I must concentrate, and I try to find a better position to read my prayers. I stand on one arm. I put the book on the floor and read it bending. But then an olive tree starts to grow from my fingers, and I squeeze it on my arm to leave clear signs of my devotion. By the next day the bush has grown profusely, it has flowered. When I heard a buzz and saw a group of insects had joined me, chanting in unison, we matched our voices and I saw how their patterned wings and the black stripes around my arm looked just the same. “We must all be Jewish,” I said. Then more colorful birds and jungle parrots began to arrive, arraying themselves on the tree that was slowly growing out of my neck. I was trying to solemnly repeat those words that in a thunder unite all things in one. . . But my body now felt as light as a whisper and I could hear all of my guests—some whistling and others screeching on the canopy to the rhythm of the of the ink-swollen letters that I had been unable to read. I looked back at my prayer book and noticed how white and devoid of ink my seated body had become. . .I shivered in my transparency, making all the black-ink birds and insects to jump in a thunder out of the white page, returning me once again to the emptiness of the day. But next morning a lemon tree had grown where the divine warbling could still be heard. There were many juicy fruits, and the weight of the black ink perfumed the intricate branches that grew tightly around the words of awe I was trying to read.
“This fruit must also be Jewish,” I said, hoping to warm my heart with a feeling of mutual understanding. But I had to make sure and insisted on having the round delightful shapes of my fruits perform my ultimate intention. Quickly, I wound them around my own pen and ink as a sign of belonging to my community. And the lemons turned to apples and they became bananas and soon tangerines. . . We were all Jewish and we began to sing a song. I had to end all these banal distractions and concentrate on my purpose—had to liberate my ears and my eyes, hoping for some answer. Silently, I started to wrap the black phylacteries and return them to their small homes. On the way, the black ink stripes abruptly arose out of the white page and started to twist and swirl capriciously, reminding me of all the places they had been. An empty arm, my naked head, birds singing about love, a raging bull, an open flower, a blind deer, all of them repeated tirelessly, in black and white, how trees, birds and mountains, clouds and rain, rejoiced in their recreation; an organized chaos in which heads and arms were bundled up in think , black-lined patterns that became alive in pious chanting.
I stood back, noticing how eagerly they reproduced. I was sweating black ink on my white paper skin. The intensity of their devotion had made them become solid, like the chant of a whole synagogue; my own voice could no longer be heard. I hid within my prayer shawl, wishing for the silence of an answer. Today my paper skin is white again, the empty space reflecting that devout hour in Tel Aviv. There are no answers on its surface, only the vanity of another Monday morning and a faint remembrance of my dream.
Víctor Chab nació en la ciudad de Buenos Aires, el 6 de septiembre de 1930, en el seno de una familia de inmigrantes judíos. Nacidos en Damasco, luego de un breve paso por Cuba, sus padres se instalaron en la Argentina donde se dedicaron al comercio. A los trece años, apenas salido de la escuela primaria, Chab ya había definido su vocación por la pintura. Autodidacta, asistió a diversos talleres -brevemente al de Cecilia Marcovich y Demetrio Urruchúa- hasta que conoce el taller libre MEEBA (Mutual de Estudiantes y Egresados de Bellas Artes) donde ejercita el oficio. En 1947 obtiene el Segundo Premio del XXVI Salón Anual de MEEBA, por la obra “Manzana sobre mesa”. En 1952 realiza la primera exposición individual en la galería Plástica de la ciudad de Buenos Aires, comenzando así una larga trayectoria, exponiendo tanto en Argentina como en el exterior. En 2001, exhibe pinturas en la galería Rubbers. Estas obras altamente figurativas ponen en escena varios de los temas que Chab ha tratado en su larga carrera: automatismo versus imagen, representación versus delirio.
Victor Chab was born in the city of Buenos Aires, on September 6, 1930, in a family of Jewish immigrants. Born in Damascus, after a brief step through Cuba, his parents settled in Argentina where they worked in commerce. At thirteen, just after leaving elementary school, Chab had already defined his vocation for painting. Self-taught, he attended several workshops – especially that of Cecilia Marcovich and Demetrio Urruchúa – until he meets the free workshop MEEBA (Mutual of Students and Graduates of Fine Arts) where he exercises the trade. In 1947 he obtained the Second Prize of the XXVI Annual MEEBA Salon, for the work “Apple on table”. In 1952 he made the first individual exhibition in the Plastic Gallery of the city of Buenos Aires, thus beginning a long career, exhibiting both in Argentina and abroad. In 2001, he exhibits paintings in the Rubbers gallery. These highly figurative works put on stage several of the topics that Chab has dealt with in his long career: automatism versus image, representation versus delirium.
Grete Stern nació en Alemania en una familia judía, y en Weimar Berlín, ella y Ellen Auerbach tenían un estudio de fotografía llamado ringl + pit que se especializó en publicidad. Emigró a Buenos Aires en 1935. De 1948 a 1950, Stern fue contratada por una revista para mujeres para “ilustrar” los sueños que los lectores de la revista(en su mayoría amas de casa argentinas) presentaron. Hizo 150 fotomontajes, llamados Sueños, que comprenden quizás el documento psicológico más brillante y revelador jamás hecho sobre la vida interior de las mujeres de esa época. También hizo retratos de argentinos eminentes y de la gente indígena que vivían en el interior de Argentina.
The video is in Spanish. But, you still can see Grete’s House in detail.
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Fotografías de Grete Stein
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Fotografías feministas y surrealistas
SueñosLa botella y el mar
La vida de sueños de Grete Stern/ The Dream Life of /Grete SternSin títuloEscaleras/LaddersArtículos eléctricos para el hogar/Electric appliances for the home — Hecha con Horacio Coppola/Done with Horacio Coppola________________________________
Fotografías surrealistas
El ojo eterno/The Eternal EyeConcert
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Retratos/Portraits
Grete Stein – AutorretratoJorge Luis BorgesJorge Luis BorgesPedro Henríquez Ureña Intelectual DominicanaJuan Ramón Jiménez, Poeta Premio Nobel en Literatura
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Fotos de gente indégina/Photos of Indigenous People
En el Gran Chaco/In the Great Chaco ProvinceEn el Gran Chaco/In the Great Chaco ProvinceEn el Gran Chaco/In the Great Chaco Province
Patricia (Patty) Krasbuch nació en Buenos Aires, Argentina, en 1956, y ha estudiado pintura desde que tenía seis años. De 1975 a 1989, Patricia vivió en Israel, donde estudió pintura en Beer Sheva y Haifa. Al regresar a Argentina en 1989, Krasbuch estudió decoración de interiores en Montevideo, diseño gráfico en Buenos Artes y continuó perfeccionando su técnica trabajando en los estudios de arte de varios pintores argentinos líderes. Patricia Krasbuch también estudió con los líderes de grupos junguianos en la Fundación Vínculos en Buenos Aires; con el Dr. Carlos Menegazzo, estudió el psicodrama de los sueños, mitos y símbolos. De su propio trabajo, Krasbuch explica: “Mi trabajo vincula los dos mundos, el de arriba con el de abajo, el cielo y earth, tierra, masculino y femenino, espíritu y materia. El mundo material está en los espacios de silencio, el blanco, el Braille, los símbolos, la luz. Cada color es un viaje meditativo; en él, las cosas dejan de parecer formas concretas y se transforman en metáforas para expresar el verdadero sentido de su existencia a través de su alma. Lo visible es el conocimiento, lo invisible es la sabiduría. En casi todo mi trabajo, uso textos en Braille, un tipo de metáfora. Además, he incorporado elementos de la Cabalá y textos sagrados en mi búsqueda creativa “. APRENDER A VER LO QUE NO SE VE, CERRAR TUS OJOS A QUÉ DISTRACTO. PARA ACEPTAR NUESTRA CEGUERA. PARA INTENTAR DESCUBRIR UNA VISIÓN DE ARRIBA .
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Nota de Steve Sadow: Conocí a Patty Krasbuch, mientras compilaba un sitio web de artistas judío-latinoamericanos. Más tarde, con Cristina Braidotti Z”L Irene Jaievsky y José Rosenberg, estudiamos al efecto de la Liberación de los Campos de Concentración por los Aliados sobre sobrevivientes en la Argentina. La última vez que la vi fue en 2014: una persona muy amable, simpática con una intuición espiritual especial.
Patricia (Patty) Krasbuch was born in Buenos Aires, Argentina, in 1956, and has studied painting since she was age six years old. From 1975 to 1989 Patricia lived in Israel where she studied painting in Beer Sheva and Haifa. Upon returning to Argentina in 1989, Krasbuch studied interior decorating in Montevideo, graphic design in Buenos Artes and continued to perfect her technique by working in the art studios of several leading Argentine painters. Patricia Krasbuch has also studied with the leading of Jungian groups at the Vinculos Foundation in Buenos Aires; with Dr. Carlos Menegazzo, she studied the psychodrama of dreams, myths and symbols. Of her own work, Krasbuch explains: “My work links the two worlds, the one above with the one below, heaven and earth, masculine and feminine, spirit and matter. The Material world is in the spaces of silence, the white, the Braille, the symbols, the light. Every color is a meditative voyage; in it things cease to seem to be concrete forms and are transformed into metaphors in order to express the true sense of their existence through their soul.
The visible is the knowledge, the invisible is the wisdom. In almost all my work, I use texts in Braille,a type of metaphor. Also, I have incorporated elements of the Kabbalah and sacred texts into my creative search.”
TO LEARN TO SEE THAT WHICH IS UNSEEN,
TO CLOSE YOUR EYES TO WHAT DISTRACT,
TO ACCEPT OUR BLINDNESS,
TO TRY TO REDISCOVER A VISION FROM ABOVE.”
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Steve Sadow: I met Patty Krasbuch while compiling a website of Jewish-Latin American Art. Later, with Cristina Braidotti Z “L Irene Jaievsky and José Rosenberg, we studied the effect of the Liberation of the Concentration Camps by the Allies on survivors in Argentina. The last time I saw her was in 2014: a very kind, sympathetic person with a lot of spiritual intuition.
Desde pequeño, Leonardo Nierman quería ser músico y se dedicó al violín casi dos décadas. Tomó clases particulares y posteriormente estudió en el Conservatorio Nacional de la Música en la Ciudad de México, dando un recital en el Palacio de Bellas Artes. Un día descubre que su talento es insuficiente y no corresponde a sus ambiciones de ser un gran músico y deja el violín. Inicia sus estudios en administración de empresas en la Universidad Nacional Autónoma de México. Un día, al pasar frente a una tienda de material para arte, mira con emoción las cajas de lápices de colores, piensa que el arte puede ser su nuevo hobby y compra pinturas, pinceles y un lienzo. En 1956, -a la edad de 24 años-, pinta su primer mural para el auditorio de su facultad, y a partir de entonces despega su carrera como artista plástico. Ha participado en más de 100 exposiciones individuales en galerías, museos y centros culturales en Norte y Sudamérica, Europa, Asia y Australia. Sus esculturas, pinturas, murales y gobelinos se pueden encontrar en las principales colecciones del mundo.
Algunos galardones que ha recibido son:
Palma de Oro a las Bellas Artes de Mónaco (1969) Medalla Royce de Nueva York (1970) The Golden Medal of the League of Art de Chicago (1980)
Obra en colecciones públicas
Universidad de Harvard, Massachusett Instituto de Arte de Detroit, Detroit, Michigan Universidad Concordia, Irving, California Universidad Yale, New Haven, Connecticut Northeastern University, Boston, Massachusetts Instituto de Arte de Chicago, Illinois Museo del Vaticano, Italia Museo de Arte Moderno en Haifa, Israel Aeropuerto Internacional de Lambert-St. Louis Sala Nezahualcoyotl, México, DF
Since childhood, Leonardo Nierman wanted to be a musician and devoted himself to the violin almost two decades. He took private lessons and later studied at the National Conservatory of Music in Mexico City, giving a recital at the Palace of Fine Arts. One day he discovers that his talent is insufficient and does not correspond to his ambitions of being a great musician and leaves the violin. He began his studies in business administration at the National Autonomous University of Mexico. One day, as he passes by a store of art supplies, he looks at the boxes of colored pencils with emotion, thinks that art can be his new hobby and buys paintings, brushes and a canvas. In 1956, -at the age of 24 –, he painted his first mural for the auditorium of his faculty, and from then on he took off his career as a plastic artist. He has participated in more than 100 individual exhibitions in galleries, museums and cultural centers in North and South America, Europe, Asia and Australia. His sculptures, paintings, murals and gobelins can be found in the main collections of the world.
Some awards he has received are: Golden Palm for the Fine Arts of Monaco (1969) Royce Medal of New York (1970) The Golden Medal of the League of Art in Chicago (1980)
Work in public collections: Harvard University, Massachusetts Detroit Art Institute, Detroit, Michigan Concordia University, Irving, California Yale University, New Haven, Connecticut Northeastern University, Boston, Massachusetts Art Institute of Chicago, Illinois Vatican Museum, Italy Museum of Modern Art in Haifa, Israel Lambert-St. International Airport Louis Sala Nezahualcoyotl, Mexico City
Ferruccio Polacco nació en Ferrara, Italia, en 1917. En el arte es autodidacta. Vivió en Venecia hasta que emigra a la Argentina en 1940. Recibe el premio a escultor extranjero en el Salón Nacional de 1958, y más de veinte premios en su larga trayectoria, entre ellos el Premio Trabucco otorgado por la Academia Nacional de Bellas Artes, el más importante desde hace una década en la Argentina. Hasta la década del cincuenta, su obra es figurativa con una simpleza de formas extraordinaria, comienza luego con la abstracción que domina las últimas cinco décadas de su trayectoria. Construye sus obras como integradas al espacio, que ha sido la gran revolución de la escultura en el Siglo XX.
Ferruccio Polacco was born in Ferrara, Italia in 1917. He lived in Venice until his immigration to Argentina. He was a self-taught artist. He lived in Venice until he immigrate to Argentina in 1940. He received the prize as foreign sculptor in in the Salón Nacional en 1958 and more than twenty prizes in his long trajectory, among them the Trabucco Prize from the Academia Nacional de Bellas Artes, the most important in a decade in Argentina. Until the 1950s, his work is figurative with an extraordinary simplicity of form. He later began to practice abstraction and this style dominated the his last five decades of work. As part of the great revolution in sculpture in the twentieth century, he constructed works that were integrated into space.
Rubens Gerschman nasceu em São Paulo na familia judaica. Pintor, desenhista, gravador, escultor. estuda desenho e freqüenta a Escola Nacional de Belas Artes, entre 1960 e 1961. Em 1967, é contemplado com o prêmio de viagem ao exterior e viaja para os Estados Unidos. Reside em Nova York entre 1968 e 1972. Retorna ao Brasil, assume a direção da Escola de Artes Visuais, Rio de Janeiro. Em 1978, viaja para os Estados Unidos com bolsa da Fundação John Simon Guggenheim. Em 1982, permanece por um ano em Berlim como artista residente, Em 2000, lança álbum com 32 litografias.
Em suas primeiras telas, Rubens Gerchman pinta cenas urbanas bucólicas. Contaminado pelo universo da cultura de massa, faz quadros retratando as multidões e o mundo impresso nas páginas dos meios de comunicação. Nos trabalhos, as multidões aparecem de forma pouco detalhada, reafirmando o anonimato dos indivíduos. Sua temática sai da vida popular da metrópole: pinta concursos de miss, jogo de futebol e narrativas de telenovelas e histórias em quadrinhos.
Na coletiva Opinião 66, mostra obras críticas da situação brasileira. Na época, faz seus primeiros trabalhos tridimensionais. É premiado pelo Salão Nacional de Arte Moderna. Com o prêmio, muda-se para Nova York. Nos Estados Unidos, ajuda a organizar o boicote à Bienal Internacional de São Paulo, nomeada de “Bienal da Ditadura”. A partir de 1972, suas esculturas ganham a forma de múltiplos. O artista obtém grande sucesso comercial com eles.
Em 1973, retorna definitivamente ao Brasil e faz sua primeira retrospectiva, no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro. A partir de 1975, assume a direção da Escola de Artes Visuais. No período, dedica-se a telas feitas com base nas narrativas dos quadrinhos e na produção popular de imagens.
Nos anos 1980, o artista retoma a pintura realista. Ocupa-se, sobretudo, de temas como a criminalidade, as multidões e de aspectos pitorescos da vida na cidade. Essas pinturas são mais coloridas e gestuais. Aproxima-se das correntes neo-expressionismo da época. Na década de 1990, as figuras de suas telas são trabalhadas em esculturas e litografias.
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Rubens Gershman was born in São Paulo in a Jewish family . Paintor, designer, print-maker, sculptor. Between 1960-1961, he attended the National School of Fine Arts. In 1967, he was awarded with a travel fellowship to a country other than Brazil and he travelled to the United States. He lived in New York, 1968-1972. He returned to Brazil and he became direct of the School of Visual Arts in Rio de Janeiro. In 1978, he travelled to New York under the auspices of the John Simon Guggenheim foundation. In 1982, he spent a year in Berlin as an artist-in-residence. In 2000, he published an album with 32 lithographs.
On his first canvases, Gerchman painted bucolic urban scenes. Seeing the contamination by the universe of mass culture, he did paintings that portray the multitudes of people and the world as printed in the pages of the mass media, reaffirming the anonymous quality of the individuals. His themes come the the pop culture of the city: he paints beauty contests, soccer games and stories from soap operas and comic strips.
As part of the Opinion 66 collective, he showed works critical of the situation in Brazil. In that period, he did his first tridementional works. He is awarded a prize by the National Salon of Modern Art. With the prize money, he moved to New York, In the United States, he helped organize a boicot of the International Biennial of Sáo Paulo, calling it the “Biennial of the Dictatorship.” From 1972 on, his sculptures take on multiple forms.
In 1973, Gershman returned permanently to Brazil, and had his first retrospective in the Museum of Modern Art, Rio de Janeiro. From 1975 on, he was director of the School of Visual Arts. In this period, he dedicated himself to canvases based on comic book stories and the popular imagery.
In the 1980s, the artist returned to realistic painting. He occupied himself, above all, to themes such as criminality, the masses or picturesque aspects of the city. These painting are more colorful and gestural. He moved closer to the neo-expressionism of the period. In the 1990s, the figures from his paintings are reworked in sculptures an lithographs.
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Gershman: Obras/Works
O Alegre Morador da Caixa The Happy Resident of the Cash Register acrilica e colagem sobre placa acrylics and paste on stiff cardboard 59.20 cm x 59.20 cm
Futebol. Flamengo campeão campeão [Soccer.Flamengo, the Champion] Os super homens [Supermen]
Dos quadrinhos; /From the Comics.
Não ha Vagas/They Aren’t Bums — Relevo em madera c/tinta – Relief in wood with with ink
Me gustaría contarles cómo llegué hasta esta apasionante profesión. Comencé un camino de búsqueda a través del arte. Durante varios años estudié con diferentes profesores que me enseñaron variadas técnicas de la escultura hasta llegar a estudiar Escenografía en el Instituto de Superior de Arte del teatro Colón (el más importante teatro de óperas y conciertos de Argentina y prestigioso a nivel internacional.
No existiendo todavía un estudio formal en Curaduría. Me formé con Seminarios y Becas tanto nacionales como en el exterior y mi primera oportunidad llegó!!
Realizar la primera muestra permanente para el Museo del Holocausto de Buenos Aires…Una Gran Responsabilidad!! Y que luego de 20 años está en vías de ser renovada así como el edificio…
Lo que sigue es la propia evolución y crecimiento:
Curadora Museo del Holocausto de Buenos Aires-2001 al 2005
Curadora Museo de Arquitectura y Diseño de Buenos Aires-2003 al 2007
Curadora Galería Arte y Parte-Buenos Aires-2008 al 2010
Curadora Museo de la Mujer-Buenos Aires-2010 al 2017
Curadora – Museo de la Legislatura de la Cdad. de Buenos Aires-2015 al 2017
Al mismo tiempo se presentaban situaciones que amplificaron mis horizontes como trabajar con artistas en otros espacios privados, charlas, conferencias, Congresos, Becas y Seminarios Nacionales e Internacionales, escritura de Catálogos, artículos e Investigaciones.
Becas:
Becaria Fundación Antorchas, Nahum Goldman Fellowship, Getty Foundation, Smithsonian Institute, Jewish Theological Seminary- NYC y Task Force.
Conferencias dictadas en Congresos Internacionales:
Internacional Consejo de Museos en Viena y en México DF., en Jewish Theological Seminary NYC, en Northeastern University en Boston, en Florida International University, Universidad de Brasilia y en National Building Museum de Washington DCentre otros.
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Ahora después de 17 años de ejercicio de la profesión la idea es escribir un cuaderno práctico con algunas experiencias personales que puedan servir para la gran cantidad de alumnos y nuevos egresados dado que se han creado en estos últimos años muchos espacios para estudiar Curaduría.
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Autobiography:
I would like to tell you how I arrived at this enthralling profession. I began my search through art. For years, I studied with different professors who taught me varied techniques of sculpture, and then set design at the Superior Art Institute of the Colón Theater (the most important theater for opera and concerts in Argentina and internationally prestigious.)
At that time, a formal program of study in curating did not exist in Argentina. I learned by means of Seminars and fellowships in Argentina a well as in other countries, and my first opportunity arrived.
It was to develop the first permanent show for the Holocaust Museum in Buenos Aires. A Great Responsibility!! And 20 years later it, as well as its building is being renovated.
The positions that followed fostered my own evolution and growth
Curator – Museum of the Holocaust of Buenos Aires
2001-2005
Curator of the Museum of Architecture and Design of Buenos Aires – 2003-2007
Curator Galería Arte + Parte, Buenos Aires, 2008-2010
Curator Museum of the Woman, Buenos Aires, 2010-2017
Curator: Museum of the Legislature of the City of Buenos Aires, 2015-2017
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During those years, situations that amplified my horizons presented themselves, such as work with artist in private spaces, talks, lectures, conferences, fellowships on the national and international level, the writing of catalogues, articles and research.
Fellowships:
Fundación Antorchas, Nahum Goldman Fellowship, Getty Foundation, Smithsonian Institute, Jewish Theological Seminary- NYC y Task Force.
Lectures given at International Conferences:
International Council of Museum Vienna and Mexico DF, Jewish Theological Seminary NYC Northeastern University-Boston, Florida International University, University of Brasilia and the National Building Museum de Washington DC.
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Now, after 17 years of professional work, my idea is to write a practical workbook with personal experiences that would help the great number of students and new graduates in the last few years many ways of studying Curatorship.
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La Curaduría
La curaduría es una manera de conectar fluidamente dos ámbitos que parecen ajenos entre si: la labor de los artistas visuales y las instituciones o espacios en donde se muestran sus obras y se contactan con su público. Es un medio que facilita y reinterpreta ambas necesidades.
Como curadora de arte especializada en museos mi misión siempre fue la de darle visibilidad a las obras de artistas visuales (no importando su técnica) que pudiesen expresar con imágenes profundos pensamientos o sentimientos superando el límite de la palabra Y es con la gestión que se llevan a cabo las exhibiciones tanto nacionales como internacionales: con la búsqueda del artista/de los artistas y sus obras, la elección del espacio, el diseño de montaje, color y luces, los textos que acompañan la muestra, el diseño del catálogo, el flyer de difusión, entre otras cosas…y todo esto con el sostén que la producción del espacio/institución provee para tal fin.
Quisiera rescatar mi última investigación sobre la cual me he expresado en el congreso de la Asociación de Estudios Judío-Latinoamericanos (LAJSA) in Miami (2015) Trató de los trabajos y conceptos que los artistas visuales contemporáneos judeo-argentinos han trabajado. He tenido el privilegio de haber trabajado con la mayoría.
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Curatorship
Curatorship is a way to connect fluidly two fields that seem to be very different: the work of visual artists and the institutions or spaces in which they show their works and make contact with their public,
It is a medium that facilitates and reinterprets both necessities.
As a curator of specialized art in museums, mi mission was to give visibility to the artists, no matter their techniques, that could express with profound images, thoughts of feelings, that go beyond the limit of the word. And it is the process that puts together exhibitions, be they local or international: with the search of the artist(s) and their work, the choice of the space, the design of the set-up, color and lights, the texts that accompany the exhibition the flyer for diffusion, among other things. . . and all this with the support the space or institution provides toward that end.
I’d like to point out my most recent research paper presented at the Conference of the Latin American Jewish Studies Organization (LAJSA) in Miami in 2015. The paper dealt with the works and concepts that contemporary Argentine-Jewish artists have produced. I have had the privilege to have worked with the majority of them.
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Unos ejemplos de la curaduría de Irene Jaievsky/ Some examples of the curatorship of Irene Jaievsky
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Como coradura del Museo de la Mujer /As curator of the Museum of the Woman
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Como Curadora Independiente. Exhibición basada en la investigación realizada por un equipo interdisciplinario especialmente organizado por las autoridades del Museo Judío sobre la Historia de los judíos en Argentina-Museo Judío de Buenos Aires -2013-
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As Independent Curator. Exhibition based on research carried out by and interdisciplinary team, specially organized by the directors of the Jewish Museum that dealt with the history of the Jews in Argentina. Jewish Museum, Buenos Aires, 2015.
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Creación y Organización del nuevo Museo de la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires- Vista parcial del área histórico-arquitectónico, 2015-
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As Curator of Creation and Organization of the new Museum of the Legislature of the city of Buenos Aires. Partial view of the historical-architectural area, 2015-
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Como ex-curadora del Museo del Holocausto de Buenos Aires y Curadora del Museo de la Mujer de Argentina fui convocada por la embajada de Canadá para organizar una muestra colectiva dedicada a la mujer judía-Tiferet- Artistas invitadas Susana Beibe, Jazmine Bakalarz, Hilda Catz entre otras- Museo del Holocausto de Buenos Aires -2013-
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As curator of the Museum of the Holocaust of Buenos Aires and as Curator of the Museum of the Woman of Argentina, I was invited by the Embassy of Canada to organize a group show dedicated to the Jewish Woman-Tiferet. -Tiferet- Invited artists included Susana Beibe, Jazmine Bakalarz, Hilda Catz and others. – Museum of the Holocaust, de Buenos Aires, 2013.
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Sinagoga de Chemnitz.-Alemania-Como Curadora del Museo de Arquitectura y Diseño se presentó la muestra de Alfred Jacoby: Espacios Sacros. Nuevas sinagogas alemanas-Este arquitecto judío construyó: 15 sinagogas en los lugares en donde fueron destruidas por los nazis las anteriores existentes. Luego se la presentó en el Seminario Rabínico de Buenos Aires-2006.
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Synagogue of Chemnitz, Germany, As Curator of the Museum of Architecture and Design, I directed an exhibition of the work of Alfred Jacobu: Sacred Spaces: New German Synagogues.by this Jewish architect who built 15 synagogues, in the original places. that were destroyed by the Nazis. The exhibit was also shown at the Rabbinical Seminary of Buenos Aires, 2006
Instalación del Totem canadiense en la Plaza Canadá de la ciudad de Buenos Aires-zona Retiro- 2012- Durante dos años fui la curadora de este proyecto que realizó el artista Kwawitl Stan Hunt en la zona de Vancouver junto con la embajada argentina de Canadá y el Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires.
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Installation of the Canadian Totem in the Canada Plaza of the Retiro area of Buenos Aires, 2012. For two years, I was the curator of this project created by the artist Kwawitl Stan Hunt of Vancouver. The project was sponsored jointly by the Canadian Embassy in Argentina and the Government of the City of Buenos Aires.
Martin Blaszko (Martin Blaszkowski) nació en Berlín en 1920. Como su familia era judía, se trasladaron a Polonia en 1933 y luego a Francia en 1938, donde conoció a Marc Chagall. En 1939 emigró con su familia a Buenos Aires.
Comenzó su formación académica en Europa con Jankel Adler y Enrique Barczinski. “En 1945, conocí a Carmelo Arden Quin, el fundador del grupo MADI. La claridad, la frialdad y la estricta ejecución de su obra me impresionaron profundamente”, declaró A partir de entonces él también sería miembro del movimiento MADI.
En 1952 fue galardonado por el Instituto de Arte Contemporáneo de Londres por su proyecto “Monumento al Prisionero Político Desconocido” expuesto en la Tate Gallery de Londres. En 1958, recibió la medalla de bronce en la Feria Internacional de Bruselas. Se lo reconoció internacionalmente como uno de los escultores más interesantes y originales de Argentina.
En 1990 formó parte de la exposición Artistas latinoamericanos del siglo XX, organizada por el Museo de Arte Moderno (MOMA) de Nueva York. In 2001, realizó una exposición individual en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (MAMbA).
La obra de Blaszko refleja la lucha de dos fuerzas antagónicas en las formas geométricas puras de sus esculturas. De alguna manera a través de la tensión y la polaridad es capaz de lograr el equilibrio.
Blaszko es conocido por su trabajo como autor y como artista. Era bastante articulado en sus escritos y capaz de lograr una conciencia no sólo para su propio arte, sino también para el movimiento MADI. Falleció en Buenos Aires en 2011.
Martin Blaszko (Martin Blazkowski) was born in Berlin in 1920. As his family was Jewish, they moved to Poland and then to France where he meet Marc Chagall. In 1939, he immigrated with his family to Buenos Aires.
He began his academic formation in Europe with Jankel Adler and Enrique Barczinski. In 1945, he met Carmelo Arden Quin, founder of the MADI group. “The clarity, the coldness and the strict execution of his work impressed me profoundly,” he declared. From then on, he would also be a member of the MADI movement.
In 1952, Blaszko was given an award by the Institute of Contemporary Art in London For his project “Monument to the Unknown Political Prisoner.” In 1958, he received the bronze medal from the International Fair in Brussels. He was recognized internationally as one of the most interesting and original sculptors of Argentina.
Blaszko is known for his work as a writer as well as an artist. He was very clear in his writing and capable of reaching an awareness not only for his own art, but also for the MADI movement. He died in Buenos Aires in 2011.
El arte se caracteriza por suprimir toda referencia a la realidad visible del mundo y eliminar todas las semejanzas con las formas naturales. Permite al hombre inventar objetos para luchar por una sociedad que libera la energía a domina el espacio y el tiempo en todos los sentidos.
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The MADI Movement in Art
Art is characterized by suppressing all reference to the visible reality of the world and eliminating similarities with natural forms. It allows man to invent objects that fight for a society that liberates the energy that dominates space and time in all its meanings.
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Obras/Works
Pintura Madi, Ritmos dinámicos, 1947 Óleo Altura 50 cm.
Plano Azul, 1951 Óleo sobre tela 50×80 cm.
Armonía en Verdes, 1947 Óleo sobre tela 55 x 90 cm.
Pared Madi, 1990 Bronce 60 x 49 x 13 cm.
Proyecto para el Monumento al Prisionero Político Desconocido” 1952, Aluminio, 110 x 66 x 48 cm
Contrincantes en eterna lucha, 2005 Madera pintada 49 x 27 x 26 cm.
Homenaje al Día Internacional de la Paz, 1986. Parque Centenario de Bs As Aluminio Pintado Altura 200 cm.
“Constelación cósmica, 1993 Aluminio pintado 70 x 34 cm.
La Fuerza, 1955 Madera 26 x 43 x 10 cm.
La Protesta, 1966 Bronce 20 x 23 x 24,5
Bipolaridades en el contexto urbano, 2005 Aluminio pintado 75 x 41,5 x 35 cm.
Nostalgia Madí, 2004 Óleo sobre hardboard 49 x 34,5 cm.
Roberto Aizenberg nació en Federal, Entre Ríos, Argentina en 1928, hijo de inmigrantes judíos. A la edad de ocho años, la familia de Aizenberg se mudó a La Paternal, barrio de Buenos Aires. Roberto Aizenberg recibió su educación secundaria en el Colegio Nacional de Buenos Aires. Más tarde, Aizenberg estudió pintura bajo la dirección de Antonio Berni. Entre 1950 y 1953 fue alumno del surrealista Juan Batlle Planas, un pintor argentino que destacó la importancia del surrealismo y el psicoanálisis. En 1958, la primera exposición individual de Aizenberg tuvo lugar en la Galería Galatea. Uma retrospectiva principal de su obra tuvo lugar en el Instituto Torcuato di Tella en 1969. Esta exposición consistió en esculturas, collages, 50 pinturas y 200 dibujos. Además, sus obras se incluyeron en varias exposiciones colectivas, como la Bienal de São Paulo en 1963. La primera exposición europea de Roberto Aizenberg se organizó en la Galería Hanover de Londres en 1972. En 1973 presentó sus obras de arte en Gimpel y en la Galería Hanover en Zúrich, Suiza. . La pasión de Aizenberg por la arquitectura del Renacimiento influyó vívidamente en sus obras. Muy a menudo representaba torres aisladas, ciudades vacías y edificios misteriosos.
Debido a la dictadura en Argentina, Aizenberg emigró a París en 1977, y en 1981 se mudó a Tarquinia, Italia. En 1982 participó en la exposición celebrada en la Galería Naviglio de Milán. El artista regresó a la Argentina en 1985. Además de su carrera artística, trabajó como profesor. Desde 1985 y 1986 y nuevamente en 1993, Roberto Aizenberg enseñó pintura en la Universidad Nacional de las Artes. En 1986 comenzó a realizar un seminario para la comunidad judía. Roberto Aizenberg murió inesperadamente en Buenos Aires en 1996, mientras preparaba una retrospectiva de su trabajo en el Museo Nacional de Bellas Artes. Aizenberg se casó con Matilde Herrera, periodista y escritora del semanario Primera Plana. Ella tuvo tres hijos de un matrimonio anterior, Valeria, José y Martín Beláustegui. Después del golpe militar, en 1976 y 1977, los tres hijos y sus esposas fueron desaparecidos.
R0berto Aizenberg was born in Federal, Entre Rios province in 1928. At the age of eight, Aizenberg’s family moved to La Paternal, a Buenos Aires neighborhood. Roberto Aizenberg received his secondary education at the Colegio Nacional de Buenos Aires. Later Aizenberg studied painting under the guidance of Antonio Berni. Between 1950 and 1953 he was a student of the surrealist Juan Batlle Planas, an Argentine painter who underlined the importance of surrealism and psychoanalysis.
In 1958 Aizenberg’s first solo exhibition took place at the Galería Galatea. The Torcuato di Tella Institute presented a major retrospective in 1969. This exhibition consisted of sculptures, collages, 50 paintings, and 200 drawings. In addition, his works were included in various group exhibitions, such as the São Paulo Bienal in 1963. Roberto Aizenberg’s first European exposure was organized at London’s Hanover Gallery in 1972. In 1973, he had exhibitions at Gimpel and Hanover Gallery in Zürich, Switzerland. Aizenberg’s passion for the architecture of the Renaissance vividly influenced his works. Quite often he depicted isolated towers, empty towns, and mysterious buildings.
Due to the dictatorship in Argentina, Aizenberg migrated to Paris in 1977, and in 1981 moved to Tarquinia, Italy. In 1982 he participated in the exhibition held at Milan’s Naviglio Gallery. The artist moved back to Argentina in 1985. Besides his artistic career, he worked as a professor. From 1985 and 1986 and again in 1993, Roberto Aizenberg taught painting at the Universidad Nacional de las Artes. In 1986, he started to hold seminars for the Jewish Community. Roberto Aizenberg unexpectedly died in Buenos Aires in 1996, while preparing a retrospective of his work at the National Museum of Fine Arts. Aizenberg married Matilde Herrera, a journalist and writer of the weekly Primera Plana. She had three children from a prior marriage, Valeria, José and Martín Beláustegui. After the military coup that occurred in 1976 and 1977, the three children and their spouses were disappeared.
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El surrealismo o superrealismo es un concepto que proviene del francés surréalisme. Se trata de un movimiento literario y artístico que busca trascender lo real a partir del impulso psíquico de lo imaginario y lo irracional.
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Surrealism or super-realism is a concept that comes from the French surréalisme. It is a literary and artistic movement that seeks to transcend the real from the psychic impulse of the imaginary and the irrational.
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Roberto Aizenberg — Obras surrealistas/Surrealist Works
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Esculturas en El Parque Memorial, Buenos Aires/ Sculptures in the Memorial Park, Buenos Aires
Michal Kirschbaum é brasileira, argentina e israelense. É artista visual, investigadora e docente. Atualmente é doutoranda no programa de pós-graduação em Artes Visuais da Universidade do Estado de Santa Catarina (UDESC). É mestre em Investigação Artística pela Universidade de Amsterdam (UvA). Pratica e investiga as relações e potências que tomam forma de escrita, fotografia e desenho a partir de questões relacionadas a produção e apresentação dos espaços e lugares. Trabalha também como professora na Universidade do Estado de Santa Catarina no curso de graduação em Artes Visuais, onde ministra aulas de desenho e linguagem tridimensional.
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Michal Kirschbaum es brasileira, argentina e israelí. Es artista visual, investigadora y docente. Actualmente cursa doctorado en el programa de posgrado en Artes Visuales de la Universidad del Estado de Santa Catarina (UDESC) y tiene una maestría en Investigación Artística por la Universidad de Amsterdam (UvA). Practica e investiga las relaciones y potencias que toman forma de escrita, fotografía y dibujo a partir de cuestiones relacionadas a la producción y presentación de los espacios y lugares. Trabaja también como profesora en la Universidad del Estado de Santa Catarina, en el curso de Artes Visuales donde da clases de grado de dibujo y lenguaje tridimensional.
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Michal Kirschbaum is Brazilian, Argentinian and Israeli. She is a visual artist, researcher and teacher. She is currently a PhD student of the graduate program in Visual Arts at the University of the State of Santa Catarina (UDESC). In 2013 she had obtained a master’s degree in Artistic Research from the University of Amsterdam (UvA). In her practice, she investigates the relations and potencies that take form in writing, photography and drawing from questions related to de production and presentation of spaces and places. She also works as a teacher in the University of the State of Santa Catarina in the undergraduate course of Visual Arts where she gives lessons of drawing and tridimensional perception.
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Obras de arte de Michal Kirshbaum/Obras de arte de Michal Kirshbaum/Artworks by Michal Kirschbaum
Metro, fotografía sobre madera, Photograph on wood, 4.5 cm. x 10.25 cm, 2009
metro, fotografía sobre madera/photography on wood, 10 cm. x 10.45 cm, 2009
camas/beds, fotografía, 65 cm v 95 cm, 2013
Threshold, Play music performance — vinyl cut from digital photomontage
Gyula Kosice fue un escultor judío-eslovaco nacionalizado argentino (1927-2016). En la década de los cuarenta contribuyó a la difusión de las vanguardias europeas en Argentina. Integrado en el movimiento Madí y en el grupo Arte Concreto-Invención, que sólo aceptaba la abstracción, se vinculó posteriormente al arte cinético. Ha realizado lo que él ha denominado «estructuras hidrocinéticas», formas geométricas en plástico, combinando escultura y arquitectura, en las que se producen efectos lumínicos utilizando el agua y medios mecánicos. Destaca el Hidromural móvil (1967), en el edificio Embassy Center de Buenos Aires
Establecido en Buenos Aires desde los cuatro años de edad, estudió escultura y dibujo en las Academias Libres. Kosice, que había sido uno de los fundadores de la revista Arturo, creó en 1946 el movimiento de arte Madí, palabra inventada por él mismo. Este movimiento constituyó la primera tendencia de origen genuinamente argentino. Si bien tuvo vinculaciones con las investigaciones formales del arte concreto europeo, el Madí aportó un carácter original, que propició una apertura a experiencias plásticas inéditas.
Las obras expuestas en la primera exposición colectiva de arte Madí, que tuvo lugar en 1946, fueron trabajos realizados con materiales poco convencionales, como vidrio, madera y metal, y de formas inusitadas, como cuadros de marcos irregulares y módulos móviles, entre otras. Lo insólito de estas propuestas provocó un intenso debate en el medio artístico argentino, con adhesiones entusiastas y no menos vehementes impugnaciones. Además de Gyula Kosice, integraron el movimiento de arte Madí, entre otros, Carmelo Arden Quin, Rhod Rothfus, Martín Blaszko, Juan Bay y Salvador Presta.
Kosice fue Artista en constante renovación y teórico que ha analizado en profundidad los problemas estéticos del arte contemporáneo, en su producción artística dentro de los lineamientos formales de la estética Madí presentó pinturas articuladas (planos irregulares pintados y unidos entre sí) y esculturas realizadas con materiales industriales (maderas, metales, yeso, plexiglás, hilos), algo inusual por entonces. En su evolución posterior, siempre innovador, se vinculó al arte cinético, creando esculturas móviles en que el agua y los efectos lumínicos desempeñan un destacado papel.
Gyula Kosice was a Jewish-Slovak nationalized Argentine sculptor (1927-2016). In the 1940s he contributed to the diffusion of the European avant-gardes in Argentina. Integrated into the Madí movement and the Arte Concreto-Invención group, which only accepted abstraction, it was subsequently linked to kinetic art. He has done what he has called “hydrokinetic structures”, geometric shapes in plastic, combining sculpture and architecture, in which light effects are produced using water and mechanical means. Highlights the Mobile Hydromural (1967), in the Embassy Center building in Buenos Aires.
Established in Buenos Aires since he was four years old, he studied sculpture and drawing at the Free Academies. Kosice, who had been one of the founders of Arturo magazine, created the Madí art movement in 1946, a word invented by himself. This movement was the first trend of genuinely Argentine origin. Although it had links with the formal investigations of European concrete art, the Madí brought an original character, which led to an opening to unpublished plastic experiences.
The works exhibited in the first collective exhibition of Madí art, which took place in 1946, were made with unconventional materials, such as glass, wood and metal, and unusual shapes, such as frames of irregular frames and mobile modules, among others. The unusualness of these proposals provoked an intense debate in the Argentine artistic milieu, with enthusiastic adhesions and no less vehement impugnations. In addition to Gyula Kosice, they integrated the Madí art movement, among others, Carmelo Arden Quin, Rhod Rothfus, Martín Blaszko, Juan Bay and Salvador Presta.
Kosice was an artist in constant renovation and a theoretician who has analyzed in depth the aesthetic problems of contemporary art, in his artistic production within the formal guidelines of aesthetics Madí presented articulated paintings (irregular planes painted and linked together) and sculptures made with materials industrial (wood, metals, plaster, plexiglass, threads), something unusual at that time. In its later evolution, always innovative, it was linked to kinetic art, creating mobile sculptures in which water and light effects play an outstanding role.
Yente es el seudónimo artístico de Eugenia Crenovich, quien nace en Buenos Aires en 1905 y falleció allí 1990. Es de una familia judía originaria de Ucrania. Pintora, ilustradora y ensayista, estudia Filosofía en la Universidad de Buenos Aires, de donde egresa en 1932. Realiza prácticas artísticas en el taller de Vicente Puig en Buenos Aires y en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Santiago de Chile. Allí asiste, entre 1933 y 1935, al taller de pintura y composición de Hernán Gazmuri, estudios que continúa en el taller libre, abierto por el pintor chileno, luego de su forzada desvinculación de la enseñanza oficial. En 1935 se relaciona con Juan Del Prete, y desde 1937 –sin desdeñar la figuración que, en forma paralela, cultiva a lo largo de toda su vida– participa en los inicios de la abstracción en la Argentina, y se constituye así en la primera artista mujer de nuestro país que adhiere a esta corriente. Con esta modalidad, en 1945 comienza a hacer relieves y objetos constructivos en celotex, un material blando que le permite tallar sin dificultad. De 1957 a 1958 realiza tapices abstractos con lanas e hilos de colores combinados con pintura. A partir de 1957 se vuelca hacia el “impresionismo abstracto”, una pintura no figurativa de conformación libre, resuelta con breves pinceladas empastadas que hacen vibrar la superficie del cuadro. Recurre al collage desde los años 40 con el propósito de introducir acentos texturales a su pintura –sobre todo en sus libros ilustrados– y, a partir de los años 60 lo utiliza en forma decidida, aprovechando las calidades expresivas y connotativas de los más diversos materiales encontrados, muy particularmente, en su entorno familiar. Entre 1938 y 1984 confecciona más de veinte libros ilustrados –todos inéditos–, desarrollados sobre narraciones preexistentes o propias, algunas autobiográficas. En estos trabajos, de manera ocasional, frases breves a modo de índice, o títulos, estructuran historias que se despliegan básicamente por medio de imágenes. Su obra, plena de sugerencias, atraviesa diversas fases que la vinculan tanto al post-cubismo y al constructivismo geométrico como a la abstracción libre. Más tarde practica una gestualidad propia del informalismo, en la que emplea los gruesos empastes de una materia densa y expresiva pero –contradiciendo las características del movimiento– sus colores son brillantes, matizados con tonalidades sutiles y finas transparencias. La figuración está en el origen de su producción y la mantiene a lo largo del tiempo, y así conserva siempre una inclinación por el dibujo de trazo preciso y acabado delicado. Exhibe los recursos de un lenguaje elaborado y probado en técnicas como el dibujo, la pintura, los relieves y objetos, el collage y el tapiz.
Yente is the artistic pseudonym of Eugenia Crenovich, who was born in Buenos Aires in 1905 and died there in 1990. He is from a Jewish family originally from Ukraine. Painter, illustrator and essayist, she studied Philosophy at the University of Buenos Aires, where she graduated in 1932. She performed artistic practices at the Vicente Puig workshop in Buenos Aires and at the School of Fine Arts of the University of Santiago de Chile. There he attends, between 1933 and 1935, the painting and composition workshop of Hernán Gazmuri, studies that continue in the free workshop, opened by the Chilean painter, after his forced disengagement from official education. In 1935, he is married to Juan Del Prete, and since 1937 -without disdaining the figuration that, in parallel, she cultivates throughout his life- she participates in the beginnings of abstraction in Argentina, and is thus constituted in the first artist woman of our country that adheres to this current. With this method, in 1945 she began to make reliefs and constructive objects in celotex, a soft material that allows him to carve without difficulty. From 1957 to 1958, he made abstract tapestries with wool and colored threads combined with paint. From 1957 onwards she turned to “abstract impressionism”, a non-figurative painting of free form, resolved with brief pastels that make the surface of the painting vibrate. she has been using collage since the 1940s with the purpose of introducing textural accents to his painting -especially in his illustrated books- and, since the 60s, she uses it in a determined way, taking advantage of the expressive and connotative qualities of the most diverse materials found, very particularly, in their family environment. Between 1938 and 1984 she made more than twenty illustrated books-all unpublished-developed on preexisting or own narratives, some autobiographical ones. In these works, occasionally, short phrases serve as an index, or titles, structure stories that are basically displayed through images. Her work, full of suggestions, goes through different phases that link it to post-cubism and geometric constructivism as well as to free abstraction. Later she practices gestures characteristic of Informalism, in which she uses the thick fillings of a dense and expressive material, but -contradicting the characteristics of movement- her colors are bright, tinged with subtle tonalities and fine transparencies. The figuration is at the origin of its production and maintains it over time, and thus always retains a penchant for precise drawing and delicate finishing. It displays the resources of an elaborate and proven language in techniques such as drawing, painting, reliefs and objects, collage and tapestry.
Realiza su primera muestra individual en Amigos del Arte en 1935, donde presenta veinticuatro dibujos figurativos ejecutados a partir de 1932. En 1945 y 1946 expone pinturas y relieves abstractos en Galería Müller. En 1950 exhibe originales para libros ilustrados en Galería Viau. Y nuevamente en Müller presenta, en 1952, una retrospectiva de obras abstractas y figurativas, realizadas desde 1937. En Galería Van Riel expone su obra no figurativa en 1954, 1956 y 1957 y, en este último año, libros ilustrados en Galería Alcora. En 1958 realiza una retrospectiva de obras abstractas en la Asociación Estímulo de Bellas Artes, que comprende ochenta piezas, entre pinturas, objetos y relieves. También en 1958 exhibe sus tapices en Galería Heroica. En 1960 muestra sus obras del “impresionismo abstracto” en Galería Yumar y, durante 1964, collages con fósforos quemados y papeles de envases –realizados en Italia– en Galería Witcomb. Al año siguiente presenta en Galería Van Riel, Ciudades de Italia, un conjunto de collages. Allí también exhibe, en 1966, la serie del Antiguo Testamento, realizada con la misma técnica. En 1967, otra vez en Van Riel, presenta El jardín del Edén, obras resueltas con papeles alquitranados; en 1968 sus fotomontajes Turistasen Italia; y en 1969 óleos figurativos. Ocupa de nuevo ese espacio en 1971, con una retrospectiva de setenta obras no figurativas, producidas entre 1937 y 1963. Dos años después hace una muestra personal de collages en Galleria Schneider de Roma. Vuelve a exponer en la Galería Van Riel en 1976, lugar en el que exhibe las series Con corona de martirio y Sin promesa de Paraíso, pinturas y collages que aluden a la violencia, en consonancia con la convulsa época que la Argentina transita durante la dictadura militar. En 1979, en Galería Sarmiento, organiza una muestra antológica con obras no figurativas de 1937 a 1962 y, allí mismo, expone su serie de pinturas y collages Tiempos sombríos, en 1980.
Realiza importantes muestras colectivas dentro y fuera del país; entre las que se destacan: Arte Nuevo, Salón Kraft, 1947; Nuevas realidades, Galería Van Riel, 1948; el 2° Salón argentino de arte no figurativo, Galería Van Riel, 1949; 50 Años de pintura argentina, Museo Nacional de Bellas Artes, 1950; Salones de Arte Sacro Mediator Dei de 1954 a 1957 y en 1959; La figura en la pintura argentina contemporánea, Museo Eduardo Sívori y Arte Abstracto. Del Prete, Yente, Paparella, Testa, Galería Lerner, ambas en 1957. Representa al país en la IV Bienal Internacional de San Pablo, Brasil, 1957, y en L’Art Visuel en Argentine organizada para la Exposition Internationale et Universelle de Bruxelles, Bélgica, 1958. Con la Agrupación de Arte No Figurativo –a.n.f., luego conocida como ANFA, de la que es miembro fundador– expone en Buenos Aires, Paraná (Entre Ríos), Rosario (Santa Fe), La Paz (Bolivia) desde 1958 hasta 1964, y en The Riverside Museum de Nueva York en 1962. En 1960 participa en 150 años de arte argentino, Museo Nacional de Bellas Artes y en la Primera Exposición Internacional de Arte Moderno, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. En 1961 lo hace en Pintura argentina que se presenta en Lima y Río de Janeiro y en Arte sagrado de la Argentina, Palazzo Ruspoli, Roma. En 1980 interviene en 50 años de pintura argentina 1930/1980, Museo Municipal de Bellas Artes Juan B. Castagnino, Rosario, y en 1984 en Maestros argentinos. Homenaje al libro 22 pintores deJulio Payró, realizada en el Museo Sívori de Buenos Aires. Recibe primeros premios en los Salones de Viña del Mar en 1934, 1935 y 1936, y en el del Centenario de Valparaíso en 1937, en Chile; y en el Salón de Acuarelistas de Buenos Aires entre 1939 y 1950. Asimismo obtiene el Primer Premio Ilustración del Salón de La Plata en 1944, y con su obra Abstracción, el Premio Adquisición en el Primer Salón Anual de Pintura del ACA (Automóvil Club Argentino) en 1958. Ese mismo año logra la Medalla de Bronce en la Exposición Internacional de Bruselas. Complementando la praxis artística desarrolla una labor teórica en torno a la figura de Del Prete, sobre quien publica textos aún hoy fundamentales como “Cronología en la trayectoria artística de Del Prete” en Pintura montada; Primicia (catálogo exposición), Buenos Aires, Galería Van Riel, junio de 1962; y “Lo realizado y lo destruido en la obra de Juan Del Prete” en Obras destruidas de Del Prete, editado en Buenos Aires por el artista en 1971. En 1979, una de sus obras –Composición con relieve, 1945– es elegida como imagen de tapa del libro Arte de América. 25 años de crítica de Rafael Squirru, publicado por Editorial Gaglianone, donde, a la vez, el crítico analiza el trabajo de la artista, del que se ocupa también en Arte argentino hoy, de la misma casa editora publicado en 1983. En las últimas décadas, su producción ha sido incluida en exposiciones como: Del constructivismo a la geometría sensible, Harrod’s en el Arte, 1992; I Exposición de Artes Visuales DAIA, Casa de la Cultura de la Ciudad de Buenos Aires, 1996; La tradición constructiva en el MAMBA, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, 1998; Muestra de arte y subasta por la reconstrucción de AMIA (Asociación Mutual Israelita Argentina), Alvear Palace Hotel, 1999; Siglo XX argentino. Arte y Cultura, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, 1999/2000; Judaica Argentina, Centro Cultural Borges, 2001; Arte Astratta Argentina, Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea (GAMeC) de Bérgamo, Italia, 2002, y en la presentación de dicha muestra en la Fundación Proa en 2003. También ha estado representada en Artistas argentinos con temática judía, exposición organizada por la AMIA en el Centro Cultural Victoria Ocampo, Mar del Plata, 2006; en la Primera Bienal de Arte Geométrico, en el Museo de Arte Construido, Buenos Aires, 2007; en la muestra histórica Aquellos años 40, realizada en Expotrastiendas 2007; y en la feria internacional Arte BA ediciones 2009 a 2013. En 1995 la Galería Vermeer organiza la muestra Yente y Juan, dedicada a su producción y a la de Del Prete, y en 2005, en homenaje a los cien años de su nacimiento, la AMIA organiza Centenario Yente (1905-2005) en la que se exponen veintinueve obras realizadas entre 1937 y 1971. Revalorizando en particular su producción abstracta, el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Malba), presenta una exposición con 72 de sus obras, entre pinturas, relieves, esculturas, dibujos y tapices, curada por Adriana Lauria. La muestra titulada Yente/Prati, que incluía también una sección dedicada a la artista concreta Lidy Prati, se extendió desde agosto hasta octubre de 2009 y estuvo acompañada por un completo catálogo-libro (200 páginas, edición español-inglés, reproducciones de las piezas exhibidas). En 2009 y 2010 participa en la 2ª y 3ª Muestra y subasta AMIA de Arte Contemporáneo Argentino, ambas en la sede de la AMIA en Buenos Aires. En 2010 su obra se incluye, junto a más de 80 artistas, en Realidad y Utopía. Argentiniens künstlerischer Weg in die Gegenwartrealizada en la Akademie der Künste de Berlín, exhibición que se presenta al año siguiente en el Museo Nacional de San Carlos de México D.F. En 2010 su trabajo interviene en El imaginario de Ignacio Pirovano, muestra patrimonial de reapertura del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, en Libros de artista de Argentina, Stand de Argentina en la Frankfurter Buchmesse (Feria del Libro de Frankfurt), en Grandes autores. Grandes ilustradores, Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori, Buenos Aires, y en Imágenes e historias. Fotografía documental y artes visuales de la Argentina 1850-2010, en el Centro Cultural Recoleta de Buenos Aires, efectuada en 2011.Integra en 2011 Homenaje a los años 40, muestra histórica de la feria de galerías de Buenos Aires Expotrastiendas. En ese año su trabajo aparece también en Abstracciones / un recorte de la colección Castagnino + Macro realizada en el Museo Castagnino de Rosario. Entre 2011 y 2012 su obra se incluye en Jóvenes y modernos de los 50 del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. Entre septiembre y octubre de 2013 la galería Alejandro Faggioni – Estudio de Arte de Buenos Aires organiza una muestra de 26 trabajos, tanto abstractos como figurativos, elaborados entre 1937 y 1982. Un conjunto significativo de sus trabajos forma parte de la colección del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, así como integra los acervos del Museo Eduardo Sívori, del Fondo Nacional de las Artes, del Museo Provincial de Bellas Artes de Santa Fe, Rosa Galisteo de Rodríguez, del Museo Municipal de Bellas Artes de Rosario Juan B. Castagnino, del Museo de Israel en Jerusalén, de la Casa Argentina en dicha ciudad y de la AMIA. Además forma parte de colecciones particulares de la Argentina, Chile, Italia, Alemania, Israel y los Estados Unidos.
Curriculum Vitae of Yente
Yente made her first individual exhibition at Amigos del Arte in 1935, where she presented twenty-four figurative drawings executed from 1932. In 1945 and 1946, she exhibited paintings and abstract reliefs in the Müller Gallery. In 1950, she exhibited originals for illustrated books in Viau Gallery. And again in Müller, in 1952, a retrospective of abstract and figurative works, made since 1937. Gallery Van Riel exhibits her non-figurative work in 1954, 1956 and 1957 and illustrated books in Alcora Gallery. In 1958, she made a retrospective of abstract works in the Association Estímulo de Bellas Artes, which comprises eighty pieces, including paintings, objects and reliefs. Also in 1958 she exhibited his tapestries at Galería Heroica. In 1960, she shows his works of “abstract impressionism” in the Yumar Gallery and, during 1964, collages with burnt matches and packaging papers -made in Italy- in the Witcomb Gallery. The following year he presents a set of collage at Galería Van Riel, “Cities of Italy.” She also exhibits, in 1966, the series of the “Old Testament,.” In 1967, again in Van Riel, she presents “El jardín del Edén,” works resolved with tarred papers; in 1968 her photomontages “Tourists in Italy” and in 1969, figurative oils. She used this space again in 1971, with a retrospective of seventy non-figurative works, produced between 1937 and 1963. Two years later, she made a personal exhibition of collage at Galleria Schneider in Rome. She exhibited again at the Van Riel Gallery in 1976, with the series “Con corona de martirio” and “Sin promesa de Paraíso,” paintings and collages that allude to violence, in keeping with the turbulent period that Argentina is going through during the dictatorship military. In 1979, in Galería Sarmiento, she organized an anthological exhibition with non-figurative works from 1937 to 1962 and, right there, she exhibited his series of paintings and collages, “Tiempos sombríos,” in 1980. She made important collective exhibitions inside and outside the country; among which stand out: Arte Nuevo, Salón Kraft, 1947; New realities, Van Riel Gallery, 1948; the 2nd Argentine Salon of non-figurative art, Van Riel Gallery, 1949; “50 Years of Argentine painting,” National Museum of Fine Arts, 1950; Salons of Sacred Art Mediator Dei from 1954 to 1957 and in 1959; “The figure in contemporary Argentine painting,” Eduardo Sívori Museum and “Abstract Art. Del Prete, Yente, Paparella, Testa, Lerner Gallery”, both in 1957. She represents the country in the IV International Biennial of Sao Paulo, Brazil, 1957, and in L’Art Visuel in Argentina organized for the Exposition Internationale et Universelle de Bruxelles, Belgium, 1958. With the Agrupación de Arte No Figurativo -anf, later known as ANFA, of which she is a founding member- she exhibits in Buenos Aires, Paraná (Entre Ríos), Rosario (Santa Fe), La Paz (Bolivia) since 1958 until 1964, and at The Riverside Museum in New York in 1962. In 1960, she participated in “150 years of Argentine art,” the National Museum of Fine Arts and the First International Exhibition of Modern Art, Museum of Modern Art of Buenos Aires. In 1961, “Argentine Painting” is presented in Lima and Rio de Janeiro and in “Sacred Art of Argentina,” Palazzo Ruspoli, Rome. In 1980, she participated in “50 years of Argentine Painting in 1930/1980,” Juan B. Castagnino Municipal Museum of Fine Arts, Rosario, and in 1984 in Argentine Masters. Tribute to the book 22 painters of Julio Payró, made in the Sívori Museum of Buenos Aires. He received first prizes in the Salons of Viña del Mar in 1934, 1935 and 1936, and in the Centennial of Valparaíso in 1937, in Chile; and in the Watercolor Salon of Buenos Aires between 1939 and 1950. He also obtained the First Prize Illustration of the Salón de La Plata in 1944, and with his work Abstraction, the Acquisition Award in the First Annual Salon of Painting of the ACA (Automóvil Club Argentino ) in 1958. That same year he achieved the Bronze Medal at the International Exhibition in Brussels. Complementing the artistic praxis develops a theoretical work around the figure of Del Prete, about who publishes texts still fundamental today as “Chronology in the artistic career of Del Prete” Cultural Victoria Ocampo, Mar del Plata, 2006; in the First Biennial of Geometric Art, in the Museum of Constructed Art, Buenos Aires, 2007; in the historical show “Those years 40,” and in “Expotrastiendas” 2007; and in the BA International art fair, 2009 to 2013. In 1995 the Vermeer Gallery organizes the show “Yente y Juan,” dedicated to its production and that of Del Prete, and in 2005, in tribute to the one hundred years of its birth, the AMIA organizes “Centenario Yente”(1905-2005) in which twenty-nine works made between 1937 and 1971 are exhibited. Revaluating in particular its abstract production, the Museum of Latin American Art of Buenos Aires (Malba), presented an exhibition with 72 of his works, including paintings, reliefs, sculptures, drawings and tapestries, curated by Adriana Lauria. The sample titled “Yente / Prati, “which also included a section dedicated to the concrete artist Lidy Prati, (2009) and was accompanied by a complete catalog-book Spanish-English edition, with reproductions of the pieces exhibited). In 2009 and 2010 he participated in the 2nd and 3rd AMIA Shows and Auction of Argentine Contemporary Art, both at the AMIA headquarters in Buenos Aires. In 2010, her work is included, along with more than 80 artists, in “Reality and Utopia. Argentiniens künstlerischer Weg in die Gegenwart” held at the Akademie der Künste in Berlin, an exhibition that is presented the following year at the National Museum of San Carlos de Mexico D.F. In 2010, her work intervenes in “El imaginario de Ignacio Pirovano, patrimonial sample of reopening of the Museum of Modern Art of Buenos Aires,” in “Artist Books” of Argentina, Stand of Argentina in the Frankfurter Buchmesse (Book Fair of Frankfurt), in “Great authors . Great illustrators,” Museum of Plastic Arts Eduardo Sívori, Buenos Aires, and in “Images and Stories. Documentary photography and Visual Arts of Argentina 1850-2010,” at the Recoleta Cultural Center in Buenos Aires, in 2011.Integra in 2011 “Tribute to the 40s, historical show of the galleries fair of Buenos Aires ‘Expotrastiendas.'” In that year her work also appears in “Abstractions / a cut from the Castagnino + Macro collection” at the Castagnino Museum in Rosario. Between 2011 and 2012, her work is included in “Young and Modern of the 50s” of the Museum of Modern Art of Buenos Aires. In 2013, the gallery Alejandro Faggioni – Art Studio of Buenos Aires organizes a sample of 26 works, both abstract and figurative, made between 1937 and 1982. A significant set of her works is part of the collection of the Art Museum Modern Buenos Aires, as well as integrating the collections of the Eduardo Sívori Museum, the National Fund of Arts, the Provincial Museum of Fine Arts of Santa Fe, Rosa Galisteo de Rodríguez, the Municipal Museum of Fine Arts of Rosario Juan B. Castagnino, of the Museum of Israel in Jerusalem, of the Casa Argentina in that city and of the AMIA. It is also part of private collections of Argentina, Chile, Italy, Germany, Israel and the United States.
Erika Blumgrund (1924-2016), nacida en 1924 en Brataslava, Slovakia. Sobreviviente de Therisienstadt, vivió desde 1958 en Argentina. Durante muchos años fue la editora del Seminario Israelita (al principio, Judische Wochenshau). Además de su trabajo periodístico, Blumgrund, que había crecido en cuatro idiomas, escribió poemas y textos en prosa traducidos del español al alemán. Sus obras incluyen Acordes (1993) y La corriente de la vida hacia su desembocadura incontenible fluye (1995), el volumen de poesía Eso fue todo (2009) traducido al español por Jorge Hacker, y el libro Por los Peldaños de la vida; diarios íntimos de una adolescente judía esclava: 1938-1941 (2010). También fue pintora destacada de óleos.
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Erika Blumgrund, (1924-2016) was born 1924 in Bratslava, Slovakia. Survivor of Therisienstadt, lived since 1958 in Argentina. For many years she was the editor of the Seminario Israelita (at first, Judische Wochenshau). In addition to her journalistic work, Blumgrund, who had grown up in four languages, wrote poems and prose texts translated from Spanish into German. Her works include Acordes (1993) and La corriente de la vida hacia su desembocadura incontenible fluye (1995), the volume of poetry Eso fue todo (2009) translated into Spanish by Jorge Hacker, and the book Por los peldaños de la vida; diarios íntimos de una adolescente judía esclava: 1938-1941 (2010). She was also an outstanding painter of oil paintings.
Una descripción Erika Blumgrund por un conocido: Tiene más de 80 años, habla seis idiomas, todavía da clases de gimnasia y está estudiando italiano para traducir su propia obra al italiano. Hay un poema en donde ella dice que le agradece a la vida haber podido sobrevivir, reencontrarse con su novio de los 14 años, haberse casado, sus hijos, sus nietos, su profesión y todo, pero que no duerme, ella no duerme porque le resuena permanentemente en la cabeza el ruido del tren de la muerte”
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A description Erika Blumgrund by an acquaintance: “She is over 80 years old, speaks six languages, still teaches gymnastics and is studying Italian to translate her own work into Italian. There is a poem where she says she thanks her. to life have been able to survive, reunite with her boyfriend of 14 years, have married, their children, their grandchildren, their profession and everything, but that does not sleep, she does not sleep because it resounds permanently in the head the noise of the train of death”
“El arte está firmemente arraigado en los valores espirituales. El creador está involucrado en un proceso continuo de descubrimiento, no de sí mismo, sino de las raíces del universo que ha podido descubrir dentro de sí mismo”. – Gego
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GEGO (Gertrude Luise Goldschmidt) nació en Hamburgo, Alemania, en 1912 y murió en Caracas in 1994. Como jovencita, Gego trabajó como dibujante en varias empresas de arquitectura, talleres de pintura y carpintería en su natal Alemania, mientras completaba una licenciatura. en arquitectura de la Universidad de Stuttgart en 1938. Para escapar del creciente antisemitismo en su país de origen, emigró a Venezuela en 1939, donde trabajó como arquitecta independiente y diseñadora industrial. En 1953, se mudó a la ciudad costera de Tarma y comenzó su trabajo artístico, produciendo dibujos, acuarelas, monotipos y xilografías; La mayoría de estas primeras obras fueron figurativas y expresionistas. Regresó a Caracas en 1956 y allí, utilizando la abstracción pura como punto de partida, comenzó a abordar los problemas del espacio escultórico en su trabajo; En 1957, junto a los artistas Carlos Cruz-Diez, Alejandro Otero y Jesús-Rafael Soto, Gego participó en la exposición Arte abstracto en Venezuela. En 1959, el Museo de Arte Moderno de Nueva York había comenzado a adquirir su obra; se mudó a Nueva York en 1960 y permaneció en los Estados Unidos hasta 1967. Gego enseñó en la escuela de arquitectura de la Universidad Central de Venezuela y en la Escuela de Artes Plásticas Cristóbal Rojas. Su primera exposición individual se llevó a cabo en el Museo de Bellas Artes de Caracas en 1961; En 1962, instaló una escultura en la sede del Banco Industrial de Venezuela. Ayudó a fundar el Instituto de Diseño Neumann en Caracas, donde enseñó desde 1964 hasta 1977. Desde la década de 1970 hasta la década de 1980 completó una importante escultura arquitectónica integrada para edificios públicos, residencias y centros comerciales. En 1972, por ejemplo, construyó Cuerdas (cuerdas), una instalación de esculturas que consiste en tiras de nylon y acero inoxidable suspendidas, para el complejo arquitectónico Parque Central en Caracas. Gego finalmente comenzó a utilizar procedimientos aleatorios y materiales “pobres”, como desechos industriales y metales.
Su serie de esculturas suspendida Dibujos sin papel y su serie Bichos (Criaturas) también datan de la década de 1980, al igual que su Reticulárea ambiental.
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“Art is firmly rooted in spiritual values. The creator is involved in a continuous process of discovery—not of himself, but of the roots of the universe which he has been able to discover within himself.” – Gego
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GEGO (Gertrude Luise Goldschmidt) was born in Hamburg, Germany in 1912 and died in Caracas in 1994, As a young woman, Gego worked as a draftsman in several architecture firms, painting workshops, and carpentry shops in her native Germany while completing a degree in architecture from the University of Stuttgart in 1938. To escape the increasing anti-Semitism in her home country, she emigrated to Venezuela in 1939, where she worked as a freelance architect and industrial designer. In 1953, she moved to the coastal town of Tarma and began her artistic work, producing drawings, watercolors, monotypes and xylographs; the majority of these early works were figurative and expressionist. She returned to Caracas in 1956, and there, using pure abstraction as her starting point, she began to address problems of sculptural space in her work; in 1957, along with artists Carlos Cruz-Diez, Alejandro Otero, and Jesús-Rafael Soto, Gego participated in the exhibition Arte abstracto en Venezuela. By 1959, the Museum of Modern Art in New York had begun to acquire her work; she moved to New York in 1960 and remained in the United States until 1967. Gego taught at the school of architecture of the Universidad Central de Venezuela and at the Escuela de Artes Plásticas Cristóbal Rojas. Her first individual show was held at the Museo de Bellas Artes in Caracas in 1961; in 1962, she installed a sculpture at the headquarters of the Banco Industrial de Venezuela. She helped found the Instituto de Diseño Neumann in Caracas where she taught from 1964 to 1977. From the 1970s to the 1980s she completed important, architecturally integrated sculpture for public buildings, residences, and shopping malls. In 1972, for example, she constructed Cuerdas (Cords), a sculpture installation consisting of suspended nylon and stainless steel strips, for the Parque Central architectonic complex in Caracas. Gego eventually began to use random procedures and “poor” materials such as industrial scraps and metals. Her series of suspended sculptures Dibujos sin papel (Drawings without Paper) and her series Bichos (Creatures) also date from the 1980s, as does her Reticulárea ambiental. ________________________________________________________________Obras de Gego/Works by Gego
Las obras de Gego se encuentran en colecciones importantes, incluida la Colección Cisneros, Caracas, Venezuela; Colección Daros Latinamerica, Zúrich; Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, Museo de Arte Contemporáneo Francisco Narváez, Porlamar, Venezuela; Museo de Arte Moderno Jesús Soto, Ciudad Bolívar; Museo de Bellas Artes, Caracas; Biblioteca Pública de Nueva York, Nueva York; Pratt Graphic Art Center, Nueva York; Museo de Bellas Artes, Houston (MFAH), el Museo de Arte Moderno (MoMA), Nueva York y la Universidad de Texas en Austin.Caracas en 1994.
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Gego’s works are found in major collections including Cisneros Collection, Caracas, Venezuela; Daros Latinamerica Collection, Zürich; Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, Museo de Arte Contemporáneo Francisco Narváez, Porlamar, Venezuela; Museo de Arte Moderno Jesús Soto, Ciudad Bolívar; Museo de Bellas Artes, Caracas; New York Public Library, New York; Pratt Graphic Art Center, New York; The Museum of Fine Arts, Houston (MFAH); The Museum of Modern Art (MoMA), New York, and The University of Texas at Austin.
Frans Krajcberg (Kozienice, Polônia, 1921 – Rio de Janeiro, 2017). Escultor, pintor, gravador e fotógrafo. Autor de obras que têm como principal característica a exploração de elementos da natureza, destaca-se por seu ativismo ecológico, que associa arte e defesa do meio ambiente. Nascido na Polônia, Krajcberg forma-se em engenharia e artes pela Universidade de Leningrado. Mais tarde, ao mudar-se para a Alemanha, ingressa na Academia de Belas Artes de Stuttgart, onde se torna aluno do pintor alemão Willi Baumeister (1889-1955). Sua carreira artística se inicia no Brasil, para onde migra em 1948, procurando reconstruir sua vida depois de perder toda a família em um campo de concentração durante a Segunda Guerra Mundial. Reside um curto período no Paraná (isolando-se na floresta para pintar). Muda-se para o Rio de Janeiro em 1956 e naturaliza-se brasileiro no ano seguinte. Ele retorna a Paris em 1958, onde permanece até 1964. De volta ao Brasil, em 1964, instala um ateliê em Cata Branca, Minas Gerais. A partir desse momento ocorre em sua obra a explosão no uso da cor e do próprio espaço. Começa a criar as “sombras recortadas”, nas quais associa cipós e raízes a madeiras recortadas. Em 1972, passa a residir em Nova Viçosa, no litoral sul da Bahia. Amplia o trabalho com escultura, iniciado em Minas Gerais. Intervém em troncos e raízes, entendendo-os como desenhos no espaço. Essas esculturas fixam-se firmemente no solo ou buscam libertar-se, direcionando-se para o alto. A partir de 1978, atua como ecologista, luta que assume caráter de denúncia em seus trabalhos: “Com minha obra, exprimo a consciência revoltada do planeta”. Krajcberg viaja constantemente para a Amazônia e Mato Grosso, e registra por meio da fotografia os desmatamentos e queimadas em imagens dramáticas. Dessas viagens, retorna com troncos e raízes calcinados, que utiliza em suas esculturas. Na década de 1980 realiza a série Africana, utilizando raízes, cipós e caules de palmeiras associados a pigmentos minerais.
Frans Krajcberg (Kozienice, Poland, 1921 – Rio de Janeiro, 2017). Sculptor, painter, engraver and photographer. The main characteristic of his work is the exploration of of nature. He is known for his ecological activism, that associates art and defense of the environment. Born in Poland, Krajcberg graduated in engineering and arts from the University of Leningrad. Later, when moving to Germany, he entered the Academy of Fine Arts in Stuttgart, where he became pupil of the German painter Willi Baumeister (1889-1955). His artistic career began in Brazil, where he moved in 1948, seeking to rebuild his life after losing the entire family in a concentration camp during World War II. He lived for a short period in Paraná (isolating in the forest to paint). He moved to Rio de Janeiro in 1956 and became a Brazilian citizen the following year. He returned to Paris in 1958, where he remained until 1964. Back in Brazil, in 1964, he set up an atelier in Cata Branca, Minas Gerais. From that moment on, his work explores the use of color and space itself. He begins to create the “cut up shadows,” in which he associates vines and roots with cut wood. In 1972, he moved to Nova Viçosa, on the southern coast of Bahia. He expands his sculptural work, begun in Minas Gerais, with trunks and roots, understanding them as drawings in space. These sculptures hold firmly to the ground or seek to liberate themselves, heading upwards. From 1978 on, he acts as an ecologist, a struggle that he denounces: “With my work, I express the revolted conscience of the planet.” Krajcberg traveled constantly to the Amazon and Mato Grosso, and recorded photographically dramatic images of deforestation by burning. From these trips, he returned with trunks and calcined roots, which he used in his sculptures. In the 1980s, he created the Africana series, using roots, lianas and stalks of palm trees associated with mineral pigment.
Ana Wien nació en Costa Rica. Estudió pintura y grabado en la Universidad de Costa Rica, Facultad de Bellas Artes. Comenzó su carrera artística en el año 1970 definiendo su estilo a través de los años, en los talleres de los afamados maestros de la plástica costarricense Manuel de la Cruz González Luján, Francisco Amighetti y Rafa Fernández. Ha realizado más de 70 exposiciones individuales y colectivas en Costa Rica, Estados Unidos y Europa; entre ellos, París, Barcelona y Copenhagen. Como integrante de la asociación de artistas franceses, “Artists and Life”, ha participado en tres muestras grupales con fines benéficos en Toit de l’Arche de la Défense y Espace Art et Liberté en Paris. Ha sido elegida para participar, en sus dos últimas versiones consecutivas, en la Bienal “Latin Views” que se lleva a cabo en la Galería Alexey von Schlippe de la Universidad de Connecticut, Estados Unidos. Sus obras se encuentran en diversas colecciones privadas en América y Europa.
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Ana Wien was born in Costa Rica. She studied painting and engraving at the University of Costa Rica, Faculty of Fine Arts. She began her artistic career in 1970 defining her style over the years, in the workshops of the famous masters of Costa Rican plastic arts Manuel de la Cruz González Luján, Francisco Amighetti and Rafa Fernández. She has made more than 70 solo and group exhibitions in Costa Rica, the United States and Europe; among them, in Paris, Barcelona and Copenhagen. As a member of the association of French artists, “Artists and Life”, she has participated in three group shows for charity in Toit de l’Arche de la Défense and Espace Art et Liberté in Paris. She has been chosen to participate, in its last two consecutive events, in the Biennial “Latin Views” that takes place in the Alexey von Schlippe Gallery of the University of Connecticut, Her works are in various private collections in America and Europe.
Ana Wien es creadora de figuras llenas de vibrantes colores y texturas innovadoras en las cuales lo fantástico y lo realista son combinados en su propio mundo imaginativo. Sus elementos dinámicos y sus formas libres son mezclados en una danza mágica de luz, color, intenso movimiento y energía positiva.
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Ana Wien is the creator of figures full of vibrant colors and innovative textures in which the fantastic and the realistic are combined in their own imaginative world. Her dynamic elements and free forms are mixed in a magical dance of light, color, intense movement and positive energy.
190 sobrevivientes de la Shoá encontraron un hogar nuevo en Costa Rica. En “Renacer”. Ana Wien les rinde homenaje: “En honor a todos ellos que en este país bendito encontramos refugio y la oportunidad de formar nuestras familias en un ambiente de paz y de libertad”.
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190 Holocaust survivors found a new home in Costa Rica. In “To Be Born Once More,” Ana Wien pays them homage: “In honor of all those who in this blessed country, we found refuge and the opportunity to form our families in an atmosphere of peace and liberty.”
Exhibición de “Renacer” en Sinagoga Shaarei Tzion, San José, Costa Rica/Exhibition of “To be Born Once More” at Shaharei Zion Synagogue, San José, Costa Rica
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“Renacer — Los padres de la artista”/”To be Born Once More – The Parents of the Artist”
“Tesoros vivientes”/”Living Treasures”
“Luz de libertad”/”Light of Libertad”
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CURRICULUM — ANA WIEN
EXHIBICIONES INDIVIDUALES
2017 Paradiso, Haussmark & Blow Art Gallery, Escazú, San José, Costa Rica.
2017 Sala VIP, Aeropuerto Internacional Juan Santamaría, Alajuela, Costa Rica.
2016 “Paradiso”, Corte Suprema de Justicia, San José, Costa Rica.
2015 “Colores por Siempre”, Plaza Tempo, San José, Costa Rica.
2015 “Renacer”, Una Nueva Vida que Floreció en una Tierra de Esperanza; Galería Nacional, San José, Costa Rica.
2014 Premios Alborada 2014, Cámara de Comercio de Costa Rica, Hotel Corobicí, San José, Costa Rica.
2014 “Renacer”, Una Nueva Vida que Floreció en una Tierra de Esperanza, Centro Israelita, San José, Costa Rica
2013 Restaurante Nuevo Latino, Los Sueños Marriott Ocean & Golf Resort, Herradura, Puntarenas, Costa Rica.
2012 Restaurante Nuevo Latino, Los Sueños Marriott Ocean & Golf Resort, Herradura, Puntarenas, Costa Rica
2011 Los Sueños Marriott Ocean & Golf Resort, Herradura, Puntarenas, Costa Rica.
2011 Restaurante Nuevo Latino, Los Sueños Marriott Ocean & Golf Resort, Herradura, Puntarenas, Costa Rica.
2010 Los Sueños Marriott Ocean & Golf Resort, Herradura, Puntarenas, Costa Rica.
2010 Restaurante Nuevo Latino, Los Sueños Marriott Ocean & Golf Resort, Herradura, Puntarenas, Costa Rica.
2009 VIP Lounge, Aeropuerto Internacional Juan Santamaría, Alajuela, Costa Rica.
2009 Restaurante Nuevo Latino, Los Sueños Marriott Ocean & Golf Resort, Herradura, Puntarenas, Costa Rica.
2008 Restaurante Nuevo Latino, Los Sueños Marriott Ocean & Golf Resort, Herradura, Puntarenas, Costa Rica.
2008 Galería DeJair, San José, Costa Rica.
2007 Restaurante Nuevo Latino, Los Sueños Marriott Ocean & Golf Resort, Herradura, Puntarenas, Costa Rica.
2007 Los Sueños Marriott Ocean & Golf Resort, Herradura, Puntarenas, Costa Rica.
2007 Restaurante Sebastián, Escazú, Costa Rica..
2006 Bacchus, Santa Ana, Costa Rica.
2006 Los Sueños Marriott Ocean & Golf Resort, Herradura, Puntarenas, Costa Rica.
2006 Festival de Arte Urbano, Plaza de las Artes, San José, Costa Rica.
2006 Expoarte 2006, San José, Costa Rica.
2006 Festival Internacional de las Artes, FIA 2006, San José, Costa Rica.
2006 VIP Lounge, Aeropuerto Internacional Juan Santamaría, Alajuela, Costa Rica.
2005 Costa Rica Country Club, San José, Costa Rica.
2005 Hotel Docelunas, Jacó, Costa Rica.
2003 Galería Artmax, San José, Costa Rica.
2001 Galería Artmax, San José, Costa Rica.
1986 Alianza Francesa, San José, Costa Rica
1982 Alianza Francesa, San José, Costa Rica.
1980 Museo Nacional, San José, Costa Rica.
1979 Museo Nacional, San José, Costa Rica.
EXPOSICIONES COLECTIVAS
2018 World Art en Academia “4Art Lille”, Grand Palace Lille, Francia.
2018 “Exposición Derechos Humanos”, ACAV, Galería Talentum, San José, Costa Rica.
2018 “Amazonas Luchando por la Vida”, Subasta Naranja a Beneficio de Proyecto Daniel, Galería Nacional, San José, Costa Rica.
2018 “Sumatorio”, IV Salón Anual de ACAV, Museo Histórico Juan Santamaría, Alajuela, Costa Rica.
2017 “Tocando Corazones”, Fundación Funicor, exposición itinerante, San José, Costa Rica.
2017 Tercer Salón Anual ACAV, Museo Municipal de Cartago, Cartago, Costa Rica.
2016 “Vaivén Arte Convergente”, Galería del Colegio Dominicano de Artistas Plásticos, Santo Domingo, República Dominicana.
2016 “Arte en Mayo”, Fundación Rozas Boltrán, Guatemala, Guatemala.
2015 “Cada Cabeza es un Mundo”, Galería Nacional, Museo de los Niños, San José, Costa Rica.
2015 “Percepción y/o Realidad”, II Salón Anual de Artes Visuales, ACAV, Galería Nacional, San José, Costa Rica.
2015 “Wonder Woman Art Bra, Tradition & Innovation”, Riga 2015, 5th Riga International Testile and Fibre Art Triennial, Riga, Letonia.
2015 “Derechos Humanos”, ACAV, Corte Suprema de Justicia, San José, Costa Rica.
2015 “Día Mundial del Arte”, Plaza Tempo, San José, Costa Rica.
2014 “Latin Network for the Visual Arts”, Latin Views 2014,Biennial Exhibit, Alexey von Schlippe Gallery of Art, University of Connecticut at Avery Point, CT, Estados Unidos.
2014 “Derechos Humanos”, ACAV/Instituto Interamericano de Derechos Humanos, Tribunal Supremo de Elecciones, San José, Costa Rica.
2014 “Costa Rica-Puente Verde”, Galería Nacional, Sala VII, San José, Costa Rica.
2014 “LibroArte”, Feria del Libro 2014, San José, Costa Rica.
2014 Salón Anual, ACAV, Casa del Cuño, San José, Costa Rica.
2014 “La palabra integrada al libro Arte”, ACAV, Sala Paraninfo-UNED, San José, Costa Rica.
2014 Conservatorio Libro-Arte, Biblioteca Mark Twain, Centro Cultural Costarricense Norteamericano, San José, Costa Rica.
2014 “Rizomas”, Exposición en pequeño formato, ACAV, Casa del Artista, San José, Costa Rica.
2013 “Costa Rica, Pont Vert”, ACAV, Pavillon Charles X, Saint-Cyr-sur-Loire, Francia.
2013 Memoria Pertinente, Embajada de Costa Rica, Managua, Nicaragua.
2013 Vida en el Arrecife, Banco de Costa Rica, Puntarenas, Costa Rica.
2013 Nostalgias y Vivencias, Galería Talentum, San José, Costa Rica.
2013 Nostalgias y Vivencias, Casa Cultural Barrio Amon, San José, Costa Rica.
2013 Rizonas, Casa del Artista, San José, Costa Rica.
2013 Encuentro Acav Fia, Casa del Cuño, San José, Costa Rica
2013 Derechos Humanos, ACAV, Tribunal Supremo de Elecciones, San José, Costa Rica.
2013 Colección Grano de Oro de Sintercafé, Centro Cultural e Histórico José Figueres Ferrer, San Ramón, Costa Rica.
2012 Latin Network for the Visual Arts, Latin Views 2012 Biennial Exhibit, Alexey von Schlippe Gallery of Art, University of Connecticut, Avery Point, CT, Estados Unidos.
2012 Un Sostén para la Vida, AG Textil Lucha Contra el Cáncer de Mama, San José, Costa Rica.
2012 Sintercafé XXVI, Grano de Oro, Hotel Real Intercontinental, San José, Costa Rica.
2012 Colectivo Abierto de Pintura, Casa del Cuño, Antigua Aduana, San José, Costa Rica.
2012 El Jardín de los Refranes, Esculturas Rodantes, Museo de San Ramón, Alajuela, Costa Rica.
2012 El Arte de la Paz, Galería Nacional, San José, Costa Rica.
2012 El Jardín de los Refranes, Esculturas Rodantes, Museo Juan Santamaría, Alajuela, Costa Rica.
2012 Redes, Primer Encuentro Internacional ACAV FIA, San José 2012, Casa del Cuño,Antigua Aduana, San José, Costa Rica.
2012 El Jardín de los Refranes, Esculturas Rodantes, Festival Internacional de Arte, San José, Costa Rica.
2011 Barrio Amón, Nostalgias y Vivencias, Instituto Tecnológico de Costa Rica, San José, Costa Rica.
2011 BCR-ARTE, Galería Siegried Schosinsky, Banco de Costa Rica, San José, Costa Rica.
2011 Lajas por Lajas, Asociación Costarricense de Artistas Visuales, Costa Rica Country Club, San José, Costa Rica.
2010 Arte en Piel en Mov imiento, Colección Diario Vivir, Diseño 10, Antigua Aduana, San José, Costa Rica.
2010 Latin Network for the Visual Arts, Latin Views 2010 Biennial Exhibit, Alexey von Schlippe Gallery of Art, University of Connecticut, Avery Point, CT, Estados Unidos.
2010 Cruces de Vías, Artista invitada, Casa de la Cultura, Puntarenas, Costa Rica.
2010 Concasida VI, San José, Costa Rica.
2009 Tributo a Osa, Galería Nacional, San José, Costa Rica
2009 Rupestre 2009, Instituto de México, San José, Costa Rica.
2009 Rupestre 2009, Hotel Corteza Amarilla, San José, Costa Rica.
2009 Viva el Arte, Plaza del Sol, San José, Costa Rica.
2009 Crisis, Arte, Inversión”, Galería Carlow & Co, San José, Costa Rica
2008 Artists and Life, Espace Art et Liberté, Paris, Francia.
2008 Cow Parade, San José, Costa Rica.
2008 Sintercafé XXII, Grano de Oro, Hotel Real Intercontinental, San José, Costa Rica.
2008 200 años de Café de Costa Rica, Museo Nacional, San José, Costa Rica.
2008 El Jardín de las Delicias, Universidad Nacional, Heredia, Costa Rica.
2008 Miradas Sutiles, Arte en Tercera Dimensión, Centro Cultural Costarricense Norteamericano, San José, Costa Rica.
2008 Festival Artístico, Casa de la Cultura, San Antonio de Belén, Costa Rica.
2008 “Arcoiris”, Galería Carlow & Co, San José, Costa Rica.
2008 El Jardín de las Delicias, Centro Cultural Casa Azul, Heredia, Costa Rica.
2008 Festival de Arte “Identidad”, Galería Carlow & Co, Reserva Conchal, Guanacaste, Costa Rica. 2008 XIII Festival de Arte, San José, Costa Rica.
2008 El Jardín de la Delicias, Festival Internacional de las Artes, San José, Costa Rica.
2008 Expresión Humana del Desnudo, Casa de la Cultura, Heredia, Costa Rica.
2008 Arte por Amor, Galería Carlow & Co, San José, Costa Rica.
2007 “Navidad”, Arte y Trío de Flautas Mágicas de la Sinfónica, Galería Carlow & Co, San José, Costa Rica
2007 Sintercafé XXI, Grano de Oro, Hotel Real Intercontinental, San José, Costa Rica.
2007 El Jardín de las Delicias, Galería Gráfica Génesis, San José, Costa Rica.
2007 Siéntase Bien…Ayude a un Niño, Galería Klaus Steinmetz, Escazú, Costa Rica.
2007 Pintura en Vivo en la Montaña 2007, Fraijanes, Alajuela, Costa Rica.
2007 II Encuentro de Pintores, Plaza del Sol, San José, Costa Rica.
2007 Galería Internacional El Refugio de los Artistas, Alajuela, Costa Rica.
2007 XII Festival de Arte, San José, Costa Rica
2006 III Trienal Internacional del Tile Cerámico, Museo de Arte Moderno, Santo Domingo, República Dominicana.
2006 Artists & Life, Toit de l’Arche de la Défense, Paris, Francia.
2006 Artists & Life, Galerie Figure, Paris, Francia.
2006 California International Art Show, Latino Art Museum, Pomona, California, E.E.U.U.
2006 International Summer Exhibition, Museum of the Americas, Doral, Florida, E.E.U.U.
2006 XI Festival de Arte, San José, Costa Rica
2006 Sintercafé XX, Grano de Oro, Hotel Real Intercontinental, San José, Costa Rica.
2005 Décimo Festival de Arte, San José, Costa Rica.
2005 Latinoamérica Contemporánea 2005, Hotel Marriott, San José, Costa Rica.
2005 Sintercafé XIX, Grano de Oro, Hotel Herradura, San José, Costa Rica.
2005 Barcelona ‘05, Crisolart Galleries, Barcelona, España.
2005 Semillas de Esperanza, Hotel Barceló San José Palacio, San José, Costa Rica.
2005 International Artists in Copenhagen, Crisolart Galleries, Copenhagen, Dinamarca.
2005 Women in the Arts 2005, Museum of the Americas, Miami, E.E.U.U.
2005 New York International Art Festival, NewYork, E.E.U.U.
2005 III Edición Parque de la Expresión, Museo de Arte Costarricense, San José, Costa Rica.
2005 Galería Internacional El Refugio de los Artistas, Alajuela, Costa Rica.2005 Club Punta Leona, Puntarenas, Costa Rica.
2005 Club Punta Leona, Puntarenas, Costa Rica
2004 Hotel Costa Rica Marriott pro Beneficencia Hospital San Juan de Dios.
2003 Sintercafé XVII, Grano de Oro, Hotel Herradura, San José, Costa Rica.
2003 Sétimo Festival de Arte, San José, Costa Rica.
2002 Sexto Festival de Arte, San José, Costa Rica.
2002 Sintercafé XVI, Grano de Oro, Hotel Herradura, San José, Costa Rica.
2002 Quinto Festival de Arte, San José, Costa Rica.
2001 Sintercafé XV, Grano de Oro, Hotel Herradura, San José, Costa Rica.
2001 Cuarto Festival de Arte, San José, Costa Rica.
2000 Exposición de Pintura y Escultura, Asociación ACAP, Hotel San José Palacio.
2000 Tercer Festival de Arte, San José, Costa Rica.
2000 Sintercafé XIV, Grano de Oro, Hotel Herradura, San José, Costa Rica.
1999 Segundo Festival de Arte, San José, Costa Rica.
1999 Sintercafé XIII, Grano de Oro, Hotel Herradura, San José, Costa Rica.
1999 Primer Festival de Arte, San José, Costa Rica.
1998 Casa Cultura Popular José Figueres Ferrer, Banco Popular, San José,Costa Rica.
1998 Festival de Arte, Galería Ulises, San José, Costa Rica.
1998 Sintercafé XII, Grano de Oro, Hotel Herradura, San José Costa Rica.
1998 Certamen Israel 50, Galería Nacional, Museo de Ciencia y Cultura, San José, Costa Rica.
1998 Exposición de Pintura y Escultura, Asociación ACAP, Hotel San José Palacio, San José, Costa Rica.
1997 Sintercafé XI, Grano de Oro, Hotel Herradura, San José Costa Rica.
1996 Sintercafé X, Grano de Oro, Hotel Herradura, San José, Costa Rica.
1995 III Bienal Centro Israelita Sionista Costarricense, San José, Costa Rica.
1993 II Bienal Centro Israelita Sionista Costarricense, San José, Costa Rica.
1993 Subasta de Arte, Pro Beneficencia Unidad de Quemados, Hospital Nacional de Niños, San José, Costa Rica.
1991 I Bienal Centro Israelita Sionista Costarricense, San José, Costa Rica.
1984 La Petite Galerie, Burdines, Miami, Florida, E.E.U.U.
1983 Centro Cultural Costarricense Norteamericano, San José, Costa Rica.
1982 Instituto Costarricense de Electricidad, San José, Costa Rica.
1982 Octubre Cultural, Galería Omni, San José, Costa Rica.
1981 Sala Expo 5, San José, Costa Rica.
1981 Colegio de Periodistas, San José, Costa Rica.
1980 The Meeting Point Gallery, Miami, Florida, E.E.U.U.
1980 Galería Contemporánea, San José, Costa Rica.
1980 Galería Forma y Color, San José, Costa Rica.
1973 IV Salón Anual, Museo Nacional, San José, Costa Rica.
1970 Subasta de Arte Pro Beneficencia Unidad de Quemados, Hospital Nacional de Niños, San José, Costa Rica.
PREMIOS
2013 Primera Mención Honorífica, Certamen de Arte Grano de Oro, Sintercafé XXV, San José, Costa Rica.
2005 Mención de Honor, Women in the Arts 2005, Museum of the Americas, Miami, Florida, E.E.U.U.
2005 Second Runner-up, New York International Art Festival, New York, E.E.U.U
1999 Mención de Honor, Certamen de Arte Grano de Oro, Sintercafé XIII, San José, Costa Rica.
1997 Primer Lugar, Certamen de Arte Grano de Oro, Sintercafé XI, San José, Costa Rica.
Pedro Roth nació en Budapest, Hungría en 1938. Es Licenciado en Realización Cinematográfica, Universidad Nacional de La Plata. Estudió fotografía con Esteban Sandor y se especializó en retratos con Nicolás Schonfeld. Especialización de fotografía de obras de arte en el museo Metropolitan, MOMA, Sotheby’s en New York. Es realizador de numerosos audiovisuales. Artista plástico autodidacta. Realiza muestras de pintura in muchos países desde 1976.
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Biography
Pedro Roth was born in Budapest, Hungary in 1938. He has a degree in Filmmaking from the National University of La Plata, Argentina. He studied photography with Esteban Sandor and specialized in portraits with Nicolás Schonfeld. He studied the photography of works of art in the Metropolitan Museum of Art, Museum of Modern Art, Sotheby’s in New York. He is the director of numerous audiovisuals. Self-taught artist. He has had shows in many countries since 1976.
El artista inventa un mundo. Pedro Roth inventó un mundo y nos invita, nos convida, nos lo ofrece. Entramos con interés y expectativa. Nos sorprende, nos confunde, nos captura, nos subyuga. El mundo es él? Es de él? Él lo sabe? Lo sabía? Nosotros lo sabíamos? Ya lo sabemos. Gracias Pedro por la magia y la luz. Gracias por mostrarnos el “no miedo”. Porque también eso descubrimos! No aparece el miedo.
Sofia Kunst
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Interpretation
The artist invents a world. Pedro Roth invented a world and invites us, invites us, He offers it to us. We enter with interest and expectation. It surprises us, confuses us, captures us, subjugates us. The world is he? It’s from him? He knows? I knew it? We knew it? We already know. Thank you Pedro for magic and light. Thank you for showing us the “no fear”. Because we discovered that too! Fear does not appear.
Nora Seilicovich es artista visual, arquitecta y diseñadora. Nacida en la Ciudad de Buenos Aires, Argentina, ha realizado estudios de Arquitectura en la Universidad de Buenos Aires. Graduada en dibujo, pintura y grabado en los estudios de Aída Carballo; así como en la Escuela Superior de Bellas Artes “Prilidiano Pueyrredón”. Desde 1980 realiza numerosas exposiciones y muestras, tanto individuales como colectivas, en la Argentina como en el exterior. Varias de sus obras están en manos de coleccionistas privados (Brasil, Uruguay, Chile, España). Desde el año 2015, ha incursionado en el Arte digital, desarrollando imágenes en estampas y de tipo animación, como cortos y en videoarte. Así como como la realización de los primeros cortos de animación que van adquiriendo notoriedad en Festivales Internacionales y están nominados en varios de ellos.
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Nora Seilicovich is a visual artist, architect and graphic designer. Born in Buenos Aires, she has completed her studies in Architecture at the University of Buenos Aires. She is a graduate in drawing, painting and printing from the Studio of Aída Caballo, as well as the Escuela Superior de Bellas Artes “Prilidiano Pueyrredón.” Since 1980, she has held numerous individual and group shows in Argentina and in other countries. Some of her work works belong to private collectors (Brazil, Uruguay, Chile, Spain.) Since 2015, she has entered the field of digital art, developing images in print and in animations, short features and video-art. Her first animated short features and gaining renown in International Festivals and have been nominated for prizes in several of them.
Algunas de las exposiciones individuales y colectivas
Muestras individuales en Argentina y en el exterior
S2019 ( Abril) Muestra individual en Espacio Lezama Arte- CABA
• 2018: (Abril) “Acuarelas. Nora Seilicovich” .Taller Galería Nora Seilicovich
• 2017: (Diciembre) “Trabajos de Nora Seilicovich”. Taller Galería. Circuito de las Artes. Distrito abierto- La Boca, Buenos Aires.
• 2017: (Abril) “Textured”. Consulado de Argentina de Nueva York, EEUU
(Marzo) “Contextos”. OEI Espacio cultural. Buenos Aires, Argentina..
• 2016. Exposición Museo Judío de Buenos Aires
• 2015: Muestra “ 5 DIBUJANTES en Galería privada La Boca
• 2014: “Dibujos”. Galería Espinosa La Boca
“Acrílicos sobre tela”. Galería Arte y Parte – San Telmo
• 2011 Muestra individual Northestern University- Boston EEUU.
• 2009: “Painting”. Consulado argentino en Nueva York.
• 2008: Participación en las Feria de arte : Feria Arte Clásica
• 2005: “Acuarelas y Acrílicos”. Sociedad Central de arquitectos de Buenos Aires
• 2004: “Tramas y urdiembres de la Memoria”. Museo E. Sivori. Buenos Aires.
Muestras colectivas en Argentina y en el exterior
• 2019-Muestra de artistas argentinos en New York Art Book Fair MoMA PS!
• 2018 Muestra de artistas argentinos en New York Art Book Fair MoMA PS!
• 2017: (Noviembre) Festival “El Arte en la Boca de todos”. Usina del Arte.
(Julio) Artistas argentinos en New York Art Book Fair. MoMA PS!
2016 / 2015 / 2014 Art Book Fair PS1 Mohma New York EEUU
• 2015: (Octubre) “Contextos”. Galería Servando Cabrera, La Habana – Cuba
• 2015: Muestra de artistas argentinos en New York Art Book Fair
• 2014:Participación en la muestra de artistas argentinos en New York Art Book Fair
• 2011 Muestra con Stephen Sadow. Gallery Boston EEUU.
• 2011 Muestra individual North Estern University- Boston EEUU.
Cortos de animación – Videoarte
“Paraiba” – work in progress
Baracoa” – Work in progress
“Flor de Amancaes” (Videoarte) – 2017
Tríptico. Arte y conexión” – CC. Paco Urondo. Abril 2017
“Tokusai y caminante” – 2019 Nominado en el The 12th Month Film Festival 2019
Tres amigas en Istanbul” – 2017
Nominado en: The 12th Month Film Festival. Corto de Animaciónde Junio 2018
The Americas Film Festival New YorK. NY Taffny 2019
The WORLD CINEMA MILAN November . December 2019
Además de las enumeradas anteriomente realiza múltiples exposiciones desde 1980.
Muchas de su obras forman parte de colecciones privadas en Argentina y en el exterior.
Jaime Kleist nació en un campo de refugiados de Munich, Alemania, en 1950 y llegó a Montevideo cuatro años después. Asistió a cursos en la Escuela Nacional de Bellas Artes y participó de talleres en California, San Pablo y Buenos Aires. Realizó varias muestras en el país y en el exterior, obteniendo premios y reconocimientos, siempre dedicados a la temática judaica. Su última exposición tuvo lugar en la Universidad Ort Uruguay ent 2008.
Su obra dibuja el espíritu judaico que mantiene viva la historia. Es emotiva en su forma y contenido. Pinta las emociones en un amplio espectro, desde la nostalgia a la ironía. Refleja la tradición, el humor, las melodías, los aromas, los sentimientos.
Toda su vida dibujó y pintó. Su primer exposición se realizó en Maldonado y la
temática que presentó estaba relacionada con los shteitl de Polonia, temática que
continuó desarrollando durante el resto de su vida. El shteitl que pintaba mostraba la
vida judía antes, durante y luego de la Guerra.
Jaime Kleist was born in a refugee camp in Munich, Germany in 1950 and arrived in Montevideo four years later. He studied at the National School of Fine Arts and in artist’s studios in California, São Pablo y Buenos Aires. He had several shows in Uruguay and in other countries, winning prizes and awards. His work always treated Jewish themes. His last show took place in University of Ort Uruguay in 2008.
His work displays the Jewish spirit that keeps history alive. It is emotionally charged in its form and content. He paints emotions in a wide spectrum, from nostalgia to irony. His work reflects tradition, humor, melodies, aromas, feelings.
As esculturas em tecido, cheias de charme e em tamanho natural, ganham vida nas exposições cenográficas de Suzy Gheler. No início da década de 80 começava a história da artista plástica que, movida pela sua paixão por bonecas, criou a sua primeira boneca, a Gigi. Gigi cresceu e ganhou novos amigos, juntos, eles já esbaldaram charme em variados espaços cenográficos de Shoppings como Iguatemi, JK, Center Norte, Pátio Higienópolis, Pátio Paulista, entre muito outros; e também aeroportos de todo o Brasil. A artista, falecida em 2014, empenhava-se em detalhar ao máximo suas criações para que as esculturas em tecido fossem quase reais. Através da humanização dos projetos é impossível não se emocionar.As criações tinham uma preocupação constante com a sustentabilidade. Em seus trabalhos a artista inovou reaproveitando todos os itens do cenário, inclusive transformando retalhos em vestidos para seus personagens .A artista deixou um valioso acervo com mais de 30 exposições e 800 personagens.”Em um mundo com excesso de tecnologia e impessoalidade nas relações as pessoas tornaram-se carentes de artesanato de qualidade… Apresentamos uma ferramenta que leva um toque mais humano e sensível ao ambiente.”
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Suzy Gheler’s fabric sculptures, full of charm and life-size, come to life in her exhibitions. In the early 80’s, began the history of the artist who, motivated by his passion for dolls, created her first doll, Gigi. Gigi grew up and gained new friends, together, they had fun in varied scenarios of Malls like Iguatemi, JK, Center North, Patio Higienópolis, Patio Paulista, among many others; and in airports all over Brazil. The artist, who died in 2014, was dedicated to adding all details possible to her creations, so that the fabric sculptures were almost real. The human aspects of her projects are quite moving, With a constant concern with sustainability. the artist innovated by reusing all the items of the scene, including transforming pieces into dresses for her characters. Gheler left a valuable collection with more than 30 exhibitions and 800 characters. “In a world with an excess of ,technology and impersonality in people have miss quality craftsmanship … We present a tool that brings a touch more human and sensitive to the environment.,” Suzy Gheler.
Luis Filcer, nacido en Ucrania en 1927, es artista radicó en México a los tres años, iniciando sus estudios de pintura en la Academia de San Carlos en el año 1043.
Una beca para estudiar en París, le permitió conocer Europa, donde se comprometió con la “estética de lo humano”, a través de la observación a los obreros y campesinos a quienes no dejó de retratar desde entonces, influido por artistas como el propio Van Gogh, Goya, así como el mexicano José Clemente Orozco.
Poseedor de un trazo vigoroso que trasciende lo figurativo para alcanzar la emotividad a plenitud, las obras del Maestro Filcer ahondan en las regiones más recónditas del ser, allá donde el pincel, testigo permanente de la comedia humana que el artista recoge en sus viajes interiores, es el vinculo que conecta el giratorio devenir de la vida, con los paisajes del alma humana donde lo irracional cobra fuerza insospechada al amparo de un color que denuncia la brutalidad, y da cuenta de lo sublime; paradójicamente.
El Maestro Luis Filcer, cuenta con exposiciones individuales en Grand Palais. Paris, Francia, Galería Marnix Neerman. Brujas, Bélgica, Palacio de Bellas Artes. México, D.F., Buckingham Gallery. Londres, Inglaterra, Museo de Arte Moderno. México, D.F., solo por citar algunas, así como en los museos Mexican Cultural Institute, San Antonio, Texas, USA, Mexican Cultural Institute, Washington, USA, así como el Museo de Arte Moderno, de la Ciudad de México.
Forma parte del Salón de la Plástica Mexicana, y Ha sido reconocido con las medallas José Clemente Orozco, y la del Círculo de Bellas Artes de la Ciudad de México, respectivamente.
Luis Filcer, born in Ukraine in 1927 was brought to México when he was three years old, in 1943, he began studying painting in the Academia de San Carlos.
A scholarship to study in Paris permitted him to know Europe, where he committed himself to the “esthetic of the human,” after observation of workers and peasants whom he never ceased painting. He was influenced by artists like Van Gogh, Goya, as well as the Mexican José Clemente Orozco.
Possessor of a vigorous stroke that transcends the figurative to reach a full emotive style, the Filcer’s works go deep in the most hidden regions of being, where the paint brush, permanent witness of the human comedy that the artists derives from his interior voyages, is the link that connects the revolving transformation of life where the landscapes of the human soul where the irrational takes on a unsuspected force, a refuge of a color that denounces brutality, and paradoxically, accounts for the sublime.
Luis Filcer had solo exhibitions in Grand Palais. Paris,, Galería Marnix Neerman. Brussels. Palacio de Bellas Artes. México, D.F., Buckingham Gallery. London, Museo de Arte Moderno. México, D.F. and in other museums such Mexican Cultural Institute, San Antonio,, Mexican Cultural Institute, Washington, D. C. and the Museo de Arte Moderno, México City.
He was a member of Salón de la Plástica Mexicana. He was awarded the José Clemente Orozco Medal and that of Círculo de Bellas Artes de la Ciudad de México.
Luis Filcer died in 2018.
Adapted from La Tribuna de los Cabos, Mexico
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La Modelo/The Model Acrílico sobre tela/Acryllics on canvas 100 X 80 cms.
Flamenco / Acrílico sobre tela / Acrylics on cloth,72.5 x 132 cm / 2015
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Espejo, el metro en Nueva York/Mirror in the New York subway acrílico sobre tela/acrylic on canvas 150 x 130 cm. (59.1 x 51.2 in.), 1989
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Los asombros de un testigo/Amazements of a Witness
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Pintor y su Modelo/Painter and his Model Acrílico sobre tela/ Acryilic on Canvas, 1999
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El actor/The Actor Mixto cobre tela. 120 cm x 120 cm
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Campesinas/Country Women Acrílico sobre papel / Acrylic on paper 55 cm x 75 cm.
Nací en Buenos Aires en 1950. Dibujo, pinto, hago grabados y objetos.
Estudié en atelieres dibujo y pintura desde niño y más tarde en la escuela nocturna nocturna. Paralelamente me recibí de maestro de educación elemental e ingresé a la Universidad de Buenos Aires para estudiar Medicina y Psiquiatría en la Universidad de Buenos Aires. Me especialicé en Psicoanálisis. Incursioné en la fotografía y a partir de 1988 retomé el oficio de pintor lejos de lo “académico” en los talleres de Silvia Brewda , Carlos Gorriarena, Jorge Meijide y Roberto Páez a lo largo de doce años. Gorriarena como pintor y Páez como dibujante con sus enseñanzas y críticas me impulsaron a un cambio de paradigma. Paralelamente aprendí grabado con Mirta Kupferminc y Andrea Juan. Participé en los seminarios de crítica de Luis Felipe Noé entre 2004 y 2009.
He tenido exhibiciones en galerías y museos en Buenos Aires, Chicago, San Francisco, Montreal, Cusco, Montevideo, Paris, Luxembourg, Puerto Rico, and México D.F. Coleccionistas de arte de Argentina, Estados Unidos, Canadá, Francia, Italia y Luxemburgo. _
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Hugo Goldgel was born in Buenos Aires, Argentina, in 1950. He showed an early interest in drawing and painting, spending time in artists’ studios up until his adolescence. After a break devoted to the study and practice of psychiatry and psychoanalysis at the University of Buenos Aires, and in which he also developed a passion for photography, in the late 1980s he returned to painting. Distancing himself from academic approaches, he solidified his skills in drawing and painting with Silvia Brewda and Jorge Meijide. He studied engraving with Mirta Kupferminc, continuing his studies with Andrea Juan. He credits Carlos Gorriarena and Roberto Páez for contributing to the dramatic weight he had been seeking for his work. In this way, he became committed to art as a philosophy and life practice. Through his critical workshops, Luis Felipe Noé helped him to consolidate his accomplishments.
He has had exhibitions in art galleries and museums in Buenos Aires, Chicago, San Francisco, Montreal, Cusco, Montevideo, Paris, Luxembourg, Puerto Rico, and México DF. Art collectors from Argentina, the United States, Canadá, France, Italy and Luxembourg own his works.
Las imágenes me rondan y si puedo las capturo . Soy un cazador atento a su presa, ladrón de imágenes tanto internas como de las provenientes del mundo exterior. Esa captura incluye gestos como el de quedarme con jirones de un cartel callejero, recortar un fragmento interesante con el objetivo de mi cámara o simplemente guardarlas en mi memoria aprovechando luego la distorsión inexorable del recuerdo. Así es como afronto el proceso creativo dando pasos sucesivos que abren los imprevistos caminos, no excentos de accidentes, que dan lugar una metamorfosis con la intervención de las técnicas que hagan falta, digitales y manuales : lápiz, carbonilla, acrílico , óleo, pastel. Sentimiento y razón en busca de un equilibrio justo antes de caer en el exceso o el abismo.
Opto por alejarme del ideal de perfección que conduce a lo siniestro. Apelo a la expresión desenfadada para zafar de la opresión cotidiana. Apuesto a la sinergia del encuentro, a la multiplicación de imaginarios junto al expectador….
Hugo Goldgel
ALL MY ROADS LEAD TO ROME
The images pursue me, and if I can, I capture them. I am a hunter attentive to his prey, thief of images as much internal as those coming from the external world. That capturing includes bits of a street poster that stay with me, catching an interesting fragment with the objectivity of my camera or simply keeping them in my head, then taking advantage of the inexorable distortion of memory. That is how I confront the creative process, taking successive steps that open unexpected paths, not exempt from accidents that give room for a metamorphosis, with the intervention of the techniques that are needed, be they digital or manualL pencil, charcoal, acrylics, oils, pastels. Feeling and reason in search of a just equilibrium before falling into excess or the abysm.
I opt to distance myself from from the ideal of perfection that leads to disaster. I appeal to the Uninhibited expression to escape from everyday life. I bet on the synergy of the meeting, the multiplication of imaginaries together with the viewer.
1998“El cielo alambrado” Casa de la Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos AiresandSt. Marys Hospital, Chicago, USA.
2004 “Industria Argentina” Galería Karina Paradiso, Buenos Aires.
“Made in Argentine”Art People Gallery , San Francisco, USA including images of the American way of life.
2007“Identidad–Identity”exhibition, Jewish Museum of Buenos Aires, drawings, paintings an engravings.
2009 “L’Un et l’Autre” in GallerieCanal Pictures & Art, Paris France.With the active approvaland encouragement of the Argentine Ministry of Culture and Foreign Office.
2012“Macrópolis”Espacio de Arte Mussetta,Buenos Aire
Collective Exhibitions
1989 Pérez Quesada Gallery
2001Centro Cultural Recoleta , Buenos Aires
2003Universidad de Belgrano, Alianza Francesa, Espacio 10 ArtGallery, Buenos Aires
2005 Centro Cultural Borgesy Casal de Catalunya, Buenos Aires
Engraving Exhibition , Canadá , Montreal, Galeria D’Art Diagonale, Centre des Arts et des Fibres du Quebec. 2007
Galería Forma de Buenos Aires
Museo de Arte Contemporáneo, Cuzco, Perú.
2008Exhibition “Terre A Tierra: Estampes/Grabado” through Espacio de Arte 17 Argentina , Bruxelles, Montreal, México DF.
2010As a a representative of the Museo Nacional del Grabado of Argentine: Feria del Libro, Buenos Aires, Sala Borges and Galería Original Múltiple. Then in Europe by thesupport of theArgentine Government, Foreign Office, Metz Market of Art,France and RED 03 Art GalleryofBarcelona .
2011Golf Chateaux de Preisch, Francia
Galería Rubbers InternacionalBuenos Aires.
2012Bienal de Montevideo, Galería Zona 598
Expo Luxembourg Gallerie BeimEngel del Ministry of Culture of Luxembourg.
# 2014 “Bruxelles-Buenos Aires-Louxembourg, LÁutorrute du Sud” , 5 artistes argentines dans l´année de Cortázar. Louxembourg.
#2015 “Amor a la Patria Grande”, Salón Libertador Palacio San Martín, Ministerio de Relaciones Exteriores y Culto de Argentina, Buenos Aires.
#2016 Museo de la Mujer: Exhibition and presentation of the book with the drawings “Gabriela Laperriere de Coni, de Burdeos a Buenos Aires.
“Speed and other works”, Galerìa La Argentina, Buenos Aires
2010 “Identity and Diversity Artist’s Book”: “Mothers”, Teodoro Ducach poet- Hugo Goldgel painter.The book has been exhibited since 2011 atThe Jewish Museum of Buenos Airesand atuniversities in the United States, MéxicoD.F. and at the Argentine Consulate inNew York. It is now part of the collection of the University of Texas-Austin.
2013 Twenty original works for the book “Los Infernautas” by Gustavo Abrevaya. Works of Hugo Goldgel exhibited atCentro Cultural Haroldo Conti, Ministry of Human Rights, Buenos Aires
2014“Angeles y demoniosen elAbasto” Teatro La Carpintería de Buenos Aires.
2015 “Diálogo” Sala Teatro La Carpintería de Buenos Aires.
2017 “Pasen y Vean”, Cultura Municipio de La Paz, Córdoba, Argentina
“Jirones del Abasto”- “Shreds of Memory”, Centro Cultural de la Cooperación, Sala Vigo. Buenos Aires.
Sandra Mayo nació en Buenos Aires, Argentina, estudió en la Universidad Hebrea de Jerusalem (B.A.) y en la Universidad de Boston (Ed.M.), USA. Su obra plástica fue exhibida en galerías y adquirida por coleccionistas en Argentina, Israel, Alemania y Estados Unidos. Sandra vive en Lexington, Massachusetts.
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Sandra Mayo was born in Buenos Aires, Argentina, she studied at the Hebrew University in Jerusalem (B.A.) and Boston University in Boston (Ed.M.) Her work was shown at galleries and acquired by collectors in Argentina, Israel, Germany and the US. Mayo lives in Lexington, Massachusetts.
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—Mi trabajo artístico está dedicado a la narración de historias personales por medio del arte plástico. Me interesan las personas, sus familias y sus trayectorias a través de las generaciones. Yo exploro cómo las familias evolucionan, prosperan o se desintegran; cómo circunstancias extremas pueden afectarlas creando historias complejas a la espera de ser contadas. Y para contar estas historias, utilizo genogramas y sus símbolos como lenguaje estético.
Los genogramas son árboles genealógicos pictóricos comúnmente utilizados en medicina, psicología, trabajo social, investigación genética y educación. Ellos se utilizan para representar eventos como nacimientos, muertes, inmigración, matrimonio, divorcio, enfermedades físicas o psiquiátricas además de conflictos, emotividad, diálogo y comunicación en el contexto de la familia multi-generacional. Los genogramas se organizan siguiendo patrones hereditarios, y son, por lo tanto, como huellas digitales de la estructura emocional y la historia de una persona en el contexto de su familia. Mi interés en los casos de trauma social me llevó a crear nuevos símbolos para poder representar tragedias, violaciones de derechos humanos -como desapariciones y tortura- así como también resiliencia y esperanza. Actualmente estoy trabajando en la historia de Sara Russ y Ruth Weisz, dos mujeres que luego de haber logrado sobrevivir el Holocausto sufrieron aun más pérdidas terribles cuando sus hijos desaparecieron víctimas de la Guerra Sucia Argentina.
“I consider my art work a practice in storytelling. I am interested in people, in families and their journeys through generations. I explore how families evolve, thrive or disintegrate; how extreme circumstances can impact them creating complex stories awaiting to be told. To tell these stories, I use symbols of genograms as an aesthetic language.
Genograms are pictorial family trees commonly used in medicine, psychology, social work, genetic research and education. They describe events like births, deaths, immigration, marriage, divorce, physical or psychiatric disease, conflicts, emotionality, dialogue and communication organized following hereditary patterns. Genograms are thus fingerprints of the emotional structure and medical history of a person in the context of a family. My interest in cases of social trauma led me beyond the common genogram symbols into the creation of new ones to represent tragedy, human rights violations like disappearances and torture, but also resiliency and hope. I am currently working on the story of Sara Russ and Ruth Weiss, two women who survived the Holocaust only to suffer losses when their sons disappeared in the Argentinean Dirty War.”
Arnold Belkin, judío, nació en Calgary, Canadá, en 1930. Siendo muy joven, descubre la pintura mexicana por medio de los libros y decide venir a estudiar a México. En 1948, ingresó a la Escuela de Pintura y Escultura “La Esmeralda” y estudió con Agustín Lazo, Carlos Orozco Romero y Andrés Sánchez Flores. En la década de los 50, colaboró como ayudante del pintor David Alfaro Siqueiros. Luego, formó parte del movimiento Nueva Presencia, un movimiento artístico de ruptura que integraba a José Luis Cuevas, Francisco Icaza, Rafael Coronel y Ignacio López. Años después, en 1975, fue premiado en la II Bienal Latinoamericana de Grabado de San Juan, Puerto Rico y realizó varias exposiciones individuales en Detroit, Houston, Atlanta, Dayton y Phoenix y en San Juan de Puerto Rico. Para la década de los 80, los principales esfuerzos de Belkin se dedicaron al muralismo, teniendo como tema principal el hombre en consonancia con la naturaleza y su lucha contra fuerzas hostiles en la estructura social. Además, realizó murales en la recientemente inaugurada Universidad Autónoma Metropolitana (UNAM) donde se conservan cinco murales y varias esculturas de su autoría. Sus primeros murales se hacen en UAM Iztapalapa.
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Arnold Belkin was born Jewish in Calgary, Canada, in 1930. When he was very young, he discovered Mexican painting through books and decided to come and study in Mexico. iIn 1948, he entered the School of Painting and Sculpture “La Esmeralda” and studied with Agustín Lazo, Carlos Orozco Romero and Andrés Sánchez Flores. In the 50s he collaborated as an assistant to the painter David Alfaro Siqueiros. Later, he formed part of the Nueva Presencia movement, an artistic movement intended to break from the past that included José Luis Cuevas, Francisco Icaza, Rafael Coronel and Ignacio López. Years later, in 1975, he was awarded at the II Latin American Engraving Biennial of San Juan, Puerto Rico and held several solo exhibitions in Detroit, Houston, Atlanta, Dayton and Phoenix and in San Juan de Puerto Rico. For the decade of the 80, the main efforts of Belkin were dedicated to the muralism, having like main subject the man in consonance with the nature and its fight against hostile forces in the social structure. In addition, he made murals in the recently inaugurated Autonomous Metropolitan University (UNAM) where five murals and several sculptures of his authorship are conserved. His first murals were done at UAM Iztapalapa,
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Murales/Murals
UAM Iztapalapa
UAM Iztapalapa
UAM Iztapalapa
Oracle
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Judaica/Judaica
Moisés de León/Moses of Leon
Golem, 1950
Strands of Spirit
Sello de mi corazón/Seal of my Heart
Simón y Yohai/Somon and Yohai
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Pinturas y grabados/Paintings and Prints
Lallegada de Zapata y Villa al Palacio Nacional/The Arrival of Zapata and Villa at the National Palace
Liliana, la madre de Ari Rosenthal es chilena; Ari se nació in Milwaukee, WI. Tiene un BA de la Universidad de Wisconsin-Madison y un MBA de la Universidad de Minnesota. Durante los 1980s y 1990s, un músico de gran talento, tocaba el saxófono, la flauta y EWI en varias bandas dentro y alrededor de Milwaukee, Madison y Minneapolis. In 2013 volvió de Los Angeles y fundó OzMoses” una compañía de diseño, video, música y marketing. En 2005, OzMoses cambió fuertemente hacia la fotografía y video-grafía, y en 2008, se convirtió en Ari Rosenthal Photography.
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Ari Rosenthal’s mother Liliana, is Chilean; he was born in Milwaukee, WI. He holds a BA from the University of Wisconsin-Madison and an MBA from the University of Minnesota. During the 1980’s and 90’s, Rosenthal, a talented musician, played sax, flute, and EWI in various bands within the Milwaukee, Madison, and Minneapolis areas. In 2003, Rosenthal returned home from Los Angeles, and created OzMoses – a design, video, music, and marketing company. In 2004, OzMoses shifted heavily towards photography and videography and in 2008 became Ari Rosenthal Photography.
Usando fotografía de elementos fuertes de la arquitectura (orgánica y artificiales, Ari David Rosenthal crea re-imaginaciones” de su arte visual tradicional que alcanza mucho más allá de la captura de imagen original. Creando un síntesis y aplicación de dimensión, saturación y textura, las piezas de Rosenthal explotan con fluidez dinámica.
Using photography composed of strong architectural elements (organic and man-made), Ari David Rosenthal creates “re-imaginings” of his traditional fine art photography that reach far beyond the original image capture. Creating a synthesis and application of dimension, saturation and texture, Rosenthal’s newest pieces pop with dynamic fluidity.
Perla Bajder es licenciada en las artes visuales y es especialista en la administración cultural. Estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes y la Universidad de Barcelona. Exhibió su obra y dio clases en Córdoba, Mendoza, Río Negro (Argentina), Barcelona, Biesko Biala, Krackow and Torun (Polonia), Boston, Washington, D.C. (USA), Cappadocia (Turquía), Edinborough, Essex (Reino Unido), Florencia, Urbino (Italia), Kazakhstan México D.F., La Habana, Quito, Santiago,Transilvania (Romania), Y Vilnius (Lituania). Museos en muchos es esos lugares guardan sus obras.
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Perla Badjer earned a degree in visual arts and is a specialist in cultural administration. She studied at the National Schools of Fine Arts and at the University of Barcelona. She exhibited her work and gave classes in Córdoba, Mendoza, Río Negro (Argentina), Barcelona, Biesko Biala, Krackow and Torun (Poland), Boston, Washington, D.C. (USA), Cappadocia (Turkey), Edinborough, Essex (United Kingdom), Florencia, Urbino (Italy), Kazakhstan, México City., Havana, Quito, Santiago (Chile), Transylvania (Rumania), and Vilnius (Lithuania). Museums many of these places show her works.
Juegos y Juguetes Anexo ‘99/Games and Toys The Attic ’99
Ghetto sobre Ruedas. Instalación. 110 x 40 cm. Mixta s/madera, 1999 Ghetto on Wheels, Installation, Mixed techniques/wood, 1999.
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Las bacterias eróticas americanas/American Erotic Bacteria
No contaba con tu astucia II. 100 x 70 cm. Óleo sobre lienzo. 1997. He didn’t count on your astuteness, Oils on canvas, 1997
No contaba con tu astucia II. 100 x 70 cm. Óleo sobre lienzo. 1997.
Oleo sobre tela, 100 cmx 100 cm x70 cm, 2005//Oils on cloth, 100cmx 100 cm, 2005
Oleo sobre tela, 100 cmx 100 cm x70 cm, 2005//Oils on cloth, 100cmx 100 cm, 2005
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Dibujos/Drawings
Dibujos para libro: “Los Niños judíos acusan”. Lápiz s/papel. 14 x 21 cm. 2010 Drawings for the book “The Jewish Children Accuse,” Pencil on paper, 14 x 21 cm,, 2010
Dibujos para libro: “”Los Niños Judíos acusan”. Lápiz s/papel. 14 x 21 cm. 2010 Drawings for the book “The Jewish Children Accuse,” Pencil on paper, 14 x 21 cm,, 2010
“Los niños judío acusan/””The Jewish Children Accuse” Grabado sobre tela/Print on cloth
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Obra reciente: Imágenes y palabras, una relación singular/Recent Work: Images and Words, a Singular Relationship. 20015-2017
Rn tinta/In ink
“La Casa de los Lápices”/”The House of the Pencils”
Imágenes y Palabras
No son los vientos sino las velas las que conducen el viaje.
Imaginé viajábamos en tren con gente sencilla
que disfrutábamos la exuberancia del paisaje
comentábamos la obra de Daumier: “Vagón de tercera clase”
y finalmente llegábamos a la Casa de los Lápices
bautizada así por los vecinos
Imaginé a la luna entre los pinos
a los afinados grillos como señal de alegría
yo preparaba la cena
tu buscabas una flor para la mesa
veíamos “El Lado Oscuro del Corazón”
y junto con Benedetti conversábamos hasta el amanecer
de poesía.
Nos despertábamos con los pájaros
y el concierto de las cigarras en el tórrido día
el aroma de lavandas
rosas
jazmines
azahares
descubríamos en mares teñidos de verdes terrosos
azulados plateados y rojizos anaranjados
todo el mundo del color
que visible allí estaba.
Entonces decías:
-Oh Dulcinea ya es tiempo que los ojos de tu grandeza miren a éste
tu cautivo caballero-
Te revelaba mi duda:
– Acaso es anhelo, sueño o sólo una ilusión por el reflejo de la luna-?
-¡Que mi amor es de locura!-(esto no lo dice el Quijote pero se intuye)
Y nos abrazábamos entre risas y lágrimas
para volver sobre las huellas de nuestros cuerpos en las sábanas tibias
todavía
y tus caricias encendían mis sentidos
entonces imaginé el olor a tierra húmeda y a las primeras gotas
que amenazaban la llegada de la lluvia.
El regreso también lo imaginé
al paisaje infinito en movimiento
vendedores ambulantes que iban y venían
campos secos quemados por el sol
la humareda ensuciando el atardecer
el aire viciado de la ciudad
y a nosotros
sobre todo nosotros
en medio de una muchedumbre ciega
concebíamos en silencio nuestra próxima aventura.
No imaginé (lo supe al azar)
que otros amores tenías
y las palabras, las mágicas que misteriosamente
habitaron mi piel
se desmoronaron en cáscaras vacías
hojarasca que sopló el espíritu del viento donde quería
Solo quedaron las otras
las que amor duradero no prometían.
Imaginé otro lugar con olor a tierra húmeda
que anunciaba en el aire
la inminencia de la lluvia.
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Libros/Books
Editado por/Edited by: Stephen A. Sadow, Perla Badjer, Irene Jaiebsky
El Pajarito remendado?The Mended Bird Ilustrado por Perla Bajder/Illustrated by Perla Bajed
“Un País de las Maravillas/””A Land of Marvels” Un libro escrito e ilustrado por Perla Bajder/A book written and illustrated by Perla Bajder
CHE, escrito en punjabi, dialecto de hindi por Dharam Singh Goraya–tapa por Perla Bajder/ CHE, written in the Punjabi dialect of Hindi by Dharam Singh Gorauay–cover art by Perla Bajder
Nació en Domínguez, Entre Ríos, Argentina. Pintor y dibujante. Estudió en la Academia Nacional de Bellas Artes. Realizó exposiciones en instituciones, clubes y galerías de Buenos Aires. Ilustró el Libro para la pausa del sábado, de César Tiempo. Poseen su obra el Museo de la Boca y el IWO (Bs. As.), además del Museo Municipal de Santa Fe (Argentina).
Born in Domínguez, Entre Ríos, Argentina. Painter and sketcher. Studied in the National Academy of Fine Arts. Shows in institutions, clubs and galleries in Buenos Aires. Illustrated Libro para la pausa del sábado [Book for the Sabbath Pause] by the Jewish Argentina poet and playwright César Tiempo. The Museum of the Boca, the IWO Museum of Buenos Aires and the Municipal Museum of Santa Fe (Argentina) possess his works.
Se gradúa en la Escuela Nacional de Bellas Artes. Vivió en Francia y Suiza donde se especializó en técnicas de grabado. Introdujo la técnica de collagraph en la Argentina con la que trabajó y dictó numerosos talleres. En la actualidad trabaja con técnicas mixtas. Desde 1956 realiza numerosas exposiciones individuales y colectivas en Argentina y el extranjero.
Es jurado de selección y premios en importantes salones nacionales y provinciales. Recibió el Primer Premio de la IV Bienal arteBA de Gráfica (2004), el Premio Konex 2002 (Diploma al Mérito), el Gran Premio de Honor de Grabado XXVº Salón Nacional de Bellas Artes (1990) y el Premio Georges Bracque (Francia, 1964) -entre otros. Varias de sus obras pertenecen a colecciones privadas nacionales e internacionales. En la actualidad trabaja con técnicas mixtas.
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Mabel Rubli graduated from the National School of Fine Arts. She lived in France and Switzerland where she specialized in etching techniques. She introduced the techniques of Colagraphy in Argentina, with with she worked and gave numerous workshops. Now, she works with mixed techniques. Since 1956, she has had very many individual and group show in Argentina and in other counties.
Rubli is a judge for selection and prizes for important artistic venues at the national and provincial levels. She received the First Prize at the IV Biennial arteBA de Graphic Art (2004), The 2002 Konex Prize (Diploma of Merit), the Grand Prize for Etching XXV, the National Salon of Fine Arts (1990) and the Georges Bracque Prize (France, 1964) among others. Some of her works belong to national and international collections. Currently, she is working with mixed techniques
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Un homenaje a los víctimas del Holocausto/ Tribute to the Victims of the Holocaust
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El homenaje de Mabel Rubli a los víctimas del Holocausto: imágenes múltiples, dibujados, pintados, escaneados, digitalizados: obras en serie en la cual un número de piezas que se hacen eco y se amplifican.
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Mabel Rubli’s tribute to the victims of the Holocaust. mûltiples images: drawn, painted, scanned, digitalized. serialized work in which a certain number of pieces echo and amplify each other.
Horacio Vodavotz nació en 1942. Estudió dibujo y pintura con Manuel Eichelbaum y Demetrio Urruchua. Se graduó como Arquitecto Universidad de Buenos Aires en 1967. Con sus óleos y monocopias concurre a salones Nacionales, Provinciales y Municipales desde 1955. Habiendo sido seleccionado en más de cien oportunidades y obteniendo numerosos premios. Han destacado también sus trabajos por Radio Barcelona y en Israel los periódicos “Aurora” y “Maariv”. Entre sus murales se destacan “Lago Kineret” (1966) de cien metros cuadrados y ubicado en Buenos Aires, y otros como el realizado en Barrington Shores, EEUU (1988), en B’nai B’rith (1990) y Hospital Israelita (1998). Poseen obras suyas los Museos de Campana, del Grabado, Colecciones Privadas e Instituciones la Argentina y Brasil, Paraguay, Uruguay, Costa Rica, Francia, Inglaterra, Israel, los Estados Unidos, y la ex-Unión Soviética. Escribe y da clases y conferencias sobre temas de su especialidad en diversos ámbitos tales como Comunidad Emanu-El, B’nai B’rith, Facultad de Odontología, Colegio de Farmacéuticos y Bioquímicos y las Escuelas ORT.
(Se encuentra el CV de Horacio Vodovotz en español al fin de este post).
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Horacio Vodovotz was born in 1942. He studied painting and drawing with Manuel Eichelbaum and Demetrio Urruchua. He graduated in 1967, obtaining his degree in Architecture from the Universidad de Buenos Aires. Since 1955, he has shown his oil paintings and monotypes in national, provincial and municipal exhibitions. Having been a finalist in more than 100 events, he has won many prizes. Also, his works have been praised by Radio Barcelona and by the newspapers “Aurora” and “Maariv” in Israel. His most important murals are “Lake Kineret” (1966), one hundred square meters in size and located in Buenos Aires, and others in Barrington Shores, U.S.A. (1988), at B’nai B’rith Argentina (1990), and at the Hospital Israelita of Buenos Aires (1998). His works are owned by the Campana and Prints Museums in Buenos Aires and in institutional and private collections in Argentina, Brazil, Paraguay, Uruguay, Costa Rica, France, England, Israel, the United States, and the former Soviet Union. Horacio Vodovotz writes, gives classes, and lectures about topics in which he specializes in varied locales such as the Emmanuel Synagogue, B’nai B’rith, the College of Dentistry, the School of Pharmacy and the College of Pharmacists and Biochemists, and the ORT school system.
(Horacio Vodovotz’s CV in Spanish can be found at the bottom of this post.)
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Para mí, Horacio Vodovodtz es un Gran Maestro del arte judío-argentino y judío-latinoamericano. Desde los años 60, ha producido un sinfín de óleos, obras de técnica mixta, pasteles en colores brillantes y a veces suaves, de temática judaica. Sus obras incluyen escenas de la Biblia, meditaciones místicas, escenas jasídicas y de la vida judía en general, especialmente, de Israel–de la Jerusalén vieja y nueva y el Sfat de los místicos.
Admiro su dedicación, su gran habilidad como maestro de arte y su talento para mantener buenas relaciones con judíos de toda estirpe. Lo considero como un gran amigo y un artista de primer rango cuya obra que siempre me impacta mucho.
Steve Sadow
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For me, Horacio Vodovotz is a Grand-Master of Jewish-Argentine and Jewish-Latin American art. Since the 1960s, he has produced an enormous collection of oil paintings, works of mixed techniques, pastels, in brilliant colors and sometimes soft ones, that treat Jewish themes. His works include Biblical themes, mystical meditations, Hasidic activities and Jewish life in general. Especially, he has dealt with Israel—Jerusalem, old and new, and of Safed, the town of the mystics.
I admire his dedication, his great ability as an art teacher and his talent for maintaining good relations with Jews of all backgrounds.
Steve Sadow
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“Escenas bíblicas”/”Biblical Scenes”
El Arbol del Bien y del Mal/The Tree of Good and Evil – 183 x 85 xm 2005
El Diluvio/The Flood -técnica mixta/mixed techniques -65 x 50 cm
Jacob y Esau – Técnica mixta/mixed techniques – 90 x 85 cm, 2015
El sueño de Jacob/Jacob’s Dream, 183 x 105 cm, 2006
Jericó II – óleo/oils – 90 x 300 cm, 2014
Tres ángeles/Three Angels – óleo/oils -130 x 90 cm, 2017
Guardián de las puertas/Guardian of the Entrances – óleo sobre tela/oils on cloth – 150 x150 cm, 2013
Comentarios del; Talmud/Commentaries on the Talmud — têcnica mixta/mixed technique – 40 x 80 cm – 2007
Cercanías de l tumba de David?Near David’s Tumb -óleo/oils -92 x 92, 2013
Murallas de Jerusalén/Walls of Jerusalem – óleo/oils – 130 x 90 cm.
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CV de HORACIO VODOVOTZ
Nació en 1942. Comenzó su formación en las artes plásticas estudiando dibujo y pintura con los maestros Manuel Eichelbaum y Demetrio Urruchúa. Ya como arquitecto, graduado en la UBA en 1967, proyectó y construyó edificios de vivienda, locales comerciales, oficinas, industrias espacios deportivos y stands entre otros emprendimientos.
Sus óleos, monocopias y pasteles fueron seleccionados en más de 180 exposiciones individuales y colectivas, obteniendo numerosos premios entre ellos: Tercer premio en pintura (San Fernando-1967), Premio Amadeo Cichero, Remaggi Gomez (1968), Mención de honor en el Salón de Morón (1975) y en grabado en San Fernando (1977). Le asignan menciones especiales en el colegio Ward (1981) y congregación Emanuel (1984) Durante 1986 fue premiado en el Centro Yukio Mishima, Centro Cultural Giama y A.C.A.P. Obtuvo Menciones en el Salón de Arte Sacro (Olivos 1998), Salón Sara Stábile (2000) Premio al aporte al patrimonio Artístico de Belgrano (2001) Mención de honor Casa de Italia (2005) Mereció primeros premios en la Universidad de Morón (1979), Asociación Estímulo de arte (1979) Salón de San Fernando (1981) y en la primera Bienal Internacional sobre el Genocidio del Pueblo Armenio (1985)
Fue seleccionado en diferentes Salones, tanto Nacionales, Provinciales y Municipales, como los del Salón Nacional de Artes Plásticas, Salón Municipal de artes Plásticas, Mar del Plata, Córdoba, La Plata, Morón, Rosario, San Fernando, Lanús, Tigre, Quilmes, Ramos Mejía ,Wilde, Almirante Brown, La Plata, Santa Fe, Córdoba, ,Ayudarte I,II YIII,La Boca, Arte Ba, entre otros.
Expuso en instituciones de prestigio como MEEBA( Estímulo de Bellas Artes), SHA(Sociedad Hebraica Argentina), SAAP(Sociedad Argentina de Artistas Plásticos),el Círculo de Bellas Artes, SADE (Sociedad Argentina de Escritores), el Centro Cultural Recoleta, el Palais de Glace, el Museo Sívori, el Museo Saavedra, el Museo de la Casa de la Moneda, Museo Benito Quinquela Martin, ,Dirección Nacional de Museos, el Club de Leones, la Bolsa de Cereales, el Banco Credicoop, Universidad de Morón, Universidad de Belgrano, Universidad Popular de La Boca, el Colegio Ward, Casa de Italia, el Centro Educativo Sefardí ,Dirección Nacional de Museos ,AMIA (Asociación mutual israelita Argentina), CNHacoaj, O., H. Macabi, B, nai Brith internacional Comunidad Bet El ,Le Dor Vador, Salon Lepret, Hipódromo Argentino, Auditorio de Buenos Aires y diversas galerías de arte, entre otros.
Ha sido invitado a exponer en el Colegio de Farmacéuticos y Bioquímicos, en la Facultad de Odontología, en el Banco Provincia y en la Primera Iglesia Metodista, y en varias ciudades de Israel por medio de la embajada argentina en ese país.
Además de las técnicas de caballete realizó murales Argentina y EE.UU., destacándose por su tamaño de 100 m2 “Lago Kineret (1966). (Pampa Esq. O´Higgins).
Este trabajo fue incorporado por el gobierno de ´la ciudad Autónoma de Bs. As. Al Patrimonio Urbano y publicado por el Ministerio de Cultura en 2005
Existen murales suyos en el Hospital Israelita “Ezrah”, en la B,nei Brith Argentina y en diversos edificios de argentina y U.S.A.
Su obra forma parte del Archivo Iconográfico Nacional, de la Enciclopedia del Arte en América, Selección de grandes artistas 110 Aniversario de Amia y en el Diccionario de Artistas Plásticos Argentinos. Seleccionado para el libro Historia de los Bares Argentinos (municipalidad CABA) Amia de Basavilbaso festejó sus 110 años con un libro cuya tapa y prólogo son de autoría del artista. Selección del prof. Stephen A. Sadow en su libro “Desde adentro y desde Afuera.” En Amia central fue curador de los dos Congresos Internacionales por la Creatividad. Su obra “El Kotel” es el único cuadro reproducido e n “Torat Emet”. Parte de su obra está en manos de coleccionistas privados e instituciones públicas de la Rep. Argentina, Brasil, Uruguay, Paraguay, Chile, Costa Rica, Panamá Francia, Inglaterra, Suecia, U.S.A, Israel,Mejico. Australiay ex Unión Soviética.
Su trayectoria fue elogiada por la prensa, tanto en medios gráficos como radiales y televisivos, dentro y fuera del país. Entre otros mencionaremos los diarios Aurora y Maariv de Israel, Radio Barcelona de España, La Nación, Clarín, Argentinisches Tageblatt de Argentina. También fue elogiado por diversos medios dedicados al arte.Algunas críticas se reproducen por separado.En 2002 se publica su libro Manchas, cuyo contenido es reeditado en Nueva York.
Fue Asesor Técnico Profesional del Decano en la Facultad de Medicina (UBA) y un activo organizador de salones de arte, tanto como artista plástico, como curador o jurado en espacios institucionales como AMIA (Asociación Mutual Israelita Argentina), la B´nei Brith y escuelas técnicas ORT Internacional.
Fue invitado a realizar exposiciones personales durante 2006 en La Bolsa de Comercio, Museo Histórico Saavedra, Museo Jauretche- Banco Provincia, Northeastern University, Boston.
Tuvo el honor de representar a Jabad de la ciudad de la Plata en una muestra retrospectiva individual, en el Centro Malvinas de esa ciudad. Como corolario de esta muestra colaboró en el diseño de la sinagoga de Beit Jabad de La Plata. Actuó como jurado en concursos de pintura organizados por Jabad central.La dirección de cultura de la Provincia de buenos aires exhibió sus cuadros en el Círculo de villa Devoto y en las localidades de San Andrés de Giles, Carmen de Areco y Chacabuco. El anuario de personalidades del mundo judío lo seleccionó junto a cinco. Exponentes del deporte y la política.
Sus obras fueron seleccionadas por varios escritores para portada de sus libros. Lo mismo hicieron numerosos templos y Memoria y Protagonismo “ de B,nai Brith argentina En 2007 La comunidad Bet Hilel le dedicó la tapa de su anuario, y en 2008 hizo lo propio la comunidad B´nai Tikvá.
En 2007 expone nuevamente en el Náutico Hacoaj y en Judaica Books, siendo invitado a exponer en la comunidad Bet El . En 2013, 14 y15 seleccionado por la comunidad judía para “Mixturas “ en el Palais de Glace. En los mismos años expone en “Ayudarte”En 2016 la comunidad B,nei Tikvah realiza su primera Hagadá. La totalidad de sus imágenes (tapa , contrat-tapa y 15 imágenes interiores) son realizada por Vodovotz. 2016-Realiza las imágenes para el calendario hebraico de la Sociedad Israelita de las Pampas por séptimo año consecutivo. 2016 Premio a artista local salón de pintura de Villa Urquiza2017 dos muestras en inmobiliaria Rivas
Desde su labor docente escribe, da clases y conferencias de su especialidad en espacios académicos.
“Una de las cosas más importantes que me pasaron en la vida, ocurrió antes de que yo naciera”.Esta sola frase da cuenta de una marca que recibí y que atraviesa toda mi vida y también mi obra. Soy hija de padres sobrevivientes de Auschwitz. Mi papá polaco y mi mamá húngara; llegaron a Argentina como tantos otros; buscando refugio huyendo de una Europa que no los quería y que los despojó de toda su vida. Nací en una casa en la que no había fotos ni objetos que hubieran pertenecido a nadie antes de mis padres. Crecí abrazada por brazos numerados.
En mi casa se hablaba otro idioma, es así que aprendí variantes de la llamada “lengua materna”, y muchas veces me sentí extranjera en mi propia patria.
Creo que mi deseo de ser artista nació a partir de la necesidad de tener objetos que me sobrevivieran. Toda mi obra está atravesada por la Memoria y la Identidad. Esos son mis grandes temas.Mi trabajo se centra en los temas que muestran mi identidad judío-argentina.
Somos quienes somos más allá de nuestra intención; yo siento que transmito la verdad de mi esencia.
Lo que no se puede ver; el arte debe mostrarlo. Ese es mi compromiso.
Mirta Kupferminc
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“One of the most important events in my life took place before I was born.” This phrase alone explains a wound I received that goes through all my life and also my work. I am the daughter of parents who were survivors of Auschwitz. My Polish father and my Hungarian mother arrived in Argentina, like so many others, seeking refuge, fleeing a Europe that did want them and that deprived them of their entire lives. I was born in a home that didn’t have photos or objects that had belonged to anyone who preceded my parents. I grew up embraced by numbered hands.
In my home, another language was spoken, so that I learned variations of the so-called “mother tongue,” and often, I felt like a stranger in my own land.
I believe that my desire to become an artist was born from the necessity to have objects that would survive me. All of my work is infused with Memory and identity. These are my central over-arching themes.
My work is centered in the themes that show my Jewish-Argentine Identity.
We are who we are, beyond our own intention; I feel that I transmit the truth of my essence.
What cannot be seen; art should show. This is my commitment.
Mirta Kupferminc
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El arte de Mirta Kupferminc/Mirta Kupferminc’s Art
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Una instalación basado en historia de la Torre de Babel/An Installation based on the story of theTower of Babel, Even if you don’t know Spanish, you will find it compelling.
DIVINO DESEO – imagen del film. 2014/DIVINE DESIRE – still from the film, 2014
CONVERTIDO EN SERPIENTE(detalle)CONVERTED INTO A SERPENT(detail)
PAISAJE INTERIOR – Técnica mixta – 100 x 130 cm, 2012 INTERIOR LANDSCAPE – mixed media – 43 x 54 in, 2012
ORÍGENES DE LA XENOFOBÍA -litografía y caucho calado a mano 96 x 78 cm, 2017 ORIGINS OF XENOPHOBIA – Iithography – hand cut rubber 37 x 30 , 2017
MEMORIAS DE UN RELATO -Litografía 38 x 55 cm, 2017 MEMORIES OF A TALE- Lithography, 15 x 22 in, 2017
PROMESA DE AMOR – fotografía digital, 100 x 60 cm LOVE PROMISE – digital photograph, 39.4 x 23.9 in.
JUPá (detalle de una instalación)/BRIDAL CANOPY (detail from an installation)
SILLA EVA-LA MADRE PRIMORDIAL – 100 x 100 x 100 cm, 2014 EVE’S CHAIR- CHAIR OF ALL THE MOTHERS, 39.4 x 39.4 x 39.4 in, 2014
MIRTA portando CONVERTIDO EN UN SERPIENTE – escultura blanda habitable – 140 x 150 x 10 cm MIRTA carrying S-NAKED – habitable sculpture – 55 x 60 x 3.9 in
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Curriculum Vitae — Mirta Kupferminc — Español/English
Mirta Kupferminc – Nació en Buenos Aires, 1955 – Artista Visual multidisciplinaria. Profesora y conferencista. Actuó como jurado o curadora en varios eventos nacionales e internacionales. Exhibe local e internacionalmente desde 1977 y realizó más de 90 exposiciones individuales. Representa a Argentina en concursos y Bienales internacionales. Fundadora y directora de LABA-BA (Argentina) en diálogo con LABA: House of Study at the 14th St Y NYC -Invitada a exhibir en Venecia en los eventos conmemorativos por el aniversario de los 500 años del Ghetto judío .Junto al arquitecto Andres Segal creo el Monumento de Memoria Activa en homenaje a las víctimas de la AMIA.
Colecciones y Museos (selección)
Palais de Glace, Buenos Aires – Museo Nacional de Grabado, Buenos Aires – IWO Museum,Buenos Aires – Colección Amalia L. de Fortabat – Oficina Comerial y legal de Taiwán en Argentina.Museo Rosa Galisteo de Rodriguez, Rosario – Santa Fé – Argentina.Museo Wolfsohn Hechal Schlomó – Jerusalem – The Israel Museum Contemporary Art Collection, Jerusalem – Israel – Fine Arts Museum, Taipei – Fine Arts Museum, Taichung – Taiwán – Museo Ralli, Uruguay – Fine Arts Museum, Gÿor-Museo Holocaust museum, Budapest, Hungary – Ex-libris Museum, Saint Niklaas, Belgium -Colección Contemporánea de la Real Biblioteca de Madrid, España – Casa de las Américas, La Habana, Cuba – Universidad de Maryland – Library of Congress, Washington DC – Golda Meir Library, Wisconsin, Jewish Museum in Milwaukee -HUC Museum, Nueva York, Manhattan, NY- New York University at Buffalo -Milwaukee Institute of Art and Design, Wisconsin – University – Southern Graphic Council Collection, EE.UU.
Exhibiciones (selección)
2018 º “El Altar de Alter” – IMPACT 10 Santander, España º Mundo Nuevo Art Gallery- Buenos Aires.
2017 º Repair the World- Brooklyn “ THE OTHER SOUTH”
º LABA at the 14th St Y , NYC “ THE OTHER SOUTH” º Fundación pasaje Ochoseiscinco- Buenos Aires
º Contemporary Art Jerusalem Biennale- “ TRADUTTORE- TRADITTORE” 2016 º DAIN Usina Cultural, Buenos Aires – EL CUERPO DE LAS PALABRAS.
º Grupo OTT en la muestra DIVIDED WATERS durante los eventos conmemorativos de los 500 años del Ghetto de Venecia.
º Encuentros Abiertos Festival de la Luz- Buenos Aires 2015 ºGaleria Koo – Hong Kong.
º Bienal de Jerusalem.
2014 º Invitada a exhibir en el marco de la muestra internacional de grabado en el Fine Arts Museum en Shangai.
2013 º Muestra de Grabado en Archiv Arte Gallery – Berna, Suiza. º Gravura Brasileira, Sao Paulo – Brasil.
º Experimental Printmaking Projects, Rumania.
2012 º Fundación Alon para las Artes – Buenos Aires – LA VIDA ESPUMA – con textos de Manuela Fingueret.
2011 º EN LA PALMA DE MI MANO, Galería Original Múltiple – Buenos Aires. º CARTOGRAFIA DEL DESEO, Centro de Cultura Judaica – Sao Paulo, Brasil.
2009 º WANDERINGS Jewish Museum HUC, Nueva York.
ºGalería Arcimboldo – THE SKIN OF MEMOR, Buenos Aires .
2008 º Nohl Art Gallery – Universidad de Winsconsin, Milwaukee: WOMEN OF THE BOOK
ºBORGES Y LA CÁBALA: en busca del Acceso, con textos de Saúl Sosnowski. Universidad de Maryland.
2007 º Instituto Cervantes, Chicago, EE.UU.
º Instalación performance: LA PIEL DE LA MEMORIA” Instituto Hemisférico de Performance y Política.
2006 º BORGES Y LA CÁBALA: senderos del Verbo – textos de Saúl Sosnowski-Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires.
2005 º Galería de arte de Universitat der Künste Berlín, Alemania.
º Exhibición video “En Camino” con Mariana Sosnowski, Espacio Fundación Telefónica,
Buenos Aires.
2002 º Museo Sívori, MUNDOS PARALELOS – Buenos Aires, Argentina .
º International Images Gallery, Sewickley, Pittsburgh, Estados Unidos. Obra gráfica.
1999 º Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires. Grabados. 1998 º Sokei Academy of Fine Arts, Tokio, Japón.
1992 º Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Buenos Aires. 1990 º Museo de Arte Americano, Punta del Este, Uruguay.
2016 ºBeca Memorial Foundation for Jewish Culture – Nueva York
2013 ºMención especial del Jurado, Salón Manuel Belgrano, Buenos Aires. º Primer Becario Internacional LABA: HOUSE OF STUDY Nueva York.
ºThe Charles and Lynn Schusterman Family Foundation (CLSFF).
2012 º Gran Premio Presidencia de la Nación. Salón Nacional de grabado, Argentina.
2010 ºPremio especial del Jurado – Arte Textil Salón Nacional – Argentina.
2009 ºGanadora de la Beca Memorial Foundation for Jewish Culture – Nueva York. 2008 ºTercer Premio / Trienal internacional de Kochi, Japón.
ºBeca Memorial Foundation for Jewish Culture, Nueva York.
2007 º Premio Recomendación del Jurado – Concurso Internacional IJAYA, Inglaterra.
2006 ºPremio adquisición, Medalla de Plata 12 Bienal Internacional de Grabado y Dibujo de Taiwán.
ºPremio a la trayectoria Museo del Holocausto, Shoá, Buenos Aires. ºPremio Moisés – a la trayectoria artística – Sociedad Hebraica Argentina.
2005 º Mención de Honor, Festival de Video Arte – Prometeo, Buenos Aires. 2001 º Premio Adquisición, 78º Salón Nacional Anual de Santa Fé, Argentina. 1999 º Mención de Honor Bienal de Grabado de Taipei.
1998 º Artista invitada por Printsaurus Association, Japón. 1997 º1er Premio, Salón Nacional de Grabado, Argentina.
1996 ºGran Premio de Honor, Salón de Santa Fé, Argentina. 1993 º Segundo Premio Pintura, Fondo Nacional de las Artes.
º Premio Consulado de Italia, Salón de Santa Fé, Argentina. 1991 º Tercer Premio, Salón Nacional, Argentina.
Clases y conferencias (selección) :
ºDartmouth College – New Hampshire – ºMIAD Milwaukee
Institute of Art and Design -º New York University at Buffalo, º St Mary´s College, Maryland,
ºUniversity of Maryland, ºLibrería del Congreso, ºWashington, ºUniversidad Tres de Febrero,
ºMuseo de Bellas Artes, Buenos Aires.
ºActúa como jurado en certámenes provinciales y nacionales, de Grabado , y Nuevos soportes y medios Audiovisuales.
ºDirige en Buenos Aires su estudio para artistas.
ºEs fundadora y directora argentina de LABA-BA en dialogo con LABA: laboratory for Art and Culture en Nueva York.
Articles and books (selection)
Cultura e Educaçao- Coelho Teixeira (2015)
God, Faith, & Identity From The Ashes- Menachem Z. Rosensaft (2014)
The Global And the Intimate : Feminism In our Time- Geraldine Pratt, Victoria Rosner (2013)
Harbinger of Modernity– Dalia Wassner (2013)
Painting Borges: Philosophy Interpreting Art Interpreting- Jorge J. E. García (2012) Future of Text And Image: collected essays – Ofra Amihay, Lauren Walsh (2012) The New Jewish Argentina- Adriana Brodsky , Raanaan Rein (2012)
In the wake Of Neoliberalism : Citizenship And Human Rights- Karen Faluk- (2012) Returning To Babel: Jewish Latin American experiences- amalia Ran- Jean Cahan (2011)
Critical Mass : printmaking Beyond The Edge- Richard Noyce- (2010)
THE JEWISH DIASPORA IN LATIN AMERICA AND THE CARIBBEAN The Jewish Diaspora In Latin America And The Caribbean- Kristin Ruggiero (2010) Installations and experimental Printmaking- Alexia Tala (2009)
Misplaced objects: Migrating Collections and Recollections- Silvia Spitta (2009) Rethinking Jewish- Latin America- Jeff Lesser, Raanaan Rein- (2008)
The Walls Of Labyrinth…- Karen Ann Faluck (2008)
Argentina: A Global Studies Handbook.- Todd L. Edwards (2008)
Diaspora And Memory: Figures Of Displacement.- Marie- Aude Baronian, Stephan Besser, Yolande Janses (2007)
Debate Feminista- Vol 18 (2007) Art News- Vol. 101-
Hijos De La Guerra- Diana Wang, Constanza Brunet- (2007) Grabart- Papel Y Estampa- (2006)
Mirta Kupferminc Born, Buenos Aires, 1955- Studies: Ernesto de la Cárcova (Superior Studies) – Degree: Printmaking High Professor-1978 to 1981-Prilidiano Pueyrredón (National Art University) – Degree: Master- 1974 to 1977Manuel Belgrano (National Art College) – Degree: Teacher-1973 – Shows locally and internationally since 1977 and has held more than 95 one-person shows in galleries and museums. She represents Argentina at International Biennials.In 2015 she launches LABA-BA in Argentina as a filial of LABA: a Laboratory for Jewish Culture at the 14th St Y in New York City. Since then, she is Director of Laba-ba: a laboratory for Jewish Culture in BA that works together with LABA : house of study NY- Jury in printmaking and new media an Installations contests, and director of her own studio since 1981 where she mentors other artists.
International Collections and Museums
Museo Wolfsohn Hechal Schlomó – Jerusalem- The Israel Museum Contemporary Art Collection, Jerusalem-Israel-Fine Arts Museum , Taipei-Fine Arts Museum , Taichung-Taiwan-Ralli Museum, Uruguay- Fine Arts Museum ,Gÿor-Holocaust Museum, Budapest, Hungary-Ex-libris Museum, Saint Niklaas, Belgium-National Library , Madrid,contemporary collection, Spain- Casa de las Américas, La Habana, Cuba- Universidad de Maryland-Library of Congress, Washington DC-Golda Meir Library, Winsconsin University,Milwaukee- HUC Museum, Nueva York, Manhattan, NY-University of New York at Buffalo- MIAD (Milwaukee Institute of art and Design),- Winsconsin University Collection-Southern Graphic Council Collection, USA.
Collections and Museums in Argentina (selection)
Palais de Glace (Museum), Buenos Aires-Rosa Galisteo de Rodríguez Museum- Rosario-National Printmaking Museum- Buenos Aires-IWO Museum- Buenos Aires-Amalia L. de Fortabat Collection, Jewish Museum, Buenos Aires-Nueva Dirección en la Cultura Collection, Buenos Aires-Garraham Hospital, Buenos Aires-Hacoaj Nautical Club-Argentinian Hebraica Society, Buenos Aires-Pardés Foundation, Buenos Aires-Konex Foundation, Buenos Aires-Banco Mercantil Foundation Cultural and Commercial Office of Taipei in Argentina-
Main Awards
2016 ºBeca Memorial Foundation for Jewish Culture – New York
2013 Honor Mention Sivori Museum, Argentina
2013 First International Fellow at LABA: HOUSE OF STUDY Y New York-
The Charles and Lynn Schusterman Family Foundation (CLSFF)
“#MakeItHappen” Micro Grant Campaign
2012 First National Honor Award – Presidencia de la Nación Argentina
2010 Special prize for the Video “The Name and The Number”, Argentina,
2008 Third prize at the 7th International Triennial Exhibition of Prints- Kochi
Grant- Memorial Foundation for Jewish Culture-
2007 Commendation Award- Ben Uri art gallery- IJAYA- London, Great Britain
2006 Second Prize- Internacional Printmaking Bienal Taiwán
Premio Moisés – Visual Arts Sociedad Hebraica Argentina
Holocaust Museum Prize- Buenos Aires
2001 Adquisición Award, 78º Annual Salón de Santa Fé, Argentina
1999 Honorable Mention, Printmaking Biennial of Taipei, Taiwan
1998 She was invited by the Printsaurus Association, Japan
1997 National Printmaking Award – FIRST PLACE
1996 Honor Great Award, Salón de Santa Fe, Argentina
1993 Consulate of Italy Award, Salón de Santa Fe, Argentina
Fondo Nacional de las Artes Award –
1989 Guibourg Award , National Award, Argentina
1987 Best Monotype Award, National Award, Argentina
1985 Cata Mórtoli de Bianchi Award, National Award, Argentina
1984 Salvador Caputto Award , Salón de Santa Fe, Argentina
1980 Young Argentinian Art Award – FIRST PLACE
Lectures- (selection)
2017- Library of Congress- A Jewish latinamerican view on Babel
2017- Borhes and the Kabbalah- LABA- 14TH St Y New York
2015 “The Trap of Eden” at the Latin American Jewish Studies Association LAJSA, University of Florida.
2015 The Skin Of Memory- Beth Torah Beny Rock Campus, Florida-
2014 Borges and Kabbalah, 14th St Y (LABA session)-
2013- Curator´s diseration at the SCGI International Printmaking Conference- Milwaukee-
2012 -Lazar Segall Museum. Sao Paulo- Printmaking art Fair. Estampa
2011-Interdiciplinary Center for the study of Global Change- University of 2011Minnesota- “Multiculturalism and Migration: an artist´s Vision”- She directed the artist´s books Project “ Inter- Vengo” a Buenos Aires for students of Dartmouth College –
Workshops at:Dartmouth College- New Hampshire- Printmaking department- February
2009- MIAD Milwaukee Institute of Art and Design- Printmaking clasees. Book s classes- Art critic painting students
2009-Visiting artist at MIAD – Darmouth College – (lecture and Workshops)
2009- Latin America Jewish Studies- University of Tel Aviv- with Saúl Sosnowski
2009- The University of New York at Buffalo- October 2009.
2008- Visiting artist University of Maryland
2008- HUC- NY about my work
2007 Library of Congress with Saúl Sosnowski-Borges y la Cábala, Senderos del Verbo- Villa Ocampo- UNESCO, with Saúl Sosnowski .
Visiting artist- MIAD – Milwaukee Institute of Art and design- Golda Meir Library- Wisconsin University- Milwaukee- Hebrew Union College- Lecture
“Mirta Kupferminc as a printmaker”-Visiting artist at Wisconsin University-( Lectures and exhibition-)
2006 -LAJSA Latinamerican Jewish Studies –National Library- Buenos Aires
Round table about Postmemory- Hemispheric institute Encounter
2004 Paralel Worlds- Fundación Internacional Jorge Luis Borges-
2001- Psicoanalisis and Art-Centro Cultural Borges – National Fine Arts Museum-
Lectures: Year 2000 – APA (Asociación Psicoanalítica Argentina )
Exhibitions (selection)
2018 º “The Altar of Alter”- IMPACT 10. Santander, España.
º Mundo Nuevo art Gallery, Buenos Aires
2017 º Represents Argentina at the Third Jerusalem Biennale- Traduttore- Tradittore
2016 º DAIN Usina Cultural, Buenos Aires –“The Body Of The Words”.
º “ Divided Waters”- Venice- 500 years del Ghetto in Venice.
º Festival de la Luz- Buenos Aires
2015- ºGalerie Koo- Hong Kong
º Art Biennial Jerusalem ( group show)
2014 ºinvited artist to show at the International printmaking exhibition at The Fine
Art Museum , Shangai
º Presentation at LABAlive at the 14th St Y , Manhattan USA
2013 ºPrintmaking exhibition at ArchivArte Gallery- Bern Switzerland
ºGravura Brasileira, Sao Paulo- Brazil-
ºExperimental Printmaking Projects
2012 ºFundación Alon para las Artes- Buenos Aires- La Vida Espuma- with
texts by Manuela Fingueret
ºFundación Fundacruz- Río Gallegos-
º Mapping Desire: Borges And Kabbalah- with texts by Saúl Sosnowski.
2011 ºthe Palm Of My Hand .Original Múltiple Gallery- Buenos Aires.
Centro de Cultura Judaica- Sao Paulo, Brasil.
º Reni Duplaa: al borde de lo virtual- Galería ATICA, Buenos Aires, (collaboration with Jorge Meijide)
2009 ºWANDERINGS Jewish Museum Hebrew Union College NYU.
º Galería Arcimboldo- The Skin Of Memory, Buenos Aires .
2008 ºNohl Art Gallery– Wisconsin University- Milwaukee. “Women of the Book:
Mirta Kupferminc and Shirah Apple.
º Borges and the Kabbalah: Seeking Access Exhibition with texts by Saúl Sosnowski. University of Maryland.
2007º Cervantes Institute, Chicago,U.S.
º Installation: The Skin Of Memory Hemisferic Institute,Centro Cultural
ºBuenos Aires, Buenos Aires,
º Universidad CEMA – Skin and Soul of Memory.
2006 ºborges And Kabbalah: paths to the Word- texts Saúl Sosnowski-Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires.
2005 ºUniversitat der Künste Berlin Gallery,Germany
ºExhibition video “En Camino” Espacio Fundación Telefónica, BA
2004 ºInternational Foundation Jorge Luis Borges. “Mundos Convergentes” Buenos Aires
2003º Invited by Argentinian Chancellery .
2002 ºSívori Museum Art Gallery, Buenos Aires, Argentina .
ºInternational Images, Sewickley, Pittsburgh
1999 ºRecoleta Cultural Center, Buenos Aires
ºEspacio Giesso Art Gallery, Buenos Aires.
º Ruth Schweitzer Fine Arts Art Gallery, Toronto, Canada.
º National Exhibition Hall (Palais de Glace), Buenos Aires.
1998 ºSokei Academy of Fine Arts, Tokyo, Japan.
1992 ºModern Art Museum, Buenos Aires.
1990 ºAmerican Art Museum, Punta del Este, Uruguay.
ºWildenstein Art Gallery, Buenos Aires, Argentina .
1989º Aramayo Art Gallery,Uruguay .
1984 ºPraxis Art Gallery, Buenos Aires.
1982 ºRubbers Art Gallery, Buenos Aires, Argentina
Catalogues
Traduttore-Tradittore (2017)
The Body Of The Word (2016)
La Vida Espuma (2012)
Wanderings- (2009) Jeannie Rosensaft- Huc- Nyc
Borges And The Kabbalah: Seeking Access- Saúl Sosnowski, University Of Maryland, College Park Art Gallery (2008)
La Piel De La Memoria – (2007)- Marianne Hirsch & Leo Spitzer
Borges And The Kabbalah : Paths To The Verb- Saul Sosnowski- (2006)
Gente Del Otro Espejo- (2001) (Julio Sapollnick)
Mundos Paralelos- (1999)
4 Artistas Plásticos Argentinos- (1997)
Articles and books , (selection)
Revista Casa Foa. (July 2016) Buenos Aires
Sculpture Magazine (2015) New York
Cultura e Educaçao- Coelho Teixeira (2015) Brazil
God, Faith, & Identity From The Ashes- Menachem Z. Rosensaft (2014) NY
The Global And the Intimate : Feminism In our Time- Geraldine Pratt, Victoria Rosner (2013)
Harbinger of Modernity– Dalia Wassner (2013)
Painting Borges: Philosophy Interpreting Art Interpreting- Jorge J. E. García (2012)
Future of Text And Image: collected essays – Ofra Amihay, Lauren Walsh (2012)
The New Jewish Argentina- Adriana Brodsky , Raanaan Rein (2012)
In the wake Of Neoliberalism : Citizenship And Human Rights- Karen Faluk- (2012)
Returning To Babel: Jewish Latin American experiences- amalia Ran- Jean Cahan (2011)
Critical Mass : printmaking Beyond The Edge- Richard Noyce- (2010)
The Jewish Diaspora In Latin America And The Caribbean- Kristin Ruggiero (2010)
Installations and experimental Printmaking- Alexia Tala (2009)
Misplaced objects: Migrating Collections and Recollections- Silvia Spitta (2009)
Rethinking Jewish- Latin America- Jeff Lesser, Raanaan Rein- (2008)
The Walls Of Labyrinth…- Karen Ann Faluck (2008)
Argentina: A Global Studies Handbook.- Todd L. Edwards (2008)
Diaspora And Memory: Figures Of Displacement.- Marie- Aude Baronian, Stephan Besser, Yolande Janses (2007)
Debate Feminista- Vol 18 (2007)
Art News- Vol. 101-
Hijos De La Guerra- Diana Wang, Constanza Brunet- (2007)
Grabart- Papel Y Estampa- (2006)
Espiral De interrogantes- Reynaldo Gonzalez- (2004)
Iluminaciones Judías- Eliahu Toker (2002)
Art News- issue March (2002)
AJS- Perspectives- Magazine of Jewish Studies- migration- issue fall 2017
Lasar Segall Foi um pintor, escultor e gravurista judeu brasileiro nascido na Lituânia a 1891. Seu trabalho teve influências do impressionismo, expressionismo e modernismo. Seus temas mais significativos foram representações pictóricas do sofrimento humano:a perseguição. e a guerra. Foi um dos primeiros artistas modernistas a expor no Brasil. Morreu a 1957 na cidade de São Paulo.
As lutas iniciais do pintor foram enormes, por introduzir ideias novas e revolucionárias, totalmente diversa da existente. Em 1912, Segall veio para o Brasil, onde já estavam seus irmãos. Voltou para Europa. e em 1918.
Lasar Segall retornou ao Brasil em 1923, e dedicou-se à pintura. Era comedido em seus traços, em suas cores e em suas representações. Mesmo os quadros que possuem cores vivas, traduzem aspectos sombrios.
Em 1927, foi viver em Paris. Em 1932, Segall retornou definitivamente para o Brasil. Participou da fundação da Sociedade Paulista Pró-Arte Moderna. Em 1957, realizou-se em Paris, a monumental “Exposição Segall”, no Museu de Arte Moderna, Em 1957, voltou para São Paulo, onde em esse ano morreu.
Lasar Segall was a Jewish-Brazilian painter, sculptor and print-maker, born in Lithuania in 1891, His work was influenced by Impressionism, Expressionism and Modernism. His most significant themes were pictoral representations human suffering: persecution and war. He was one of the first Modernist artist to show his works in Brazil.
The painter’s early struggle to introduce new and revolutionary ideas, totally different from those in existence, was extremely difficult.In 1912, Segall came to Brazil, where his brothers and sisters were already living. He went back to Europe in 1918,
Lasar Segall returned to Brazil in 1923, to dedicate himself to painting. H was cautious in his lines, in his colors and in his representations. Even in the paintings that include strong colors, the have sombre effects.
In 1927, he went to live in Paris, In 1932, he moved definitively to Brazil. He participated in the foundation of the Sao Paulo Society for Modern Art. In 1957, he held an monumental “Lazar Segall Exhibition” in Paris’ Modern Art Museum. That year, he returned to São Paulo and died there.
Ester Gurevich, nació en Buenos Aires. Se formó con el maestro Battle Planes, en su Instituto de Investigación de la Forma, estudió Psicología de la Forma y Simbología y comienza a trabajar en Investigación. De 1971 a 1976, participa en congresos de Semiótica y Psicoanálisis, escribiendo sobre Comunicación Visual en Italia, Venezuela y Francia. En 1983 dicta seminarios sobre Creatividad en el Centro Cultural San Martín. En 1983-1987, se desempeña en la Secretaría de la Cultura de la Nación, en el área de plástica.
Expone desde 1968, algunas de sus muestras tuvieron lugar en: Galería Lindsey, Galería Van Riel, Museo Damazo Arce, Museo de Arte Moderno, Museo Siborí, Galería Praxis, Centro Recoleta y Galería Lisemberg. También ha tenido exposiciones en Brasil, EEUU, Ecuador, Ucrania, Francia, España, Canadá, Uruguay.
Desde 1984, Ester Gurevich se desempeña a la edición de libros y carpetas ilustrados, entre ellos: : Los caminos de Borges, La Kabalá, mitos y símbolos, El cantar de los cantares, La caja del amor y Érase una vez Sefarad .Además, ilustra libros para niños.
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Ester Gurevich was born in Buenos Aires. she began her formation as an artist with Maestro Battle Planes, in his Institute for the Investigation of Form. She studied Psychology of Form and Symbology, and she and began to do research. From 1971 to 1976, she participated in congresses about Semiotics and Psychoanalysis, writing about Visual Communication in Italia, Venezuela y France. In 1983, she taught seminars on Creativity at the San Martín Cultural Center in Buenos Aires. In In 1983-84, she worked in the National Cultural Secretariat in the area of visual arts.
Gurevitz has exhibited her art work sincen1 968. Some of those exhibits took place in the Lindsey Gallery, the Van Riel Gallery, the Damazo Arce Museum, the Museum of Modern Art, the Siborí Museum, the Praxis Gallery, the Recoleta Center and the Lisemberg Gallery. She has held shows in Brazil, the United States, Ecuador, Ukraine, France, Spain, Canada and Uruguay.
Since 1984, Ester Gurevich has dedicated he efforts to the editing of books and illustrated folders, among them: Los caminos de Borges, La Kabalá, mitos y símbolos, El cantar de los cantares, La caja del amor y Érase una vez Sefarad. She also illustrates children’s books.
OBRAS DE PAPEL Y TÉMPERA/WORKS MADE OF PAPER AND TEMPURA
Sin título/No title Papel hecho a mano/Handmade paper, 1999
Sin título/No title Papel hecho a mano/Handmade paper, 1999
me llamo azul/my name is blue, Papel frances, papel hecho a mano y témpera/French paper, papel hecho a mano and tempura, 2005
Cazador de instantes/Hunter of Instants Papel frances, papel hecho a mano y témpera/French paper, Handmade paper and tempura, 2005- 2006
a vida secreta de los colores/To a Secret Life of Colors Papel frances, papel hecho a mano y témpera/French paper, Handmade paper and tempura, 2006
imaginar es una posibilidad de cambio/To imagine is a Possibility for Change Papel frances, papel hecho a mano y témpera/French paper, Handmade paper and tempura, 2005
ESCULTURA/SCULPTURE
Movi-Esculturas (esculturas que entran por encastre) 1/Mini-Sculptures (sculptures made with grooved beams) 1979-1983
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LIBROS ILUSTRADOSPARA NIÑOS/ILLUSTRATED CHILDREN’S BOOKS
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EDICIÓN Y ILUSTRACIÓN DE LIBROS/BOOK EDITING AND ILLUSTRATING
La poeta judía-cubana Juana García Abás nació en La Habana en 1950. Sus padres fueron de ascendencia sefardita de las Islas Canarias, Ha trabajado como periodista, dramaturga, guionista, crítica de arte y es una especialista en los medios masivos. Estudió el escribir de la poesía con José Lezama Lima, Cintio Vitier y Roque Dalton. Luego, llegó a ser una socia de la prestigiosa Unión Cubana de Escritores. En 2006, fue otorgada el Premio Nacional de Poesía “Nicolás Guillén,” uno de los honores literarios cubanos más importantes por su colección Circonloquio.
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The Cuban-Jewish poet Juana García Abás was born in Havana in 1950. Her parents were descended from Sephardic Jews on the Canary Islands. She has worked as a journalist, playwright, screenwriter and art critic and is a specialist in mass media She studied poetry writing with world-renowned Cuban writers José Lezama Lima, Cintio Vitier and Roque Dalton. Some years later, she became a member of the prestigious Unión Cubana de Escritores (Cuban Writers Union.) In 2006, she was awarded the Premio Nacional de Poesía “Nicolás Guillén,” (The “Nicolás Guillén,” National Poetry Prize, one of Cuba’s most important literary honors for her book length collection Circonloquio (Circumlocution.)
Soy artista visual dedicada principalmente a la pintura acrílica, el grabado, la cerámica, y el arte objeto. Mi trabajo investiga la textura y el color. Me interesa el color y la textura, y me motiva la vida cotidiana en las ciudades. He realizado exposiciones privadas en Costa Rica, México, El Salvador y colectivas en diversas partes del mundo, tales como Estados Unidos, Francia, España, Nicaragua, Argentina, Chile y otros. Obra de mi autoría ha sido seleccionada por comités curatoriales para participar en diversas exposiciones y subastas, por ejemplo, los libros de artista “Identidad y Diversidad”, “Art Bra”, “Sumarte”y “Salón Anual ACAV” Cadaqués, Bulgaria. Soy Licenciada en Sociología y en Psicología por la Universidad de Costa Rica.
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I am an visual artist who works principally in acrylic painting, prints, ceramics and art objects. My work investigates texture and color. Color and texture interest me, and I am motivated by everyday life in cities. I have had solo exhibitions in Costa Rica, Mexico, El Salvador and participated in group shows in different parts of the world, such as the USA, France, Spain, Nicaragua and Argentina, My works have been selected by curatorial committees in diverse exhibitions and auctions, for example, the artist’s books “Identity and Diversity”, “Art Bra”, “Sumarte”, “Salón Anual ACAV” Cadaqués, Bulgaria. Soy Licenciada en Sociología y en Psicología por la Universidad de Costa Rica. I hold degrees in Sociology and Psychology from the University of Costa Rica.
Tanto la técnica espontánea con la que realizo mis trazos como el movimiento de los elementos: marea, cielo y navío; expresan mi pasión por la libertad; como una “almirante” sorteando los vaivenes de la vida y aventurando en la incertidumbre que provoca el sello de la impresión en el papel.
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Que es mi barco mi tesoro
Que es mi Dios mi libertad
Mi ley la fuerza y el viento
Mi única patria la mar.
-Jose de Espronceda, La canción del pirata
Tanto la técnica espontánea con la que realizo mis trazos como el movimiento de los elementos: marea, cielo y navío; expresan mi pasión por la libertad; como una “almirante” sorteando los vaivenes de la vida y aventurando en la incertidumbre que provoca el sello de la impresión en el papel.
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As much as the spontaneous technique with which I make my strokes as the movement of the elements, tides, sky, vessels, express my passion for liberty, I am like an “admiral” navigating the ups and downs of life and hazarding the uncertainty that the impression’s stamp provokes on the paper.
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CUADERNOS DE NAVEGACIÓN/NAVIGATIONAL LOGBOOKS
Odisea — Acrílico , 110 cm x 200 cm, 2016
Serie Cuadernos de Navegación — Grabado, 70 cm x 100 cm, 2016
Serie Cuadernos de Navegación #3 — Grabado 70 cm x 100 cm, 2016
José Gurvich nace el 5 de enero de 1927 en Yatsmev, Lituania, y emigra junto a sus padres al Uruguay en el año 1932. Instalados en el Barrio Sur de la capital Montevideo, lugar donde se concentran los inmigrantes de origen judío. En 1942 comienza a estudiar pintura en la Escuela Nacional de Bellas Artes bajo la dirección del pintor uruguayo José Cúneo. Dos años más tarde conoce a Joaquín Torres García, quien lo invita luego a incorporarse al núcleo del Taller Torres García. Desde entonces, hasta el cierre oficial del Taller, Gurvich participará en todas sus actividades, que incluyen publicaciones, exposiciones (locales e internacionales), realización de murales, enseñanza, etc. Luego de viajar por Europa junto a otros artistas uruguayos, en 1954 es invitado por el Kibutz Ramot Menasche de Israel para realizar un mural para el comedor público. Se instala allí, y se incorpora a su vida cotidiana, trabajando incluso como pastor de animales. Expone en Tel-Aviv, vuelve a Europa, y en España se dedica a estudiar a los maestros españoles Goya y Velázquez, pero luego se inclina por El Bosco y Bruegel. Vuelve a Montevideo donde continúa una intensa actividad artística. En 1963 se muda al barrio Cerro, ámbito suburbano de Montevideo, instalando en su casa dos talleres, uno para cerámica y otro para pintura, donde asisten numerosos artistas jóvenes. Vuelve con su familia a Europa e Israel a fines de 1969. En 1970 , llega a Nueva York, donde se vincula a numerosos miembros del Taller Torres García allí radicados. Instala su taller en el subsuelo del apartamento donde vivían, y participa, hasta su fallecimiento en 1974, en numerosas muestras y exposiciones tanto en Nueva York como en otros países
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JOSE GURVICH
Jos was born on January 5, 1927 in Yatsmev, Lithuania, and emigrated with his parents to Uruguay in 1932. Installed in the South Quarter of the capital Montevideo, a place where immigrants of Jewish origin settled, In 1942 he began to study painting at the National School of Fine Arts under the direction of the Uruguayan painter José Cúneo. Two years later he met Joaquín Torres García, who invited him later to join the nucleus of the Torres García Workshop. From then, until the official closing of the Workshop, Gurvich participated in all its activities: publications, exhibitions (local and international), murals, teaching, etc. After traveling through Europe with other Uruguayan artists, in 1954, he was invited by Kibbutz Ramot Menasche of Israel to make a mural for the public dining room. There he participated in their daily life, even working as a shepherd. He exhibited in Tel-Aviv, returned to Europe, In Spain he studied the Spanish masters Goya and Velázquez, but then favored Boschand Bruegel. He returned to Montevideo where he continued intense artistic activity. In 1963, he moved to the Cerro neighborhood, in the suburbs of Montevideo, installing two workshops in his house, one for ceramics and another for painting, many young artists studied there with him. He returned with his family to Europe and Israel in late 1969, In 1970, he arrived in New York, where he worked with many members of the Torres García Workshop there. He set up his workshop in the basement of the apartment where they lived, and participated, until his death in 1974, in numerous exhibitions and exhibitions both in New York and in other countries.
Estos hombres sufren excesos de emoción. El enojo que pone en peligro su salud corporal tanto como su salud mental. En el caso del hombre moderno, la agitación y miedo tendrán efectos dañosos sobre su corazón.
No tienen que seguir así. En la época del japonés furioso, se conocieron las enseñanzas de los maestros A Dai-o, Daito, y Kwanzan, los fundadores de la Escuela Rinzai del budismo zen japonés. Según ellos, se requiere una atención constante pero tranquila por parte del practicante. El pensamiento se libera, ni piensa ni deja de pensar. Se deja pasar.
Para calmar la ira, él debe practicar la meditación zen, sentarse sobre un cojín en la posición lotus. Para regular la mente, debe concentrarse en la respiración, la inspiración y la exhalación por cuarenta y cinco minutos cada día. Esta práctica se llama “zazen” (坐禅) en japonés.[1]
En la época del hombre asustado, existe las enseñanzas de Jon Kabat-Zinn, fundador de la Escuela de la “Concientización” donde practican un estado mental logrado por enfocarse en una percatación sobre el momento presente, mientras admitiendo y aceptando los sentimientos, pensamientos y sensaciones corporales.
Para calmar la ansiedad, él debe practicar esta meditación, sentarse sobre un cojín en la posición lotus o en una silla. Para regular la mente, debe concentrarse en la respiración, la inspiración y la exhalación por cuarenta minutes cada día. Esta práctica se llama “mindfulness” en inglés
[1] Toshusi Sharaku es grabador japonés del siglo diéciocho, creador de grabaciones policromas sobre papel. ¿Cuáles son sus temas? Actores del teatro kabuki cuya profesión consta de crear personajes no reales que emocionen al público. Aquí el famoso actor Otani Oniji, personaje histórico, tiene el rol de Yakko Edobe, un sirviente que hace actos violentos por parte de su maestro. Edobe es despiadado y cruel.
These men suffer from an excess of emotion. For the Samurai-like man, anger puts in danger his physical and mental wellbeing. In the case of the modern man, agitation and fear will have harmful effects on his heart.
Neither man needs to continue in this way. In the era of the furious Japanese man, the teachings of the masters A Dai-o, Daito, y Kwanzan , the founders of the “Rinzai School of Japanese Zen Buddhism. According to them, A constant and tranquil attention is required of the practitioner. Thought is liberated, one does not think or stop thinking. One just lets things go.
To calm his anger, he should practice Zen meditation, sit on a cushion in the Lotus position. To regulate his mind, he should concentrate on his breathing, inhaling and exhaling for forty-five minutes every day. This practice is called zazen” (坐禅) in Japanese.[1]
In the era of the frightened man, there are the teachings of Jon Kabat-Zinn. Kabat-Zinn is the founder of the Mindfulness Method, e that practices a mental state, achieved by focusing consciousness on the present moment, while allowing and accepting the feelings, thoughts and physical sensations that pass through the mind
To quiet his anxiety, he should practice this meditation, sit down on a cushion in the lotus position or in a chair. To regulate his mind, she should concentrate on his breathing, in and out for 40 minutes every dad. This type of meditation is called “mindfulness.”
[1] Toshusi Sharaku is a nineteenth century Japanese printmaker, a creator of polychromatic prints on paper. What are his themes? Actors of the Kabuki theater whose profession consists of creating characters that move their audience. Here is the famous actor, Otani Oniji, an historical figure, who is playing the role of Yakko Edobe, a servant who engages in violent actions on behalf of his master. Edobe is ruthless and cruel.
Raquel Orzuj se especializa en el dibujo significativo y la caricatura política. Este tipo de arte está caracterizado por su concisión—la necesidad de expresar un mensaje o punto de vista en un solo dibujo, con pocas palabras o ninguna.
Exige que ese dibujo pueda llamar y captar, instantáneamente, la atención de alguien que esté leyendo un periódico o revista. Orzuj dirige sus cartunes a un público global. Este es un ejercicio multicultural por antonomasia. Los dibujos sutiles y bien planeados; tiene que estar entendibles por gentes de muchas culturas y países. Una imagen, un color puede tener una asociación en una cultura y la opuesta en otra. Orzuj insinúan en vez de gritar sus comentarios. En sus dibujos, Raquel Orzuj se preocupa de la trasgresión de los derechos humanos, a todo nivel, en especialmente los de la infancia, la violencia de género, y la discriminación, en sus muchas formas.
En una entrevista por Fernando Puente, publicada en La Opinión de la Gente de Montevideo, Orzuj explica:
“Lo más fascinante para mi es publicar y concursar en Europa y Asia, es un reto cultural, pero también de género, por la escasez de mujeres en el campo -aún hoy, en pleno siglo XXI- de Editorial Cartoonists. Las metas y objetivos, profesionales, son dinámicos y permanentes, la avalancha de motivaciones, unida a la tecnología, imprime velocidad a la energía creadora multiplicando de manera sorprendente las posibilidades de ser.
Raquel Orzuj is a specialist in drawings with meaning and political caricature. This type of art is characterized by its concision—the need to express a message or point of view in a single drawing with a few or no words.
It is crucial that this drawing can capture, immediately and instantaneously, the attention of the reader of a newspaper or magazine. Orzuj directs her cartoons to a global public. Hers is a multicultural exercise in the extreme. The subtle carefully conceived drawings have to be comprehensible by people from many diverse cultures and countries. An image, a color can have one association in one country and the opposite in another, Orzuj insinuates rather than shouts out her commentaries In her drawings, Raquel Orzuj focusses on violation of human rights, at all levels; she specializes in those of children, the violence against women of and discrimination, in tis many forms.
In an interview with Fernando Puente, published in La Opinión de la Gente de Montevideo, Orzuj explains:
“The most fascinating part, for me, is to publish and participate in contests in Europe and Asia, a cultural challenge, but also of gender, given the scarcity of women in the field—even today in the twenty-first century—Editorial Cartoonists. The professional goals and objectives are dynamic and permanent, the avalanche of motivations, united with technology, requires quickness of creative energy, multiplying in a surprising manner the possibilities of being.”